León Gieco: una mirada a las utopías

León como en los 70's

Después de seis años sin discos de estrenos León Gieco lanzó “El desembarco”, un trabajo con nuevas canciones. La lujosa producción y el regreso al estilo clásico se destacan en la obra.

NOVEDADES DISCOGRÁFICAS

Por Néstor Pousa © 2011

Comprometido, polémico, sin pelos en la lengua. Así fue, es y será León Gieco. Te guste o no. Ejemplo: en febrero pasado, durante la conferencia de prensa luego de su actuación en el Festival Cosquín Rock en Santa María de Punilla, el santafecino se despachó, sin que nadie le preguntara, con la siguiente afirmación: “Hoy yo dije una cosa que no sé si va a ser cierta, pero si Uds. hacen una encuesta yo creo que la mayoría de acá (en referencia a los asistentes al festival) vota la reelección de Cristina, porque es gente inteligente, viste”. En concordancia con los resultados electorales que se confirmaron meses después, aquella noche de verano la mitad de los periodistas presentes lo aplaudió con entusiasmo, mientras la otra mitad guardó un respetuoso silencio. ¿Estos últimos serían -según Gieco- la mitad no inteligente que votaría otra opción?

A veces cuesta asimilar a este León militante oficialista. Cuesta porque desde afirmaciones como la descripta, comete el error de desacreditar a los que no piensan igual, algo impropio de un artista que siempre defendió la libertad de las ideas.

En este caso suscribo a las declaraciones del Indio Solari en la excelente entrevista que le hiciera Mario Pergolini la semana pasada en la Rock & Pop, donde el ex Redondo manifestó: “Como ya dije otras veces, no creo en el artista militante".

Pero hoy por hoy es imposible pedirle a Gieco esto. Y su obra es consecuente con sus declaraciones y sus actos en la vida civil. Es un vocero de los temas urgentes, sociales y políticos, todo está en sus letras, para quien lo quiera comprobar.

Fue así desde su primer canción, Hombres de hierro (de su disco debut editado en 1973), inspirada en una huelga general realizada por aquellos años en la provincia de Mendoza. Así empezó, y prosiguió en todos sus trabajos, y con la madurez sus canciones se volvieron más explícitas. En Por Favor, perdón y gracias, álbum de 2005, grabó Yo soy Juan, Santa Tejerina, El Ángel de la bicicleta, Los guardianes de Mugica y Un minuto (su toma de posición sobre la tragedia de Cromañon); todos clarísimos ejemplos.

A punto de cumplir 60, y luego de seis años sin discos de estrenos, León lanza El desembarco, un trabajo con canciones nuevas, con lujosa producción y que en cierta forma funciona como un homenaje a la música que lo influyó en su juventud.

Este flamante disco fue registrado con el espíritu de los años 60’s y 70’s, época a la que remiten los primeros pasos profesionales del autor de Sólo le pido a Dios.

Por eso se fue a grabar a Los Ángeles, cuna del movimiento hippie en aquellas décadas en que el rock fue la banda de sonido; y se rodeó de un plantel de músicos profesionales estadounidense que es como el equipo de los sueños para cualquier intérprete del rock en español.

En los créditos resalta el nombre de Jim Keltner, baterista que tocó al lado de las figuras más notorias que te puedas imaginar; además están Dean Parks y Mark Goldenberg en guitarras y Jimmy Johnson en bajo. Ellos completan la banda base, a los que su suman importantes músicos invitados.

Desairando la era digital, la grabación se realizó a la antigua, con micrófonos y equipos analógicos y grabadora de cinta abierta, de la forma en que se gestaron los discos más emblemáticos del género. No obstante todo este concepto de producción, nada hizo cambiar el estilo de León, es por eso que ni bien empiece a girar el disco la temática no será otra que la que lo desveló desde siempre.

Hay una fuerte carga nostálgica en Ella, una hermosa balada folk con acordeón que abre la lista y que está dedicada a su madre y justifica la melancolía.

Todo cambia en el segundo, donde con bronca rocker describe al argentino medio pelo. El Argentinito se llama, y el diminutivo funciona como descalificativo.

Entre la esperanza de Hoy bailaré y la crítica de Fachos, hay otros dos momentos que son claves: Canción del Bicentenario, una colaboración de Gieco con su viejo amigo Raúl Porchetto, que este grabó en Dragones y planetas (2010). Gieco nos muestra su versión y decide juntar por única vez a PorSuiGieco, mítico súper grupo de mediados de los 70’s. Así, a las voces de los nombrados, se suman los inconfundibles registros de Nito Mestre y de Charly García.

El otro momento es 8 de Octubre, otro dueto compositivo, esta vez con Luis Alberto Spinetta, que dedicaron a las víctimas del Colegio Ecos, tragedia vial que movilizó al país en pos de una ley de seguridad en la rutas. Spinetta se le había anticipado con sus propias versiones: en estudio en Guardado en la Memoria (homenaje doble a León Gieco realizado por el músico y productor marplatense Fabián Spampinato), y en vivo en el mega concierto de Las Bandas Eternas, ambos en 2009.

La canción que bautiza el álbum, en tanto, es uno de esos clásicos manifiestos de León. El desembarco alude a la utopía de pensar que una canción podía cambiar el mundo. El mundo con sus claroscuros siempre se mantuvo inconmovible ante esta pretensión, y hoy Gieco reflexiona: “No pretendemos ver el cambio, sólo haber dejado algo sobre el camino andado que pasó”.-

LISTA DE TEMAS

01. Ella

02. El argentinito

03. Las canciones

04. Hoy bailaré

05. Las cruces de Belén

06. Bicentenario

07. Mi estrella

08. Fachos

09. 8 de octubre

10. El desembarco

11. A los mineros de Bolivia

12. Latido del corazón

Guillermo Di Pietro: canciones que son parte del aire

Guillermo Di Pietro lanzó su tercer disco de versiones instrumentales sobre clásicos del Rock Argentino. En “Ríos que dan al mar” el pianista revisa la obra de Fito Páez. El sábado 12 de noviembre lo presenta en el Teatro del Libertador.

COMENTARIOS DISCOGRÁFICOS

Por Néstor Pousa © 2011

Luego de la aparición en 2007 de Variaciones sobre Spinetta, y de su sucesor, Desarma y sangra (Variaciones sobre Charly García) en 2009; el pianista Guillermo Di Pietro cierra una perfecta trilogía con la edición de Ríos que dan al mar, en donde el compositor elegido esta vez es Fito Páez.

Ríos que dan al mar, al igual que sus antecesores, es un viaje en libertad por la obra del rosarino. Un recorrido por canciones cuyas melodías originales pueden aparecer, según cada caso, encubiertas o literales, de acuerdo al vuelo interpretativo de Di Pietro. Pero no es un trabajo que deba entendérselo como un tributo o un homenaje en el sentido estricto de la palabra. Ya en una entrevista anterior, este pianista cordobés (de Marcos Juárez) radicado en Villa Carlos Paz, nos decía no tener la visión de un fan. Es hora de ampliar ese concepto.

“No soy fanático porque el fanatismo supone un enceguecimiento, un estado irracional para con lo que nos fanatizamos -asegura Di Pietro, y prosigue- desde ese estado no podría hacer nada de lo que hago, porque las canciones originales me inhibirían. Aclarando eso, digo que en los tres casos, y sobre todo en Charly y en Fito, todos son artistas que escuché siempre, que los fui a ver en vivo cuantas veces pude (y puedo), que sigo la obra de cada uno, disco a disco. Creo que me inspira, inicialmente, el amor que les tengo. Pero además, sus músicas son extraordinarias y son sumamente inspiradoras para elaborar mi música. Además, ellas guardan un montón de perfumes simbólicamente importantes. Son músicas que están íntimamente ligadas a mi infancia, a mi adolescencia, a los amores de esa época, a los amigos, ir a los conciertos con mis hermanos. En mi vida personal, muy pocas músicas más contienen tanto afecto como calidad musical”.

-La selección de temas de "Ríos..." es exquisita. ¿Cómo elegís las canciones? ¿según tu gusto personal, por intuición, por las posibilidades que te da cada canción para experimentar y explorar?

“Hay un poco de cada cosa, pero si la canción no me gusta, nunca me voy a poder meter de lleno. El primer filtro es el gusto personal. Dentro de eso hay canciones que las puedo trabajar mejor que otras, de acuerdo a mis posibilidades. En todos los casos lo que hice fue escuchar disco por disco de cada compositor que iba a trabajar y fui anotando los títulos de las canciones que me gustaban y que, a priori, consideraba que se podían trabajar. Después fui viendo las que funcionaban y las transcribía para ir viendo en papel sus posibilidades musicales. Finalmente desconozco cuál es la causa que hace que una canción funcione o no. Hay un nervio que las hace interesantes que a veces aparece y otras no. Quizás en el momento de preparación no pude dar con la idea y la encontré una vez finalizada la grabación. También me pasó que una versión la grabé y después no entró porque no me convencía, y otras veces que el arreglo mío no me gustaba y después de un tiempo, ya grabado el disco, me gustó y no quedó grabada. Por eso me tomo bastante tiempo para trabajar, probar ideas, dejarlas descansar, volver a retomarlas e ir escuchando cómo evoluciona cada canción”.

-¿Qué diferencias hay en la forma de componer de Spinetta (en guitarra), y de Charly y Fito (en piano)?

“Es muy complejo todo, pero simplificando podría decir que en Spinetta enseguida queda en evidencia que trabaja desde la intuición. Y desde la guitarra, ya que hay sonoridades que desde el piano a nadie se le ocurrirían. Eso, sumado a la inventiva musical extraordinaria que tiene, da como resultado una música sumamente original. Esa manera extraordinaria de poner acordes, sobre melodías a veces simples, a veces sumamente complejas. En Charly siempre late la academia, a veces muy manifiesta, otras no tanto. Hay una aparente simplicidad en su música que esconde sutilezas que terminan poniendo su música a distancias siderales de las que, en apariencia, se parecen. Y en Fito se siente que detrás de su música están esas músicas que, dice él, se escuchaba en su casa: la bossa nova, el tango piazzolleano, el jazz, el folklore argentino. Cuando te metés en su música, está todo ahí, latiendo debajo de esas canciones maravillosas. Son tres genios de la cancionística, tres compositores de canciones infalibles. Como Yupanqui, Gardel, el “Cuchi” Leguizamón, Gershwin, Jobim, Caetano Veloso, Virgilio Expósito, Los Beatles. Para mí, todos pertenecen al mismo club, más allá de los géneros musicales con los que componen”.

-El título que elegiste para el disco recorta un fragmento de la letra de “Parte del aire” (dedicada por Fito a sus padres), a la vez que: ¿sugiere lo que representan para vos las canciones?

“Sí, totalmente. Tanto el título de la canción como ese verso. Por un lado, son canciones que están ahí, en el aire. Muchas de ellas, con el tiempo, serán folklóricas, en el sentido de que se cantarán por otras generaciones sin importar quién la compuso, serán parte del aire. Por otro lado, usé esa metáfora de los “ríos que dan al mar” porque para mí esas canciones son músicas que me llevan a lugares más amplios, que desembocan en otras músicas y me permiten ‘bucear’ en otras profundidades”.

-¿Con “Ríos que dan al mar” completaste una trilogía? ¿O tenés algún otro capítulo en carpeta?

“Este disco cierra lo que, espero, sea la primera etapa. No tengo otro autor ligado al rock a quien le dedicaría un disco entero. De todas maneras trato de pensar a esta música, y a todas en general, como parte del cancionero popular, más allá del género en el cual se inscriben inicialmente. Por ahora no tengo nada concreto en carpeta, sólo algunas ideas dando vueltas.

-¿Dónde se pueden conseguir tus discos?

“Legalmente, en las disquerías: María Callas, Scherzo y Étnica, de la ciudad de Córdoba. También tiene distribución nacional, tendría que estar en ‘todas las disquerías’. Hay venta on-line a través de la página http://www.guillermodipietro.com/ Ilegalmente, están por ahí dando vueltas, ya se sabe”.-

Di Pietro en vivo. El sábado 12 de noviembre desde las 19:00 hs Guillermo Di Pietro cierra las presentaciones de “Ríos que dan al mar” en el Teatro San Martín de Córdoba (Av. Velez Sársfield 365) en la Sala Luis de Tejeda, dentro del ciclo “Disco es Cultura”. Músicos invitados: Andrés Sosa (guitarra) y Federico Fernández (bandoneón). Entrada General: $ 20.

Lista de temas

1. Dejaste ver tu corazón
2. Carabelas nada (a)
3. Parte del aire
4. Giros
5. Tres agujas
6. Ciudad de pobres corazones
7. Instant-táneas
8. Carabelas nada (b)
9. Yo vengo a ofrecer mi corazón
10. Hay otra canción

Deep Purple: perfectos conocidos

Gillan & Morse en acción  (*)

La célebre banda inglesa pisó por tercera vez suelo cordobés. El Orfeo Superdomo fue la locación elegida para este show que tenía que hacer olvidar la fallida performance en Cosquín Rock ‘09.

RECITALES

Por Néstor Pousa © 2011

Cuando Deep Purple llegó por primera vez a Córdoba -en diciembre de 2006- fue un hecho extraordinario que pensamos no volvería a repetirse. Pero en el verano del 2009, el Festival Cosquín Rock -por entonces en la comuna de San Rocke- los tenía como uno de los números internacionales y favoritos en su cartelera. Lamentablemente esta fue una actuación fallida a causa de los problemas de salud que tenían a mal traer las condiciones vocales de Ian Gillan. Y Purple con un Gillan en una gamba, no es Purple. Resultado: todos nos volvimos decepcionados esa noche de la comuna.

Por eso esta nueva aparición en los escenarios cordobeses de la banda que es una de las fundadoras del estilo pesado y duro del rock, tenía que hacer olvidar aquella falsa performance, había que poner las cosas en su lugar, y eso fue lo que ocurrió.

La presentación del martes 18 de octubre en el Orfeo Superdomo fue definitivamente superior a la de febrero de 2009, porque mostró a un Ian Gillan con su garganta en mejores condiciones para afrontar un repertorio que es muy exigente, aún para él mismo. Canciones que cuando fueron concebidas, jamás proyectaron que las iban a tener que seguir tocando a los 66 años (edad actual de Gillan), y que cada actuación iba a ser una exigente maratón.

Esta vez el cantante y líder pasó la prueba, a pesar que en algunos pasajes parecía no llegar a aquellos increíbles falsetes de otros tiempos.

En cuanto al resto, resulta difícil no extrañar la Stratocaster de Ritchie Blackmore; o al inefable Jon Lord atrás del Hammond, porque fueron ellos los que delinearon la marca registrada de su sonido. Pero estos ya no están y Deep Purple logró sobreponerse a esas bajas y siguió su camino como casi ninguna otra banda de rock and roll lo pudo hacer.

El repertorio, eso sí, es impecable. No hay objeciones, salvo que uno sea muy exigente y reclame números como Child in time, el que hace mucho tiempo que Gillan ya no canta en vivo. El lugar de ese colosal lento lo ocupa When a man blind cries. Hay otras canciones, como Burn o Stormbringer, que indefectiblemente se negará a entonar porque fueron grabadas por David Coverdale, el cantante que sustituyó a Gillan cuando este se alejó de la banda; y se sabe que los celos y peleas entre estos célebres músicos ingleses siempre estuvieron a la orden del día.

El único que tiene asistencia perfecta en 43 años de carrera es Ian Paice. Al baterista, y miembro fundador, es un placer verlo en vivo, por su increíble precisión y resistencia para tocar durante dos horas completas sin parar. En sus parches y en el monolítico bajista que es Roger Glover, se sustenta el clásico sonido púrpura.

A Steve Morse y a Don Airey les toca lo más difícil, ellos son los reemplazos de Blackmore y Lord, y la verdad es que por condiciones están a la altura de la responsabilidad que les toca. Tal vez por eso son presentados con especial énfasis cuando abordan sus partes solistas: Morse con sus propios temas instrumentales (Contact lost y The well dressed guitar); y “The incredible Don Airey” (sic Gillan) en una especie de suite que incluyó momentos de Piazzolla interpretados con solvencia.

La lista de temas no descuidó casi ninguna época. El comienzo fue demoledor y sin respiro con un doble tándem de Highway Star; Hard lovin’ man, Maybe I’m a leo (uno de esos riff implacables) y Strange kind of woman.

Viaje al más acá para presentar lo más moderno del repertorio, el tema que titula la placa Rapture of the Deep, una melodía orientalista que defiende el prestigio de la banda en el nuevo milenio.

Durante toda la noche Gillan entrará una y otra vez a tomar aire a su mini bunker camuflado atrás de la batería de Paice, y volverá a la carga con Knocking at your back door; y luego tras la intro fantasmagórica de los sintetizadores de Airey, con una gran versión de Lazy en donde desenfundará su armónica por única vez.

En los directos de Purple jamás faltaran los contrapuntos entre guitarra y órgano; y entre la voz y la guitarra; ni los fraseos de conocidas melodías que uno jugara apuradamente a adivinar de cual se trata, hasta que te quedas sin tiempo porque ya se viene otro set tan arrollador como el del comienzo, con Perfect Strangers, Space truckin’ y el riff más famoso del mundo: Smoke on the water, del que no hace falta agregar nada más.

Había que ver las caras de los fans, había que ver sus pintas. De lo más variado de la fauna vernácula recitalera, porque una banda como Deep Purple atraviesa generaciones. Pero faltaba algo, cumplir con la liturgia de todo concierto de rock, el cual debe tener, sí o sí, bises. Fueron dos: Hush (uno de los temas que menos se parecen a Purple) y por fin Black night, extraña paradoja para una noche que, por el contrario, se había iluminado con el mejor rock de todos los tiempos.-

(*) Foto: Sergio Cejas (http://www.lavoz.com.ar/)

Deep Purple va por el triplete en Córdoba

CARTELERA

Por Néstor Pousa © 2011

La mítica banda inglesa liderada por el vocalista Ian Gillan llegará a Córdoba por tercera vez, luego de su paso en 2006 en el Estadio Juniors y en 2009 en el Festival Cosquín Rock en la Comuna de San Rocke. Esta vez será en el marco del tour Around the World Live y la primera en el Orfeo Superdomo, espacio que presentará para la ocasión su formato teatro, el contexto ideal para que los fans del grupo puedan volver a escuchar en directo grandes éxitos como: Smoke on the water, Highway star, Strange kind of woman, Black night, y muchos más.

La banda, formada en 1968, está compuesta en la actualidad por los históricos Ian Gillan (voz), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo); a los que suman Steve Morse (guitarra) y Don Airey (teclados).

Lo que hay que saber. Deep Purple se presentará el martes 18 de octubre desde las 21:30 hs en el Orfeo Superdomo (Cardeñosa 3450). 
Precios: Pista $495 - $440 - $385 - $330.  Sector Rojo $330 - $275 - $242 - $198.

Anticipadas: Dino Mall (Rodríguez del Busto - Ruta 20 - Dino Express San Vicente).-

Bio Púrpura. La historia de Deep Purple comenzó a tener peso específico en 1970 con la edición de su cuarto álbum, “In rock”, con el cual comenzarían a tener verdadera notoriedad. Habían debutado en 1968 con “Shades of the Deep Purple”, siempre con el liderazgo de Ritchie Blackmore, pero fue recién dos años después y tras varios cambios en su formación que darían el gran salto gracias a números como Child in time y Speed king contenidos en “In Rock”.

Para ese entonces la banda ya contaba con los integrantes más célebres que tuvo en toda su historia, Ian Gillan en voz, Jon Lord en teclados, Roger Glover en bajo, Ian Paice en batería, además del nombrado Blackmore, su emblemático guitarrista.

El éxito comercial y su prestigio seguiría creciendo en años subsiguientes con la publicación de “Fireball” (1971), y más aún con “Machine Head” (1972), el que incluye uno de los himnos rockeros de todos los tiempos, Smoke on the water. El colofón de tan impresionante seguidilla de éxitos sería la edición de un memorable disco doble en vivo registrado durante una serie de conciertos en las ciudades de Tokio y Osaka. Ese trabajo aparecido en 1973 se tituló “Made in Japan” y en su lista aparecían calientes versiones en directo que realzaban lo que la banda había conseguido en estudio. Así, Child in time, Highway Star, Strange kind of woman, Lazy y especialmente Smoke on the water pasaron a formar parte de una antología de clásicos musicales a escala mundial.

Junto con el suceso arrollador llegarían las peleas internas y las deserciones que hipotecarían el futuro del grupo. Se producen importantes cambios en su formación, David Coverdale reemplaza a Ian Gillan y Glenn Hughes hace lo propio con Roger Glover, así publican durante 1974 dos reconocidos trabajos: “Burn” y “Stormbringer”. Para “Come taste de band” de 1975 Tommy Bolin sucede a Blackmore. Será recién en 1984 con “Perfect Strangers” que la banda vuelve a alistar al dream team de Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord.

No obstante las idas y vueltas, las peleas y reconciliaciones, los altibajos y los trabajos solistas de sus integrantes, Deep Purple siguió escribiendo su rica historia hasta nuestros días. Hoy ya no están en sus filas ni Ritchie Blackmore, ni Jon Lord, las que podríamos considerar dos bajas sensibles. En su lugar aparecen, respectivamente, Steve Morse y Don Airey. De los históricos están presentes Gillan, Glover y Paice.

Su último disco editado a la fecha se llama “Rapture of the deep” (2005), pero lo que realmente les devolvió la sonrisa a los veteranos fans cordobeses es que por tercera vez en cinco años tendrán la oportunidad de reavivar el mito en un escenario local.-   

Horacio Burgos: “La música nos hace libres”

Burgos y su clase maestra

Organizado por Jammer´s School y con auspicio de la Secretaría de Cultura y Educación de La Falda, el  talentoso guitarrista Horacio Burgos dictó una clase maestra sobre su instrumento. 

Por Néstor Pousa © 2011

El primer sábado de primavera fue uno de esos días tan perfectos que te dan ganas de hacen mil cosas juntas. Horacio Burgos lo advirtió y por eso agradeció sinceramente a su auditorio por haberse tomado el tiempo para presenciar su clínica sobre “Acercamiento a la guitarra”.

El evento fue el primero organizado en el presente año por la Jammer’s School que dirige Marcelo Avilés; y fue el debut, en su condición de auspiciante, de la reformulada Dirección de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Falda, a cargo de Alicia Auferil, en funciones desde el 1 de septiembre pasado.

Fue un auspicioso debut tanto para la escuela como para el flamante ente municipal, porque el programa resultó ser de una altísima calidad.

Horacio Burgos se sumará prontamente al staff de profesores de la Jammer’s, academia que con casi dos años de actividad en la enseñanza de la música y las artes, pretende hacer historia en La Falda. De esta forma la clínica y master class de guitarra realizada por Burgos fue, además de su presentación ante el alumnado, el primero de una serie de eventos que prometen multiplicarse en el futuro cercano.

Casi todos conocemos a Horacio Burgos (guitarrista, docente, compositor y arreglador) no obstante repasar su curriculum no deja de sorprender. Tocó al lado de un montón de notables personajes, bastaría nombrar al Dúo Salteño, Alejandro Dolina (en la opereta Lo que me costó el amor de Laura), Rubén Rada, Baglietto, Ligia Piro, Zamba Quipildor, Peteco Carabajal, Mingui Ingaramo, Los Huanca Hua, Silvia Lallana, Germán Nager, Ica Novo, Claudia Brant, y nos quedaríamos cortos. Porque además compuso y grabó música para películas y sacó a pasear su arte por el lejano Japón, de gira junto a Jorge Cumbo y Hugo Fattorusso. De entrecasa, es miembro estable del elenco del Festival Nacional del Tango de La Falda.  

Su discografía personal incluye los álbumes: Burgos toca tango, Celebración, Reunidos y Burgos-Nager-Clark en Vivo.

En la concurrida intimidad de la sala Burgos confiesa haber renovado votos con la docencia, aunque desde hace ya diez años que es titular de la cátedra de guitarra en la especialidad de Música Argentina en La Colmena, prestigiosa escuela de música de la ciudad de Córdoba; y en el Laboratorio de Música Popular de Villa Carlos Paz. Y aunque desarrolla de manera intensiva sus clínicas sobre el Arte de la rítmica por distintas ciudades del país, la que realizó en La Falda el pasado sábado 24 de septiembre en el Salón Leopoldo Marechal fue distinta, y eso se percibió claramente.

Él propio protagonista reconoció haber contado cosas que no había dicho antes, y que de ahora en más debía sostener. Lo hizo con el magnetismo natural de un chamán, y consiguió mantener a la platea en atención permanente y en un silencio absoluto, para escuchar sus relatos de 40 años de experiencia. Un riquísimo universo de palabras que no sólo trataban sobre acordes, escalas, digitación y ritmos; sino que además mezclaba con cuentos, historias de vida, infaltables anécdotas, y citas a Borges, Piazzolla, Bach o Los Beatles, entre muchos otros. 

“Me di cuenta que la sensibilidad está a flor de piel en cualquier persona, y que la ciencia y el arte siguen aportando libertad; porque tocar un instrumento, pintar un cuadro, bailar, cantar; es una mera, maravillosa, hermosísima excusa que nos brinda el arte, pero para otra cosa: nada más, ni nada menos que para ser libres”, dejó como mensaje introductorio Horacio Burgos, y a la vez funcionó como epílogo de una clase maestra de guitarra y de música, en el más amplio sentido de la expresión. Ya se dijo, sus organizadores prometen que vendrán muchas más. Así sea.-

Babasónicos: voy a dar que hablar

Cumplen dos décadas de existencia, estrenan nuevo disco al que bautizaron “A propósito” y emprendieron la gira de presentación que el sábado 3 de septiembre pasó por Córdoba.

PRESENTACIÓN DE DISCO

Por Néstor Pousa © 2011

Hay quienes miden el éxito en términos de convocatoria de estadios, records de ventas de discos o rating televisivo, simplificando el asunto a una cuestión meramente cuantitativa. Tal vez la prosapia del Rock Argentino históricamente se resista a esta lógica, ya que los fundadores del género no fueron lo que se dice llena estadios. Recién en los 80 y por factores que vinieron por fuera del rock, el fenómeno se popularizó gracias a lo que hasta entonces no había tenido: difusión en los medios. Fue un reconocimiento forzado que, no obstante, aportó un poco de justicia con los referentes de un movimiento contracultural que estaba revolucionando la música popular del país y al que hasta entonces se lo había minimizado, discriminado y proscripto.

Hoy a Babasónicos ¿se la puede considerar como la banda del momento?, si es así, la evaluación no tendrá que pasar por si son tremendamente masivos o no, porque no lo son como La Renga, el Indio Solari o los mismos Divididos con sus homeopáticas apariciones. Aunque la afirmación sea antojadiza, los Baba merecen ser reconocidos, mucho más tal vez que algunos exponentes del rock de actualidad que gozan del beneficio que dan los números, y esto lo tienen ganado por ser fieles al carácter rebelde y provocador que inspiró al rock de los 70; y por tratar de no parecerse a nadie, ni siquiera a si mismos.

Babasónicos surgió a comienzos de la década del 90, con la actualización que propone cíclicamente cada comienzo de decenio. Formaron parte de una notable camada que se denominó Nuevo Rock Argentino. Mucho tuvo que ver la ciudad de Córdoba en este emerger de nuevas bandas, y uno de los principales responsables fue el legendario productor local Héctor Perro Emaides quien organizó un ciclo de recitales bajo aquel rótulo que implicaba una renovación de lo que se había escuchado profusamente durante la transición de los 80’s.

En esa élite de joven sangre rockera local encontrábamos a Los Brujos, Martes Menta, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Todos Tus Muertos, Babasónicos, Tía Newton; y también a Illya Kuryaki & The Valderramas, Massacre, El Otro Yo y Catupecu Machu. De todos ellos, los Babasónicos son hoy heroicos sobrevivientes que lograron atravesar todas las vicisitudes y mantenerse sin haber sucumbido a la excesiva transa.

Su recorrido a la fama, tanto como su discografía tienen un punto de inflexión claramente identificado, y se ubica justo en el promedio de su carrera, momento en el que editan Jessico, en 2001. Ese disco fue trascendental. Por entonces, si mirábamos hacia atrás había un repertorio que los había revelado como verdaderos provocadores del rock, con títulos como el inaugural Pasto (1992), Trance Zomba (1994), Dopádromo (1996), o Miami (1999). Álbumes que contienen temas emblemáticos de esa primera etapa en que se convertirían en celebridades underground y de culto

Pero apareció Jessico, a la sazón en uno de los discos más importantes de la década, y la cosa cambió substancialmente. Es el disco que toda banda en ascenso quiere grabar, pero a la vez un compromiso a futuro, porque igualar o superar ese hito se convertía en todo un desafío y una incógnita.

Sin embargo los liderados por Adrián Dárgelos no se amedrentaron y a partir de ahí procrearon una nueva seguidilla de excelentes trabajos: Infame (2003), Anoche (2005) y Mucho (2008), que efectivamente estuvieron a la altura de las circunstancias.

El Fauno Dargelos (fuente: lavoz.com.ar)

A propósito. Todo aquel que en el verano pasado escuchó el adelantado Fiesta popular, y pensó que por ahí venía la onda del nuevo disco, se comió el amague, porque ese es único rock que finalmente quedó en la lista de “A propósito”, tal el nombre del trabajo que están estrenando, y que es el primero realizado sin ningún aporte de Gabo Manelli, bajista y miembro fundador, muerto en enero de 2008.

Poco antes del lanzamiento entregaron el segundo corte, Deshoras, una canción pop que remite al amanecer del Rock Argentino, con una fuerte reminiscencia a Los Gatos de Litto Nebbia.

Una vez editado el álbum, promovieron Muñeco de Haití, una suite pistera de tres movimientos con pulso de fiebre de sábado por la noche, que en el vivo ensambla con sus antecesoras Deléctrico y Microdancing.

Y A propósito comenzó a rodar la vida, primero por el porteño Stadium Luna Park, para proseguir en el Orfeo Superdomo de Córdoba (el sábado 3/9) y continuar por Rosario. Para esta nueva fiesta popular armaron una lista que mezcló los temas nuevos y un repaso por el repertorio de 20 años a modo de antología; además de mostrar los últimos cambios que experimentó la formación, que hoy suma a Tuta Torres (ex Los Látigos) a cargo del bajo, y al anterior bajista sustituto Carca ahora tocando guitarra -su instrumento natural- y percusiones varias. El resto de la formación es la de las últimas dos décadas y por lo tanto sale de memoria: Adrián Dargelos Rodríguez en voz, Diego Panza Castellanos en batería, Diego Uma Rodríguez en guitarra, Diego Uma-T Tuñón en teclados y Mariano Roger en guitarras.

“Voy a dar que hablar, voy a dar que hablar… busco que me quieran” repite como un mantra ese extravagante frontman de extraños ropajes que es Dargelos en Pulpito, el mini track que se engancha al final de Tormento. Si ese era el propósito, vaya que lo lograron.-

Retrospectiva sobre el Rey del Rock & Roll

"Elvis para todos"

El Cineclub Municipal Hugo del Carril de Córdoba propone una exhaustiva revisión sobre la vida y obra de Elvis Presley. El prestigioso periodista Alfredo Rosso disertará en la apertura.     

Por Néstor Pousa © 2011

Del jueves 8 al domingo 11 de septiembre en el Cineclub Municipal Hugo del Carril (Bv. San Juan 49) de la ciudad de Córdoba, se realizará un ambicioso ciclo que revisará en forma exhaustiva la vida y obra del mayor ícono del Rock and Roll, Elvis Presley.

La muestra titulada Elvis para todos, contará con proyecciones de películas, documentales, disertación y música en vivo. Esencial, tanto para los seguidores del astro, como para los que no tienen la menor idea.  

Programación completa (fechas, horarios y precios de entradas).

Jueves 08/09 (15:30 hs) "Prisionero del rock" (Jailhouse Rock, EEUU, 1957, 97’, ATP). Vince Everett es un joven que ha sido enviado a la cárcel por matar accidentalmente a un hombre en una pelea de cantina. En prisión se dedica a cantar. Cuando le conceden la libertad condicional una bella mujer le da una oportunidad en el mundo discográfico. Dirección: Richard Thorpe. Con Elvis Presley y Judy Tyler.

Jueves 08/09 (18:00 hs) Apertura oficial del ciclo con la presentación del prestigioso periodista de rock Alfredo Rosso, moderada por Max Deluppi. La charla repasará los orígenes del rock ’n’ roll y sus “vasos comunicantes”: el blues rural, el blues urbano, el rhythm and blues y el country; y abordará luego la explosión del rock con Elvis Presley. La disertación se concentrará en la figura del “joven Elvis” en la sociedad de los años 50’s, que ayudó a transformar sustancialmente.

Jueves 08/09 (20:00 hs) "Elvis, los primeros años" (Elvis, EEUU, 2005, 173’, ATP). Con una cuidada y detallista recreación de época, narra la vida de Elvis desde sus humildes comienzos hasta su tremendo regreso a la música en 1968, luego de pasarse casi una década haciendo musicales de dudoso gusto en Hollywood. Lo dijo John Lennon: “Antes de Elvis no había nada”. Dirección: James Steven Sadwith. Con Jonathan Rhys Meyers y Randy Quaid.

Jueves 08/09 (20:00 hs) "Cry baby" (EEUU, 1990, 85’, AM18). En los años 50´s el rock es el rey, y Wade "El lágrima" Walker es el chico más malo de su instituto, un joven irresistible cuya habilidad para llorar una sola lágrima vuelve locas a las chicas. Especialmente a Allison Vernon-Williams, una rica y bella jovencita que se siente incontrolablemente atraída por el delincuente juvenil y su prohibido mundo de música rock, coches rápidos y mujeres aún más rápidas. Dirección: John Waters. Con Johnny Depp y Ricki Lake.

Viernes 09/09 (15:30 hs) "Viva Las Vegas" (EEUU, 1964, 85’, ATP). Romántico musical en el que Elvis interpreta a un piloto de autos de carreras que también canta, mientras que Ann-Margret es la bailarina de un casino. Dirección: George Sidney. Con Elvis Presley y Ann-Margret.

Viernes 09/09 y domingo 11/09 (18:00 hs) "Elvis '68 Comeback Special” (EEUU, 1968, 107’, ATP) Este programa se emitió por primera vez en la NBC, y es uno de los más grandes éxitos de la televisión de todos los tiempos. Después de este show todo cambió para Elvis. Pondría energía creativa renovada en sus grabaciones, se desligaría del cine, y regresaría a tiempo completo a los escenarios, comenzando una nueva y excitante era en su carrera. Un documental dirigido por Steve Binder.

Viernes 09/09 (20:30 hs) "Elvis: 1935-1977 / Videobiografía" (EE.UU., 2007, 67’, ATP) La vida de Elvis Presley fue tumultuosa, electrizante, dramática, exultante y muy, muy dinámica. Desde sus humildes comienzos, pasando por su meteórico ascenso, hasta su precipitado final, las mejores canciones de Elvis acompañan este fenomenal viaje por su vida y obra. Un documental dirigido por P. Badham.

Viernes 09/09 (23:00 hs) Música en vivo con La Rockabilera del Sur, banda de Monte Grande (Pcia. de Buenos Aires) con un repertorio de temas propios y versiones de grandes clásicos.

Sábado 10/09 (15:30 hs) "La mujer robada" (Love me tender, EEUU, 1956, 90’, ATP) Elvis Presley debuta en el cine con este western, ambientado tras la guerra civil estadounidense, en el que dos hermanos se enamoran de la misma mujer. Dirección: Robert D. Webb. Con Elvis Presley y Richard Egan.

Sábado 10/09 y domingo 11/09 (20:30 hs) "Elvis: That’s the way it is" (EEUU, 1970, 108’, ATP) El famoso documental rodado en Las Vegas en el verano del '70. El Rey del Rock, de vuelta ya de todo, comienza su etapa más glamorosa -y decadente, claro- pero siempre con un estilo inigualable. Contiene tomas de los ensayos, en camarines y sobre el escenario en donde Elvis se ratifica como un maestro. Documental dirigido por Denis Sanders.

Sábado 10/09 (20:30 hs) "Elvis: Nº1 Hit Performances and more" (EEUU, 2007, 80’, ATP). Una colección con 21 de sus hits Nº 1 y otros 9 clásicos, seleccionadas desde 1956, el año en que su estrella ascendió, hasta los 70´s cuando alcanzó la cima de su carrera.

Sábado 10/09 (23:00 hs) Música en vivo con The Chicken Faces banda cordobesa formada en 2009 que ejecuta auténtico rockabilly de modo purista (con contrabajo, instrumento fundamental en ese sonido). Repertorio de clásicos del género (Elvis Presley, Gene Vincent, Buddy Holly) y composiciones propias, combinando un desquiciado y frenético rock ’n’ roll con dulces melodías country.

Domingo 11/09 (15:30 hs) "3.000 millas al infierno" (3.000 Miles to Graceland, EEUU, 2001, 125’, AM18) Como cada año, en el Casino Riviera de Las Vegas se dan cita centenares de imitadores de Elvis, pero en esta ocasión, entre los asistentes se encuentra una banda que pretende robar el casino. Dirección: Demian Lichtenstein. Con Kurt Russell y Kevin Costner.

Domingo 11/09 (23:00 hs) "Mistery Train" (EEUU / Japón, 1989, 110’, AM13) Centradas en la leyenda de Presley y en su ciudad natal, varias historias casi surrealistas se entrelazan de manera azarosa. Dirección: Jim Jarmusch. Con Masatoshi Nagase y Youki Kudoh.

Entradas. Presentación de Alfredo Rosso: $10 (No Socios) y $5 (Socios), con el mismo ticket se ingresa a la función de las 20:00 hs. del jueves 8/9.

Música en Vivo: La Rockabilera del Sur  y The Chicken Faces $30 (No Socios) y $20 (Socios), a cada show.

Películas: Entrada General $10 (No Socios) y $1 (Socios y Estudiantes UNC, Colegio Monserrat y Escuela Manuel Belgrano). Promo 2x1: $11.

Anticipadas en el cineclub: Bv. San Juan 49. Tels.: (0351) 4332463 / 4341609.-  

Museo Beatle: la colección interminable

Como en Liverpool pero en Carlos Paz

La mayor colección mundial de memorabilia sobre Los Beatles estuvo en Carlos Paz. Pasá y enteráte de que se trata, en esta entrevista a Rodolfo Vázquez, su creador y propietario.   

ENTREVISTA

Por Néstor Pousa © 2011

Recorrer el Museo Beatle es como entrar a un lugar familiar. Allí encontré un ejemplar similar al primer simple que encontré entre los discos de mi casa; y está también el primer long play que me compré para inaugurar mi propia colección de vinilos. Esa fue la primera sensación, la otra fue maravillarse por algo tan sorprendente como puede ser la mayor colección de objetos sobre Los Beatles que existe en el mundo. Nada más y nada menos. Una increíble muestra de discos, autógrafos, fotos, juguetes y objetos de existencia impensada. Esto ocurrió en Carlos Paz durante las vacaciones de invierno, en el edificio más moderno que tiene la villa y lo que sigue es una entrevista exclusiva con Rodolfo Vázquez, creador y propietario de la colección.

“Comencé a coleccionar a los 10 años, cuando me regalaron el disco Rubber Soul y me enamoré de Los Beatles, sobre todo escuchando el tema ‘In My Life’. A partir de ahí empecé a juntar cosas, todo lo que tuviera una imagen Beatle”, dice Rodolfo, porteño del barrio de Chacarita, quien está a punto de cumplir 54 años y que siempre trabajó con su padre y hermano en un negocio familiar, pero que desde hace varios años a esta parte se dedicó a su propio emprendimiento, el Cavern Buenos Aires, un espacio con varias salas de espectáculos y gastronomía. Rodolfo además escribe y ha publicado varios libros de aforismos, poesía, cuentos y uno próximo a editar sobre el coleccionismo de Los Beatles.

  

  -¿En qué momento  ‘juntar cosas’ dejó de ser sólo un hobby?

“La muerte de John Lennon me transformó en coleccionista profesional. Después de su muerte tuve la oportunidad de viajar a Estados Unidos y pude comprar el primer objeto de valor para mi colección que fue un autógrafo de Lennon. A partir de ahí me transformé de un juntador de cosas en un coleccionista”.

  -¿De cuántos objetos consta hoy la colección? 

“Alrededor de 8600 piezas, no lo sé exactamente porque me faltan clasificar cosas y todo el tiempo estoy agregando objetos, me han regalado muchas piezas desde que abrí el museo”.

  -¿La enorme discografía es para vos lo más valioso de tu colección?

“La discografía es lo más fácil de conseguir y además es muy numerosa, hay en todos los formatos, reediciones y de todo el mundo. El 60% calculo debe ser discografía. Pero no es lo más importante, las demás piezas, desde juguetes hasta autógrafos, son más difíciles. A mí personalmente, si bien los Beatles entre otras cosas son la música, me gustan más los objetos, el merchandising”.

  -¿Los objetos de distintos países supone una misma cantidad de viajes tuyos por el mundo? si no es así, ¿de qué forma te juntas con las piezas?

“No exactamente, he  viajado, pero hoy se compra por Internet y te lo mandan. Tuve la oportunidad de viajar, comprar e intervenir en subastas, pero también he cambiado gran cantidad de material con coleccionistas de otras partes del mundo”.

  -¿Cómo llegaste a ser Record Mundial Guinnes?

“El premio Guinness me lo dieron en 2001 por tener la colección de objetos relacionados con la memorabilia sobre los Beatles más grande del mundo. Fueron trámites largos de casi 8 meses. Averigüé si había algún record sobre este tipo de coleccionismo, me postulé, presenté más de 400 fotos, todos los artículos certificados por escribano, listados, notas, todo lo que pudiera avalar la colección. Notas de personalidades importantes del país, después mandaron un veedor. Y luego de hacer ciertas investigaciones, me avisaron que tenía el record”, y agrega: “hay algunos coleccionistas con mucho material, pero no de esta magnitud”.

  -¿Cómo explicarías la pasión por coleccionar objetos de Los Beatles?

“Soy amante del coleccionismo. No sólo de Los Beatles, es una pasión que te atrapa y una vez que lo hizo no te deja jamás. Para quien no tiene esa pasión es difícil entenderlo, muchos te tildan de loco o extraño. Es porque no les picó el  bichito del coleccionismo. Es algo que debería fomentarse en las escuelas desde chicos”. Para Rodolfo el coleccionismo conlleva beneficios insospechados, y los enumera: “contribuye en el desarrollo de nuevos estímulos culturales y desarrolla el sentido de la estética, el aprendizaje, el lenguaje, enseña a divertirse, a estudiar y conocer, estimula la serenidad física y psíquica, cultiva el gusto por la belleza, aplaca la ira, la agresividad, la violencia, la intolerancia y contribuye a la valorización sana y constante del tiempo ocioso. El coleccionismo -amplía- lleva implícito valores culturales, estéticos e históricos y es a la vez un puente entre generaciones”. Casi nada.

  -Entonces la tarea de un coleccionista, y más tratándose de Los Beatles, ¿no termina jamás?

“No termina jamás, sobre todo de esta tremenda banda, con tanta historia, tanta música, con vidas tan ricas de cada uno de sus integrantes y con esa magia que siguen transmitiendo en todo el mundo. Siempre hay material para agregar y aparecen cosas que no sabías ni que existían. Hay cientos de catálogos con cosas diferentes, de épocas distintas. Coleccionar cosas de los Beatles te mantiene alerta todo o el tiempo, difícilmente puedas aburrirte”.

Sin embargo Rodolfo siente que tiene una materia pendiente cuando le pregunto si alguno de los integrantes de Los Beatles tomó contacto con él y su colección.  “Aún no, pero no pierdo las esperanzas -responde- tuve contacto con muchas personas allegadas, como Louise Harrison, hermana de George; con Julia Baird, hermana de John Lennon; con Pete Best, primer baterista de los Beatles;  con Tony Sheridan, Davy Jones, Alan Williams, Alistair Taylor, Klaus Voormann, Astrid, Yoko Ono y otros personajes, pero aún no pude darle la mano a ninguno de ellos, es lo que me falta para completar la colección”.-

Museo Beatle todo el año. Parte de la colección está en forma permanente dentro del Cavern Buenos Aires en el Paseo La Plaza (Corrientes 1660, Capital Federal) que está abierto todos los días de 10 a 24 hs. El complejo cuenta con un Beatle Shop, se pueden sacar fotos y se realizan visitas guiadas para los colegios.-

Semana Beatle de Latinoamérica. Se realizará del 25 de noviembre al 8 de diciembre próximo en The Cavern Buenos Aires y viene como invitada la hermana de George Harrison, Louise Harrison, con motivo de cumplirse los diez años de la muerte de George. Será la 11va. edición consecutiva y la banda de Latinoamérica que resulte ganadora irá a tocar el año que viene a la Beatle Week de Liverpool en el mes de agosto.-

Babasónicos estrena documental en Córdoba

Babasónicos estrena en Córdoba el documental sobre su flamante disco titulado "A propósito". 
La proyección contará con la presencia de  Adrián Dárgelos (cantante y líder de la banda).

Lugar: Campus de la UBP (Donato Álvarez 380 - Argüello)

Fecha: martes 23 de agosto a las 19 hs.

Reserva tu lugar escribiendo a: 
radiopascal@ubp.edu.ar

¡Que vuelvan los wincos!

Feria de Vinilos en Córdoba
Fecha: domingo 17 de julio
Hora: desde las 17:00
Lugar: Espacio Cultural BORDES (M.T.de Alvear 837 – Cba.)

5ª edición de la reunión de melómanos cordobeses que nació el año pasado. Un lugar que reúne a fanáticos del vinilo, pero también a amantes de la música en general, ya que allí encuentran un lugar donde poder compartir experiencias sobre esta pasión.

• Compra 
• Venta
• Canje
• Otros formatos (casettes, cds, dvds, vhs, revistas)

También en esta ocasión, el escenario de BORDES recibirá en vivo a dos clásicos del rock cordobés en formato acústico: Micomicona Grey (rock) y Año Luz (rock y blues)

Contactos de Prensa
Crim Baez: (0351) 155-448892 - crim38baez@hotmail.com
Martín Carrizo: (0351) 156-677512 - martinmcarrizo@yahoo.com.ar

Un documental pensando en el Metal



Astrain y su cabeza de metal

Se estrenó en Huerta Grande “Heavy mental, metal pensado”, el video documental de Juan Astrain que se sumerge en los orígenes del heavy metal. Como cierre Apócrypha mostró sus nuevos temas.

ENTREVISTA

Por Néstor Pousa © 2011

No es un psico-ensayo sobre la industria siderúrgica de nuestro país, “Heavy mental, metal pensado” es una película biográfica sobre el heavy metal desde las profundidades de sus orígenes hasta nuestros días, y que la noche de su estreno en Cine Club Municipal Hugo del Carril de Córdoba, tuvo la virtud de congregar una sala repleta de heavys emocionados que demostraron su fidelidad por lo que ellos consideran un culto y una ética de vida, más que un estilo musical.

Juan Astrain es el productor y director del documental y quien relata: “En un principio me movilizó la necesidad de recibirme (Nota: el documental fue su tesis en Comunicación Social) pero la culminación de mi carrera terminó siendo una mera excusa para poder dar a luz esta especie de primer hijo, que creo nació sanito. El hecho de hacer un documental de heavy salió directamente de pulsiones, de sensaciones propias. El metal me acompañó siempre, despertándome cosas muy fuertes que quería explorarlas al extremo. El documental fue el intento de cumplir con eso”.

Ok, he aquí un detalle fundamental, Juan no eligió el tema de su tesis al azar, sino que fue guiado por una pasión que nació mucho antes que su interés por la carrera que cursó. Juan es tan fana del heavy como hincha de Belgrano, dato no menor este último por estos días.

Luego es el director mismo quien confiesa que: “Hasta el último fotograma de la narración tuvo la impronta de lo instintivo. Si bien hubo cuestiones que por un orden cronológico debían mantener un destino lineal; las entrevistas, los recitales y el milagro de la llegada de Metallica a Córdoba (el 24-01-10) alteraron toda la historia... y no sabés cuanto me alegro. Creo que esa espontaneidad lo hizo más creíble, más sensible, más metalero”.

Le pregunto si su mirada fue la de un documentalista neutralizando al fan, o viceversa. O en todo caso ¿qué porcentaje hubo de cada uno a la hora de realizarlo?

Responde: “Gran parte del docu está narrado desde mis propias emociones, así que tiene mucho de mi ‘yo heavy’. De todas formas el ‘yo documentalista’ estuvo latente a la hora de salir del campo del ritual metalero. Cuando lo vean le van a sacar el crédito a mi respuesta, pero me tiro a un mentiroso 50% y 50%”.

El trabajo, que saltó de los claustros universitarios a las salas de cine del circuito no comercial, ha tenido amplia aceptación por varias razones, en principio porque es el primero sobre este género que se hace en el país, y por lo tanto la grey metalera, con el profundo sentido de pertenencia que profesan, no le iba dar la espalda.

Hasta ahora fue exhibido en Córdoba Capital, Unquillo, Alta Gracia y Villa María, y están programadas funciones en Carlos Paz, Río Cuarto, Catamarca, La Rioja, San Luis y algunos lugares más.

La del sábado 2 de julio en el pub Don Corleone de Huerta Grande se incorporó a la lista, y sumó como broche final la actuación en directo de Apócrypha presentando la totalidad de los temas de su próximo álbum que se titulará “Motores del metal”.

Sobre el documental podemos asegurar que se destaca por lo minucioso del relato sobre el nacimiento del género en Inglaterra y su fuerte arraigo en nuestro país desde principios de los 80’s. Es original el comienzo y el final, en donde es el propio director quien se hace cargo del rol protagónico y con voz en off va entrando y saliendo de la historia con datos puramente personales. El rescate se pone más emotivo y nostálgico cuando se aborda la escala cordobesa, con testimonios e imágenes de los referentes más importantes de la época.

Astrain, presente en la gélida noche invernal de Huerta Grande, aseguró: “Voy e iré a cada función, creo que es necesario para terminar de darle sentido al ritual de la proyección, y me encantaría hacer un cierre en el propio Cine Club Hugo del Carril. Aquella noche fue inolvidable y estaré agradecido por siempre a la gente del lugar que permitió poder estrenarlo en semejante templo”.

Pero además el dvd te lo podés llevar puesto, adquiriendo una copia por $30. “Recibo pedidos del dvd desde todo el país -comenta- sigo programando funciones, me escriben heavys sintiéndose representados. Estoy chocho, porque es una inagotable fuente de sensaciones y de reacciones, como la que tuvo el Polaco, un personaje metalero de Córdoba, que me llama un día y me dice: ‘Juancito, necesito que me vendas dos dvd’s de tu docu. Uno es para mí y el otro es para quedar bien con una mina que quiero mucho'. Con reacciones como esas, puedo seguir perdiendo guita con todo gusto”.-

Título: “HEAVY mental METAL pensado”
Dirección: Juan Astrain
Formato: documental
Origen: Córdoba - Argentina
Año: 2010
Duración: 53’

Calificación: ATP