"PrensaRock" por Néstor Pousa

Ricardo Soulé: tributo a Vox Dei

2012-02-27T17:57:00.003-08:00

La Biblia según Soulé

RECITALES

El Pungo por el Camino de los Artesanos en La Cumbre se convirtió en los últimos años en el escenario preferido de Ricardo Soulé en Córdoba. Es como la Taberna del Tejo de la que habla en su canción ("La taberna del tejo es el único sitio donde puede escucharse entre voces la voz…”). Allí concurrió con distintas formaciones y hasta fue el lugar para estrenar sus últimos discos solistas.

Lo del sábado a la noche -madrugada del domingo- tuvo algunas características especiales. Si bien el afiche decía SOULÉ - VOX DEI, aclarando que lo que se venía era un tributo a su exbanda, lo cierto es que el músico -uno de los pilares del rock y blues en Argentina- revalida su vigencia con un flamante disco titulado Dolmen, lanzado en 2011 y con mayoría de estrenos que respetan la calidad de lo mejor de su historial.

El formato en esta ocasión fue eléctrico y en dúo, con Richard en guitarra eléctrica, voz, violín y armónica; acompañado por su hijo mayor, Gabriel Soulé en guitarra eléctrica y voz; y el prometido tributo existió con una extensa visita por lo mejor de Vox Dei, a su obra magna La Biblia (Libros sapienciales, Génesis, Las Guerras), a los rocks que marcaron una época (Gata de noche, Jeremias pies de plomo, La verdadera historia de Sam el montañés) y a otros hits indiscutidos de la banda (Prométeme que nunca me dirás adiós, Ritmo y blues con armónica, Presente).

En un show que fue irreprochable por el repertorio e impecable en la interpretación, hubo momentos de brillantez: en Espectros (I y II) con Ricardo en violín; o durante el inspirado pasaje instrumental de Iván (dedicada a su hijo menor y correspondiente a Dolmen) o en la estremecedora belleza de Plegaria, canción que le escribió a su padre.

El dueto con Gabriel es perfecto en las segundas voces y virtuoso en los solos de viola, y tuvo su momento solista en Yo soy el mismo. Gaby Soulé, además, tiene su propio proyecto, el power trío Crater, del que pronto habrá un registro disponible.

Pero el nombre de Ricardo Soulé permanecerá indivisible al de Vox Dei, más ahora que es imposible pensar en reunir al legendario trío con sus piezas originales y escuchar esas canciones a través de él es una de las posibilidades más fieles de recrear esa parte fundamental del Rock en Castellano.-

Cosquín Rock 2012: crónica e iluminaciones

2012-02-13T22:35:00.006-08:00

Charly & The Prostitution

Finalizó el domingo una nueva edición del Cosquín Rock. La misma estuvo dominada por el homenaje permanente a uno de nuestros máximos referentes de la música, Luis Alberto Spinetta.

COBERTURA ESPECIAL

textos: Néstor Pousa / fotos: Manuel Pousa

Dos días antes del comienzo se sabía que esta nueva versión de festival de rock más importante de nuestro país en la actualidad, la número doce sin solución de continuidad, no iba a ser una más. Tras la repentina y dolorosa muerte de Luis Alberto Spinetta, quedaba claro que el evento se convertiría en un espontáneo y permanente homenaje a quien fuera, indiscutiblemente, uno de los máximos referentes de la Música Popular de Argentina, a la vez que animador de estos encuentros en varias de sus ediciones. Un artista completo que se expresaba a través de la música, iluminando con su poesía al Rock en Castellano desde el instante mismo en que este nació.

Propios y extraños, músicos que comparten o no, similitudes estéticas con el Flaco, no iban a dejar pasar la oportunidad de mencionarlo o animársele a recrear alguno de sus temas. En este último rubro prevalecieron las versiones de clásicos de Pescado Rabioso, la veta más rockera y visceral de Spinetta, y por tal la más accesible a la hora de ser tocada por músicos de otros estilos del rock.

IKV: regreso y homenaje

Así, la más conmovedora fue primera jornada en la que estaba prevista la actuación de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur (el esperado regreso de los Illya Kuryaki & the Valderramas), que había sido ratificada ante la duda que se pudieran bajar de la grilla. No fue así, y en cambio la actuación de la banda del Dante fue uno de los picos de emotividad más altos de las tres jornadas, emoción que solamente pueden transmitir los artistas. Ver en escena a un músico profesional como Dante, haciendo un homenaje a su propio padre ídolo del Rock y fallecido tan sólo 48 horas antes, es algo muy fuerte que jamás pensé que iba a presenciar en vivo. Las fotos de Spinetta disparadas por las pantallas gigantes mientras la banda interpretaba Post crucifixión (un hit de L.A.S. con Pescado) te ponían los pelos de punta; o cuando el Dante luego de su descomunal solo de viola en Virgen de riña y conmovido hasta las lágrimas, dijo: "Gracias Papá". Absolutamente todos recaíamos en la incredulidad de no poder ver más arriba de un escenario al artista homenajeado.

Wallas: el inefable frontman

Las menciones habían comenzado con Massacre y un cover de Ana no duerme (Almendra) con el inefable frontman que es Wallas enfundado en una vieja remera de Pescado Rabioso. Lo mismo para Calle 13, así como adhirieron a la causa “Famatina no se toca”, lo hicieron con el homenaje al papá de su amigo Dante, y aún sin ser del palo del Rock Argentino se atrevieron con Todas las hojas son del viento cantada por PG13 la voz femenina de la banda, hermanastra del líder René Pérez Joglar. Lo de la Calle 13 merece una mención, los puerrtorriqueños cumplieron una de las actuaciones más efusivamente festejadas en el escenario principal. Todavía cuestionada su presencia por no ser un número de rock, aportaron una buena porción de público propio a las 45.000 almas que abarrotaron el aeródromo ese viernes.

El cierre de esta jornada estuvo en manos de Charly García quien fue derecho al grano con Rezo por vos (único tema que comparte autoría con L.A.S.) y las imágenes de ambos flotando en las pantallas. Tan lúcido como siempre, pero sin animarse al principio a mencionarlo con nombre y apellido, García estampó un hermoso mensaje de amor y esperanza: "Todos sabemos que son días difíciles, y sabemos por qué. Acá falta algo, pero se puede ser feliz también con ese recuerdo" (García dixit).

Otra mención destacada para el show de Charly, uno de los mejores que le vimos en estos tiempos terapéuticos, haciéndose cargo de todas las partes vocales, por momentos con alguna deficiencia, pero ya sin el apoyo de alguien imprescindible como Hilda Lizarazu. La súper banda a la que bautizó The Prostitution, suena poderosa y flexible para recrear cualquier fase de la extensa carrera del ex Sui Generis; y el otro dato clave es el repertorio, con joyas que era impensado volver a escuchar en vivo, como Instituciones, Canción de Alicia, No llores por mí Argentina, Rasguña las piedras, Piano Bar, Canción para mi muerte y hasta la mismísima Popotitos. Una lista infalible del Increíble Sr. García, el que todo lo que toca lo convierte en hit, además de ser el único prócer que tuvo la grilla de esta edición.-

Postales de 3 días de rock. Santa María de Punilla es un pueblo ubicado a la vera de la Ruta Nacional 38 y el río, promediando geográficamente el departamento Punilla. Su población estable es de unos 8.000 habitantes que durante el festival ven quintuplicarse esa cifra, eso hace muy elogiable y digna de imitar la actitud hospitalaria que demuestran los locales.

El sábado, segundo día, temprano y con sol arriba, pasó el Negro García López (guitarrista de la banda del García más célebre), los españoles de Marea y Guasones.

Fernando de Catupecu

Después hubo seguidilla de números clásicos del festival: los hiperactivos Catupecu Machu; Las Pelotas, que mantienen el presentismo intacto en las 12 ediciones a la vez que dieron un gran show y Skay con su eficaz repertorio propio y obviando la posibilidad de ofrecer una lista con más temas Redondos (concederlo alguna vez sería un premio para la gente y para él). Distinto criterio eligió Ciro y Los Persas en el espectacular cierre de esta jornada, reflotó cosas de Los Piojos que hacía rato no se escuchaban en vivo. En algunos incluso pifió la letra, paró la banda y volvió a arrancar (Como Alí) pidiendo el auxilio de la gente. La imagen de Ciro en la pasarela envuelto por las banderas agitadas por sus fans fue la postal de esta noche.

Ciro abanderado por los fans

En el segundo escenario emplazado en el lejano extremo opuesto del aeródromo registró convocatorias notables en las tres jornadas, destacándose la de Patricio Santos “Pato” Fontanet al frente de Casi Justicia Social, algo así como el alter ego de Callejeros, un fenómeno que ni la polémica, ni el rechazo que provocan en algunos ámbitos, pueden tapar. Fontanet que estuvo alojado en un hotel de La Falda, prefirió no responder a las preguntas de la prensa local.

Siguiendo con el segundo escenario, la noche Reggae fue la segunda de mayor convocatoria, y en tercer lugar quedaron los Heavys, que además de la presencia de los pesos pesados argentos contaron a su favor con el único número internacional, la banda de trash metal Anthrax. Aunque los estadounidenses parecen haber traído a las producción más dolores de cabeza que satisfacciones, sólo la chapa de sumar a uno de los Big Four en la cartelera.

Sería injusto dejar afuera al tercer escenario en el hangar, que se convirtió en una interesante alternativa para la gran cantidad y calidad de bandas emergentes.

Las Pelotas: cobró el presentismo

Coincidencias entre el Cosquín Rock 2012 y La Falda Rock 92: hubo dos bandas que hace 20 años debutaban ante una audiencia masiva en el festival faldense, que el fin de semana volvieron a juntarse en un festival, ellas son Las Pelotas e Illya Kuryaki & the Valderramas. Y no es el único dato curioso, ambas ediciones contaron con el cierre de Rata Blanca.
La acostumbrada conferencia de prensa con la producción del ciclo dejó como siempre jugosas frases de José Palazzo. Cuando un periodista le reclamó por mejores condiciones de trabajo para la prensa independiente, Palazzo le respondió con una pregunta: “¿Esa remera es oficial?”, el reportero lucía un modelo de merchandising trucho. Otras frases del productor cordobés: sobre la impecable presentación de García dijo: “Con Charly todavía sufro más de lo que disfruto” (en referencia a los contratiempos que le ocasionó en el pasado cercano). Y aseguró que con Santa María de Punilla tiene contrato por dos años más, y el festival estaría asegurado en la misma locación, a la que no hizo otra cosa que ponderarla. A su vez prometió redoblar esfuerzos para en el próximo año poder contar con la figurita difícil, la que tiene la cara de Andrés Calamaro, una cuenta pendiente del ciclo.

El domingo, la noche de clausura, tuvo a Juanse al frente de su proyecto solista arrojando flores blancas al público en nombre de todas las bandas de Spinetta; a los uruguayos de La Vela Puerca con la potencia del rock mestizo que traen del otro lado del gran río y en las antípodas de la prolijidad a Pity Álvarez y Viejas Locas. El emblemático rockero de los monoblocks alternó buenas y malas. En el gran caos organizado que despliega, por momentos te deja con la boca abierta por la potencia de la banda, y al rato pela algo propio de la Bizarren Party. Pateó el tablero dedicando el show a Bam Bam Miranda, aunque después se sumó a las filas balbuceando algo parecido a Rezo por vos y con un graffitti que decía “Aguante el Flaco!!!”

Giardino y Rata Blanca: un gran cierre

Por fin el cierre de Rata Blanca y un show súper profesional con uno de los mejores violeros nuestros, Walter Giardino. Fuera de programa zaparon, pero en gran forma, el Despiértate nena de Pescado Rabioso y fueron un broche de alta calidad.

Una frase de Charly, cuando no, bien podría sintetizarlo todo: “La vida es una droga a la que se le pasa el efecto”.-

Cosquín Rock 2012 dedicado a Luis A. Spinetta

2012-02-10T08:29:00.000-08:00

El viernes comienza una nueva entrega del festival de rock más importante del país en la actualidad. No será una edición más, estará marcada por la reciente desaparición física de uno de los máximos referentes del género, Luis Alberto Spinetta.

Si hay una cualidad que nadie puede objetar del Festival Cosquín Rock es que a fuerza de perseverancia a logrado la continuidad en el rubro. Un atributo que tienen en común varios eventos de otros géneros, como el Festival Nacional de Folklore de Cosquín o el de Doma y Folklore de Jesús María.

Pero al rock siempre todo le costó el doble, y sus encuentros más emblemáticos, BA Rock (Buenos Aires), el Festival Argentino de Música Contemporánea de La Falda o el mismísimo Chateau Rock (Córdoba, ciudad), no pudieron perdurar.

Próximo a cumplir 12 años de actividad, es la cualidad que lo hace inobjetable a este ya instalado Cosquín Rock, tanto, que es difícil imaginar un febrero sin él. Después se podrán discutir o ponderar otros aspectos, pero por ahora pasarán a un segundo plano.

Pero la de este año no será una edición más, estará marcada por la reciente desaparición física de uno de los indiscutidos máximos referentes del género, Luis Alberto Spinetta. Aún conmovidos por el lamentable suceso, allí estarán sus colegas, sus amigos, su público, los periodistas y hasta uno de sus hijos, Dante Spinetta (IKV), para rendirle tributo a través de las palabras y de la música.

Desde su emplazamiento en la Comuna de San Rocke (años 2005 al 2010) con la implementación de los 3 escenarios funcionando en forma simultánea, formato que mantiene en su segundo año en el Aeródromo de Santa María de Punilla, se hace prácticamente imposible poder abarcar en tiempo real todo lo que musicalmente ocurre sobre sus tablados. Entonces el asistente se ve obligado a una permanencia fragmentada a cada uno de ellos, o bien seleccionar cada año que es lo que va a privilegiar, que así y todo, es mucho y muy variado.

Para este año sugiero, a modo de elección personal y para nada categórica, los siguientes números de cada día:

Viernes 10/2. En la primera jornada prevalecen las bandas cordobesas, sea en el escenario principal: Armando Flores y Eruca Sativa; como en el Hangar donde se podrá ver entre otros a Guardianes del Freezer, Jotes y Marian Pellegrino (Lucila Cueva).

En el mismo día se registrará el atractivo regreso de Illya Kuriaki and the Valderramas, la banda de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur suma ahora un significado distinto tras lo antes mencionado. Mientras que Las Pastillas del Abuelo y Massacre mostrarán sus nuevos discos. El cierre será para Charly García, único histórico del Rock ARG que se anotó en la grilla de este año. Y una paradoja, ya que quien había sido proscripto en 2005 por sus permanentes descontroles, hoy es una de las figuras más previsibles de la cartelera.

Sábado 11/02. Quien puede discutir la preponderancia de Ciro, Skay, Las Pelotas y Catupecu. Sin embargo este año me llama la atención Guasones, también con material fresco (menos de un año); y después lo que pueda mostrar el Negro García López (violero del García más famoso).

En el escenario temático Heavy: Hammer, Horcas, Logos, el regreso de Malón, están muy bien; pero no habría que perderse a Anthrax, único momento internacional de la noche.

Domingo 1202. Viticus, Viejas Locas, La Vela Puerca y Kapanga seguramente cubrirán las expectativas; de los cuatro, esta vez me quedó con los de Vitico y los uruguayos; aunque más quiero ver a Juanse, y comprobar en su re debut solista qué tanto es capaz de hacernos olvidar de los Ratones Paranoicos.
¿Quién se hubiera imaginado un cierre de festival con Rata Blanca? no obstante, bien temprano no me pierdo a Baltasar Comotto, por tres motivos: trae disco nuevo (Blindado); segundo, es sin dudas uno de los mejores violeros de rock de acá; y tercero, es lo único que tiene que ver con el Indio que podemos ver en un festival multimarca.

A todo esto, los del reggae estarán en otra, con: Dancing Mood, Fidel Nadal, Dread Mar I, los interminables Pericos y Nonpalidece.

Vos también podes organizar tu propia grilla de favoritos (bandas, días, escenarios y horarios) ingresando en: http://www.cosquinrock.net/grillas
Y ver toda la info del festival en: http://www.cosquinrock.net

Será que la canción llegó hasta el sol

2012-02-08T19:32:00.000-08:00

Horrible, triste momento, que aunque sabés que va a llegar, no hay forma de preparar el cuerpo, la mente y el alma para que el golpe no te haga estremecer y un calor te suba por la sangre.

En verdad no hay nada que pueda o quiera agregar. Debería prevalecer el cronista riguroso y objetivo que logre trazar, sin que le tiemble el pulso, una semblanza inspirada y respetuosa a la altura de la magnitud del artista y del hombre que nos deja.

Pero la verdad es que no quiero, ni puedo, hoy me quedé sin palabras. Entonces decidí acordar con lo que imagino habrá sido su última voluntad, irse modestamente, como uno más, en la intimidad de sus afectos más profundos y queridos; y sin ninguna de esas grandilocuencias que tanto lo incomodaban. Es la forma en que eligió pasar por esta vida y marcharse de ella, aunque en el medio quedó la grandeza de su obra, desde hoy inmortal.-
Néstor Pousa

Foto: Luis Alberto en su última actuación en Córdoba, durante el Festival Cosquín Rock 2011 en el aeródromo de Santa María de Punilla, hace casi justo un año, el sábado 12/02/11.

Raly Barrionuevo: zamba pa’ ti

2012-01-16T17:31:00.000-08:00

Paisano eléctrico en La Falda

Recital de Raly Barrionuevo y su banda en La Falda. Ciclo La Falda bajo las estrellas. Domingo 15 d eenero 2012.

Texto y fotos: Néstor Pousa

La gente baila, canta, aplaude, grita, se queda en silencio, se emociona, adhiere, toma conciencia, acuerda, se levanta, saca fotos, se vuelve sentar y salta otra vez a la pista de baile. La chacarera bailada de a dos o en grupos, gambeteando los cables que cruzan por adelante las sillas de la primera fila, es el pogo del folklore. Con esa intensidad el público del Raly vive cada uno de sus recitales.

El santiagueño se excusa: “Hoy estoy zambero, sabrán disculpar”. A esa altura llevaba más de dos horas de show y la aclaración estaba sobrando, había llenado la noche faldense de zambas. Las que registró en su disco conceptual titulado Radio AM, y muchas otras más del repertorio tradicional, entre ellas un tributo al Chango Rodríguez con la Zamba de Alberdi. Cualquiera hubiera planchado el show con esa lista, el Raly no, le sobra crédito y al instante pela una chacarera, o alguno de los clásicos por los cuales “el Raly es el Raly”. Ey paisano (rap telúrico que esa noche dedicó a la resistencia heroica en el Famatina), Circo criollo, Somos nosotros, el reggae Como danza la esperanza, la Chacarera del exilio, o el triple homenaje: al Che, al Sub Comandante Marcos y a Jacinto Piedra.

Así, lo tradicional, pero a su modo, se funde con lo innovador, y es lo que marca la diferencia, es lo que hace que muchos lo adoren (“Me encanta el Raly”, se escucha entre sus fans) y otros lo ignoren (“Es demasiado hippie”, dirán los que lo miran de reojo). Pero nada en él es forzado, su actitud rebelde, su lado melódico, todo le fluye de forma natural y autentica, y hasta con cierta timidez provinciana.

A su lado juega una banda sintonizada en la misma frecuencia, músicos finos y talentosos que se tocan todo lo que el líder les marca. Musiqueros porque así lo dicta el Sol: Clara Presta en piano, teclados, acordeón y coros, es el toque femenino entre tanta testosterona dando vueltas; el maestro César Elmo, en batería y percusión, mide el pulso del combo junto con el bajo de Sebastián Sayes. Y la nueva incorporación, Marcelo Gómez, otro friense como el Raly (“En Frías no van a encontrar gente para trabajar, pero guitarreros sobran”, fue su introducción), en guitarra acústica, eléctrica, coros y voz.

“Lo único que sabemos hacer es tocar la guitarra, somos bastante insoportables, cuando empezamos a tocar no paramos”, no es un eufemismo, es la pura realidad, y Raly, un frontman de pocas palabras que dice las cosas a través de sus canciones (“Somos disidentes de la puta corrupción”), pasa de la criolla a la acústica, de esta a la eléctrica, y de ahí al cuatro venezolano.

El folklore debería bendecir la aparición de un artista como Raly Barrionuevo, respetuoso de lo esencial y difusor de lo ancestral, pero con el talento y la audacia necesaria para hacer que el género no enferme de claustrofobia. Es la manera en que el fuego del más tradicional de nuestros ritmos permanecerá vivo.-

David Lebón: parado en el medio de la vida

2012-01-10T17:54:00.000-08:00

El Ruso en La Falda (07/01/12)

Impactante inicio de una nueva temporada del ciclo “La Falda bajo la estrellas” con la presentación de David Lebón y su banda.

RECITALES

Es noche de rock en La Falda y, no sé a los demás, pero a mí se me acelera el pulso, tal vez sea un síndrome que me quedó de la época de los festivales que se hacían aquí. Los síntomas se acrecientan aún más si el que toca es Lebón, y en la platea está Mario Luna quien llegó hasta aquí avisado por una publicación que hice en mi perfil de facebook. Mario, de más está decirlo, fue el creador del legendario Festival de Rock en el que tantas veces brilló su amigo David Lebón; por eso no sorprendió que haya sido invitado como presentador adjunto la noche del sábado, función que cubre en forma oficial el MC local Ezequiel Giardelli.

Pero vayamos por partes. El agite empezó un poco más temprano de las 22, hora en que estaba programado el comienzo del show. Porque tres horas antes hubo una conferencia de prensa con presencia de los medios locales invitados por la Secretaría de Cultura faldense.

“Hace mucho tiempo que nadie me llama así”, me dice David cuando lo llamo Davis (leasé Deivis, su apodo de las primeras épocas), al final de una rueda de prensa que transcurrió en un clima de mucha cordialidad. Al músico se lo notó distendido y no le escapó a ninguna pregunta, aunque había advertido: “Sí me tocan el tema del estado de salud de Spinetta me pongo a llorar”.

A la noche, las inmediaciones del escenario callejero de Edén y San Martín se empezaron a colmar de a poco. La hora de inicio se demoró y la asistencia ascendió a unas 2000 personas, entre fans y curiosos. Poco antes de las 23 llegó David como un gurú seguido en fila india por los integrantes de la banda: Daniel Colombres, Hernán Gravelloni; Leandro Bulacio y Adriana Sica. Subió al escenario casi obviando las formalidades de las presentaciones y marcaron cuatro. Lo primero que se escuchó fue En una hora, tema de su más reciente y muy buen disco titulado Deja Vu, fechado en 2009 y que jamás fue presentado, ni en Córdoba, ni en el país.

Mundo agradable, a continuación, confirmó una vez más que los temas de Seru Giran son piedras preciosas que tienen el don de la inmortalidad.

Siguió con otro de Deja Vu, Sos mi oasis, con un largo pasaje de improvisación para que se luzca una banda que, aún sin ensayo, toca de memoria y no necesita mirar a su líder para saber que tienen que hacer cada uno. Para destacar, el Negro Colombres, un histórico que volvió al lado de David y Adriana Sica una guitarrista que se pela los dedos para no desentonar.

El Ruso, mientras tanto, mantenía su buen humor de la tarde, haciendo chistes permanentemente y tomándose con calma los notorios desajustes de sonido (“Años de lo mismo”, comentó resignado y suspirando), y el incontenible viento que azotaba el escenario (“Hoy no llueve, pero mirá que viento, ¡dejate de joder!” bardeó, en referencia a los temibles diluvios que estropeaban el festival).

Los problemas técnicos y la incomodidad del viento dispersaban la atención de David y hacían que el show se convirtiera en un puñado de canciones sin continuidad.

“Esta guitarra es nueva, me la compraron Uds., gracias”, dijo al colgarse una flamante Les Paul dorada. Repetiría varias veces ese nuevo latiguillo, es la forma que encontró para agradecer a su público. Y entre tanto dato anecdótico aparecía la música de este prócer del rock a punto de cumplir 60, el gran violero del rock & blues del país (escucho réplicas), y además un creador de canciones insuperables, de esas que la gente siempre quiere volver a escuchar. Parado en el medio de la vida o Cuánto tiempo más llevará fueron parte de la lista. Set de guitarra acústica y piano después para No sería yo (“Si pudiera darte más de lo que soy, si pudiera olvidar este dolor, no sería yo”), y San Francisco y el lobo, su pieza solista en Seru.

Hasta que llegó “el” momento del show. Alguien pidió un tema de Pescado Rabioso, la banda que integró junto a Luis Alberto Spinetta en 1972. Otra voz pronunció el nombre del Flaco. David hizo silencio y luego dijo: “A ver, como les explico esto” -señaló a Colombres y siguió- “el Negro zafó, pero mis amigos se están yendo”, y se quebró en llanto. No pudo seguir hablando, y fue el mismo Colombres con su experiencia quien piloteó el momento arrancando con la intro de batería de Sueltate Rock and Roll para pasar el mal trago.

David Lebón no se viste de estrella de rock y a cada paso va dando muestras de que su rol preferido es el de anti-héroe. Lo insinuó en El tiempo es veloz (“Vos me tratás como si fuera algo más que un ser”) canción que en el final de su presentación faldense, y todavía quebrado, no pudo terminar de cantar.

Este Oscar David Lebón, como se registra en los hoteles, reniega de ser ídolo y lo asusta que lo llamen Maestro, porque -dirá- se siente un hombre común al que se lo privilegió con un don que algún día tendrá que devolver.-

La bio de Lebón. El lunes 9 por la noche participamos de la charla abierta al público que dio David Lebón en el pub Sesto Senso de Río Ceballos. Allí contó que próximamente empezará a trabajar en su biografía junto al periodista Víctor Pintos. La misma ya tiene nombre: Parado en el medio de la vida, título que según reveló, más lo identifica con este momento.-

León Gieco: una mirada a las utopías

2011-11-26T11:22:00.000-08:00

León como en los 70's

Después de seis años sin discos de estrenos León Gieco lanzó “El desembarco”, un trabajo con nuevas canciones. La lujosa producción y el regreso al estilo clásico se destacan en la obra.

NOVEDADES DISCOGRÁFICAS

Comprometido, polémico, sin pelos en la lengua. Así fue, es y será León Gieco. Te guste o no. Ejemplo: en febrero pasado, durante la conferencia de prensa luego de su actuación en el Festival Cosquín Rock en Santa María de Punilla, el santafecino se despachó, sin que nadie le preguntara, con la siguiente afirmación: “Hoy yo dije una cosa que no sé si va a ser cierta, pero si Uds. hacen una encuesta yo creo que la mayoría de acá (en referencia a los asistentes al festival) vota la reelección de Cristina, porque es gente inteligente, viste”. En concordancia con los resultados electorales que se confirmaron meses después, aquella noche de verano la mitad de los periodistas presentes lo aplaudió con entusiasmo, mientras la otra mitad guardó un respetuoso silencio. ¿Estos últimos serían -según Gieco- la mitad no inteligente que votaría otra opción?

A veces cuesta asimilar a este León militante oficialista. Cuesta porque desde afirmaciones como la descripta, comete el error de desacreditar a los que no piensan igual, algo impropio de un artista que siempre defendió la libertad de las ideas.

En este caso suscribo a las declaraciones del Indio Solari en la excelente entrevista que le hiciera Mario Pergolini la semana pasada en la Rock & Pop, donde el ex Redondo manifestó: “Como ya dije otras veces, no creo en el artista militante".

Pero hoy por hoy es imposible pedirle a Gieco esto. Y su obra es consecuente con sus declaraciones y sus actos en la vida civil. Es un vocero de los temas urgentes, sociales y políticos, todo está en sus letras, para quien lo quiera comprobar.

Fue así desde su primer canción, Hombres de hierro (de su disco debut editado en 1973), inspirada en una huelga general realizada por aquellos años en la provincia de Mendoza. Así empezó, y prosiguió en todos sus trabajos, y con la madurez sus canciones se volvieron más explícitas. En Por Favor, perdón y gracias, álbum de 2005, grabó Yo soy Juan, Santa Tejerina, El Ángel de la bicicleta, Los guardianes de Mugica y Un minuto (su toma de posición sobre la tragedia de Cromañon); todos clarísimos ejemplos.

A punto de cumplir 60, y luego de seis años sin discos de estrenos, León lanza El desembarco, un trabajo con canciones nuevas, con lujosa producción y que en cierta forma funciona como un homenaje a la música que lo influyó en su juventud.

Este flamante disco fue registrado con el espíritu de los años 60’s y 70’s, época a la que remiten los primeros pasos profesionales del autor de Sólo le pido a Dios.

Por eso se fue a grabar a Los Ángeles, cuna del movimiento hippie en aquellas décadas en que el rock fue la banda de sonido; y se rodeó de un plantel de músicos profesionales estadounidense que es como el equipo de los sueños para cualquier intérprete del rock en español.

En los créditos resalta el nombre de Jim Keltner, baterista que tocó al lado de las figuras más notorias que te puedas imaginar; además están Dean Parks y Mark Goldenberg en guitarras y Jimmy Johnson en bajo. Ellos completan la banda base, a los que su suman importantes músicos invitados.

Desairando la era digital, la grabación se realizó a la antigua, con micrófonos y equipos analógicos y grabadora de cinta abierta, de la forma en que se gestaron los discos más emblemáticos del género. No obstante todo este concepto de producción, nada hizo cambiar el estilo de León, es por eso que ni bien empiece a girar el disco la temática no será otra que la que lo desveló desde siempre.

Hay una fuerte carga nostálgica en Ella, una hermosa balada folk con acordeón que abre la lista y que está dedicada a su madre y justifica la melancolía.

Todo cambia en el segundo, donde con bronca rocker describe al argentino medio pelo. El Argentinito se llama, y el diminutivo funciona como descalificativo.

Entre la esperanza de Hoy bailaré y la crítica de Fachos, hay otros dos momentos que son claves: Canción del Bicentenario, una colaboración de Gieco con su viejo amigo Raúl Porchetto, que este grabó en Dragones y planetas (2010). Gieco nos muestra su versión y decide juntar por única vez a PorSuiGieco, mítico súper grupo de mediados de los 70’s. Así, a las voces de los nombrados, se suman los inconfundibles registros de Nito Mestre y de Charly García.

El otro momento es 8 de Octubre, otro dueto compositivo, esta vez con Luis Alberto Spinetta, que dedicaron a las víctimas del Colegio Ecos, tragedia vial que movilizó al país en pos de una ley de seguridad en la rutas. Spinetta se le había anticipado con sus propias versiones: en estudio en Guardado en la Memoria (homenaje doble a León Gieco realizado por el músico y productor marplatense Fabián Spampinato), y en vivo en el mega concierto de Las Bandas Eternas, ambos en 2009.

La canción que bautiza el álbum, en tanto, es uno de esos clásicos manifiestos de León. El desembarco alude a la utopía de pensar que una canción podía cambiar el mundo. El mundo con sus claroscuros siempre se mantuvo inconmovible ante esta pretensión, y hoy Gieco reflexiona: “No pretendemos ver el cambio, sólo haber dejado algo sobre el camino andado que pasó”.-

LISTA DE TEMAS

01. Ella

02. El argentinito

03. Las canciones

04. Hoy bailaré

05. Las cruces de Belén

06. Bicentenario

07. Mi estrella

08. Fachos

09. 8 de octubre

10. El desembarco

11. A los mineros de Bolivia

12. Latido del corazón

Guillermo Di Pietro: canciones que son parte del aire

2011-11-07T18:07:00.000-08:00

Guillermo Di Pietro lanzó su tercer disco de versiones instrumentales sobre clásicos del Rock Argentino. En “Ríos que dan al mar” el pianista revisa la obra de Fito Páez. El sábado 12 de noviembre lo presenta en el Teatro del Libertador.

COMENTARIOS DISCOGRÁFICOS

Luego de la aparición en 2007 de Variaciones sobre Spinetta, y de su sucesor, Desarma y sangra (Variaciones sobre Charly García) en 2009; el pianista Guillermo Di Pietro cierra una perfecta trilogía con la edición de Ríos que dan al mar, en donde el compositor elegido esta vez es Fito Páez.

Ríos que dan al mar, al igual que sus antecesores, es un viaje en libertad por la obra del rosarino. Un recorrido por canciones cuyas melodías originales pueden aparecer, según cada caso, encubiertas o literales, de acuerdo al vuelo interpretativo de Di Pietro. Pero no es un trabajo que deba entendérselo como un tributo o un homenaje en el sentido estricto de la palabra. Ya en una entrevista anterior, este pianista cordobés (de Marcos Juárez) radicado en Villa Carlos Paz, nos decía no tener la visión de un fan. Es hora de ampliar ese concepto.

“No soy fanático porque el fanatismo supone un enceguecimiento, un estado irracional para con lo que nos fanatizamos -asegura Di Pietro, y prosigue- desde ese estado no podría hacer nada de lo que hago, porque las canciones originales me inhibirían. Aclarando eso, digo que en los tres casos, y sobre todo en Charly y en Fito, todos son artistas que escuché siempre, que los fui a ver en vivo cuantas veces pude (y puedo), que sigo la obra de cada uno, disco a disco. Creo que me inspira, inicialmente, el amor que les tengo. Pero además, sus músicas son extraordinarias y son sumamente inspiradoras para elaborar mi música. Además, ellas guardan un montón de perfumes simbólicamente importantes. Son músicas que están íntimamente ligadas a mi infancia, a mi adolescencia, a los amores de esa época, a los amigos, ir a los conciertos con mis hermanos. En mi vida personal, muy pocas músicas más contienen tanto afecto como calidad musical”.

-La selección de temas de "Ríos..." es exquisita. ¿Cómo elegís las canciones? ¿según tu gusto personal, por intuición, por las posibilidades que te da cada canción para experimentar y explorar?

“Hay un poco de cada cosa, pero si la canción no me gusta, nunca me voy a poder meter de lleno. El primer filtro es el gusto personal. Dentro de eso hay canciones que las puedo trabajar mejor que otras, de acuerdo a mis posibilidades. En todos los casos lo que hice fue escuchar disco por disco de cada compositor que iba a trabajar y fui anotando los títulos de las canciones que me gustaban y que, a priori, consideraba que se podían trabajar. Después fui viendo las que funcionaban y las transcribía para ir viendo en papel sus posibilidades musicales. Finalmente desconozco cuál es la causa que hace que una canción funcione o no. Hay un nervio que las hace interesantes que a veces aparece y otras no. Quizás en el momento de preparación no pude dar con la idea y la encontré una vez finalizada la grabación. También me pasó que una versión la grabé y después no entró porque no me convencía, y otras veces que el arreglo mío no me gustaba y después de un tiempo, ya grabado el disco, me gustó y no quedó grabada. Por eso me tomo bastante tiempo para trabajar, probar ideas, dejarlas descansar, volver a retomarlas e ir escuchando cómo evoluciona cada canción”.

-¿Qué diferencias hay en la forma de componer de Spinetta (en guitarra), y de Charly y Fito (en piano)?

“Es muy complejo todo, pero simplificando podría decir que en Spinetta enseguida queda en evidencia que trabaja desde la intuición. Y desde la guitarra, ya que hay sonoridades que desde el piano a nadie se le ocurrirían. Eso, sumado a la inventiva musical extraordinaria que tiene, da como resultado una música sumamente original. Esa manera extraordinaria de poner acordes, sobre melodías a veces simples, a veces sumamente complejas. En Charly siempre late la academia, a veces muy manifiesta, otras no tanto. Hay una aparente simplicidad en su música que esconde sutilezas que terminan poniendo su música a distancias siderales de las que, en apariencia, se parecen. Y en Fito se siente que detrás de su música están esas músicas que, dice él, se escuchaba en su casa: la bossa nova, el tango piazzolleano, el jazz, el folklore argentino. Cuando te metés en su música, está todo ahí, latiendo debajo de esas canciones maravillosas. Son tres genios de la cancionística, tres compositores de canciones infalibles. Como Yupanqui, Gardel, el “Cuchi” Leguizamón, Gershwin, Jobim, Caetano Veloso, Virgilio Expósito, Los Beatles. Para mí, todos pertenecen al mismo club, más allá de los géneros musicales con los que componen”.

-El título que elegiste para el disco recorta un fragmento de la letra de “Parte del aire” (dedicada por Fito a sus padres), a la vez que: ¿sugiere lo que representan para vos las canciones?

“Sí, totalmente. Tanto el título de la canción como ese verso. Por un lado, son canciones que están ahí, en el aire. Muchas de ellas, con el tiempo, serán folklóricas, en el sentido de que se cantarán por otras generaciones sin importar quién la compuso, serán parte del aire. Por otro lado, usé esa metáfora de los “ríos que dan al mar” porque para mí esas canciones son músicas que me llevan a lugares más amplios, que desembocan en otras músicas y me permiten ‘bucear’ en otras profundidades”.

-¿Con “Ríos que dan al mar” completaste una trilogía? ¿O tenés algún otro capítulo en carpeta?

“Este disco cierra lo que, espero, sea la primera etapa. No tengo otro autor ligado al rock a quien le dedicaría un disco entero. De todas maneras trato de pensar a esta música, y a todas en general, como parte del cancionero popular, más allá del género en el cual se inscriben inicialmente. Por ahora no tengo nada concreto en carpeta, sólo algunas ideas dando vueltas.

-¿Dónde se pueden conseguir tus discos?

“Legalmente, en las disquerías: María Callas, Scherzo y Étnica, de la ciudad de Córdoba. También tiene distribución nacional, tendría que estar en ‘todas las disquerías’. Hay venta on-line a través de la página http://www.guillermodipietro.com/ Ilegalmente, están por ahí dando vueltas, ya se sabe”.-

Di Pietro en vivo. El sábado 12 de noviembre desde las 19:00 hs Guillermo Di Pietro cierra las presentaciones de “Ríos que dan al mar” en el Teatro San Martín de Córdoba (Av. Velez Sársfield 365) en la Sala Luis de Tejeda, dentro del ciclo “Disco es Cultura”. Músicos invitados: Andrés Sosa (guitarra) y Federico Fernández (bandoneón). Entrada General: $ 20.

Lista de temas

1. Dejaste ver tu corazón
2. Carabelas nada (a)
3. Parte del aire
4. Giros
5. Tres agujas
6. Ciudad de pobres corazones
7. Instant-táneas
8. Carabelas nada (b)
9. Yo vengo a ofrecer mi corazón
10. Hay otra canción

Deep Purple: perfectos conocidos

2011-10-20T06:35:00.000-07:00

Gillan & Morse en acción (*)

La célebre banda inglesa pisó por tercera vez suelo cordobés. El Orfeo Superdomo fue la locación elegida para este show que tenía que hacer olvidar la fallida performance en Cosquín Rock ‘09.

RECITALES

Cuando Deep Purple llegó por primera vez a Córdoba -en diciembre de 2006- fue un hecho extraordinario que pensamos no volvería a repetirse. Pero en el verano del 2009, el Festival Cosquín Rock -por entonces en la comuna de San Rocke- los tenía como uno de los números internacionales y favoritos en su cartelera. Lamentablemente esta fue una actuación fallida a causa de los problemas de salud que tenían a mal traer las condiciones vocales de Ian Gillan. Y Purple con un Gillan en una gamba, no es Purple. Resultado: todos nos volvimos decepcionados esa noche de la comuna.

Por eso esta nueva aparición en los escenarios cordobeses de la banda que es una de las fundadoras del estilo pesado y duro del rock, tenía que hacer olvidar aquella falsa performance, había que poner las cosas en su lugar, y eso fue lo que ocurrió.

La presentación del martes 18 de octubre en el Orfeo Superdomo fue definitivamente superior a la de febrero de 2009, porque mostró a un Ian Gillan con su garganta en mejores condiciones para afrontar un repertorio que es muy exigente, aún para él mismo. Canciones que cuando fueron concebidas, jamás proyectaron que las iban a tener que seguir tocando a los 66 años (edad actual de Gillan), y que cada actuación iba a ser una exigente maratón.

Esta vez el cantante y líder pasó la prueba, a pesar que en algunos pasajes parecía no llegar a aquellos increíbles falsetes de otros tiempos.

En cuanto al resto, resulta difícil no extrañar la Stratocaster de Ritchie Blackmore; o al inefable Jon Lord atrás del Hammond, porque fueron ellos los que delinearon la marca registrada de su sonido. Pero estos ya no están y Deep Purple logró sobreponerse a esas bajas y siguió su camino como casi ninguna otra banda de rock and roll lo pudo hacer.

El repertorio, eso sí, es impecable. No hay objeciones, salvo que uno sea muy exigente y reclame números como Child in time, el que hace mucho tiempo que Gillan ya no canta en vivo. El lugar de ese colosal lento lo ocupa When a man blind cries. Hay otras canciones, como Burn o Stormbringer, que indefectiblemente se negará a entonar porque fueron grabadas por David Coverdale, el cantante que sustituyó a Gillan cuando este se alejó de la banda; y se sabe que los celos y peleas entre estos célebres músicos ingleses siempre estuvieron a la orden del día.

El único que tiene asistencia perfecta en 43 años de carrera es Ian Paice. Al baterista, y miembro fundador, es un placer verlo en vivo, por su increíble precisión y resistencia para tocar durante dos horas completas sin parar. En sus parches y en el monolítico bajista que es Roger Glover, se sustenta el clásico sonido púrpura.

A Steve Morse y a Don Airey les toca lo más difícil, ellos son los reemplazos de Blackmore y Lord, y la verdad es que por condiciones están a la altura de la responsabilidad que les toca. Tal vez por eso son presentados con especial énfasis cuando abordan sus partes solistas: Morse con sus propios temas instrumentales (Contact lost y The well dressed guitar); y “The incredible Don Airey” (sic Gillan) en una especie de suite que incluyó momentos de Piazzolla interpretados con solvencia.

La lista de temas no descuidó casi ninguna época. El comienzo fue demoledor y sin respiro con un doble tándem de Highway Star; Hard lovin’ man, Maybe I’m a leo (uno de esos riff implacables) y Strange kind of woman.

Viaje al más acá para presentar lo más moderno del repertorio, el tema que titula la placa Rapture of the Deep, una melodía orientalista que defiende el prestigio de la banda en el nuevo milenio.

Durante toda la noche Gillan entrará una y otra vez a tomar aire a su mini bunker camuflado atrás de la batería de Paice, y volverá a la carga con Knocking at your back door; y luego tras la intro fantasmagórica de los sintetizadores de Airey, con una gran versión de Lazy en donde desenfundará su armónica por única vez.

En los directos de Purple jamás faltaran los contrapuntos entre guitarra y órgano; y entre la voz y la guitarra; ni los fraseos de conocidas melodías que uno jugara apuradamente a adivinar de cual se trata, hasta que te quedas sin tiempo porque ya se viene otro set tan arrollador como el del comienzo, con Perfect Strangers, Space truckin’ y el riff más famoso del mundo: Smoke on the water, del que no hace falta agregar nada más.

Había que ver las caras de los fans, había que ver sus pintas. De lo más variado de la fauna vernácula recitalera, porque una banda como Deep Purple atraviesa generaciones. Pero faltaba algo, cumplir con la liturgia de todo concierto de rock, el cual debe tener, sí o sí, bises. Fueron dos: Hush (uno de los temas que menos se parecen a Purple) y por fin Black night, extraña paradoja para una noche que, por el contrario, se había iluminado con el mejor rock de todos los tiempos.-

(*) Foto: Sergio Cejas (http://www.lavoz.com.ar/)

Deep Purple va por el triplete en Córdoba

2011-10-15T15:52:00.000-07:00

CARTELERA

La mítica banda inglesa liderada por el vocalista Ian Gillan llegará a Córdoba por tercera vez, luego de su paso en 2006 en el Estadio Juniors y en 2009 en el Festival Cosquín Rock en la Comuna de San Rocke. Esta vez será en el marco del tour Around the World Live y la primera en el Orfeo Superdomo, espacio que presentará para la ocasión su formato teatro, el contexto ideal para que los fans del grupo puedan volver a escuchar en directo grandes éxitos como: Smoke on the water, Highway star, Strange kind of woman, Black night, y muchos más.

La banda, formada en 1968, está compuesta en la actualidad por los históricos Ian Gillan (voz), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo); a los que suman Steve Morse (guitarra) y Don Airey (teclados).

Lo que hay que saber. Deep Purple se presentará el martes 18 de octubre desde las 21:30 hs en el Orfeo Superdomo (Cardeñosa 3450).
Precios: Pista $495 - $440 - $385 - $330. Sector Rojo $330 - $275 - $242 - $198.

Anticipadas: Dino Mall (Rodríguez del Busto - Ruta 20 - Dino Express San Vicente).-

Bio Púrpura. La historia de Deep Purple comenzó a tener peso específico en 1970 con la edición de su cuarto álbum, “In rock”, con el cual comenzarían a tener verdadera notoriedad. Habían debutado en 1968 con “Shades of the Deep Purple”, siempre con el liderazgo de Ritchie Blackmore, pero fue recién dos años después y tras varios cambios en su formación que darían el gran salto gracias a números como Child in time y Speed king contenidos en “In Rock”.

Para ese entonces la banda ya contaba con los integrantes más célebres que tuvo en toda su historia, Ian Gillan en voz, Jon Lord en teclados, Roger Glover en bajo, Ian Paice en batería, además del nombrado Blackmore, su emblemático guitarrista.

El éxito comercial y su prestigio seguiría creciendo en años subsiguientes con la publicación de “Fireball” (1971), y más aún con “Machine Head” (1972), el que incluye uno de los himnos rockeros de todos los tiempos, Smoke on the water. El colofón de tan impresionante seguidilla de éxitos sería la edición de un memorable disco doble en vivo registrado durante una serie de conciertos en las ciudades de Tokio y Osaka. Ese trabajo aparecido en 1973 se tituló “Made in Japan” y en su lista aparecían calientes versiones en directo que realzaban lo que la banda había conseguido en estudio. Así, Child in time, Highway Star, Strange kind of woman, Lazy y especialmente Smoke on the water pasaron a formar parte de una antología de clásicos musicales a escala mundial.

Junto con el suceso arrollador llegarían las peleas internas y las deserciones que hipotecarían el futuro del grupo. Se producen importantes cambios en su formación, David Coverdale reemplaza a Ian Gillan y Glenn Hughes hace lo propio con Roger Glover, así publican durante 1974 dos reconocidos trabajos: “Burn” y “Stormbringer”. Para “Come taste de band” de 1975 Tommy Bolin sucede a Blackmore. Será recién en 1984 con “Perfect Strangers” que la banda vuelve a alistar al dream team de Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord.

No obstante las idas y vueltas, las peleas y reconciliaciones, los altibajos y los trabajos solistas de sus integrantes, Deep Purple siguió escribiendo su rica historia hasta nuestros días. Hoy ya no están en sus filas ni Ritchie Blackmore, ni Jon Lord, las que podríamos considerar dos bajas sensibles. En su lugar aparecen, respectivamente, Steve Morse y Don Airey. De los históricos están presentes Gillan, Glover y Paice.

Su último disco editado a la fecha se llama “Rapture of the deep” (2005), pero lo que realmente les devolvió la sonrisa a los veteranos fans cordobeses es que por tercera vez en cinco años tendrán la oportunidad de reavivar el mito en un escenario local.-

Horacio Burgos: “La música nos hace libres”

2011-10-02T07:41:00.000-07:00

Burgos y su clase maestra

Organizado por Jammer´s School y con auspicio de la Secretaría de Cultura y Educación de La Falda, el talentoso guitarrista Horacio Burgos dictó una clase maestra sobre su instrumento.

El primer sábado de primavera fue uno de esos días tan perfectos que te dan ganas de hacen mil cosas juntas. Horacio Burgos lo advirtió y por eso agradeció sinceramente a su auditorio por haberse tomado el tiempo para presenciar su clínica sobre “Acercamiento a la guitarra”.

El evento fue el primero organizado en el presente año por la Jammer’s School que dirige Marcelo Avilés; y fue el debut, en su condición de auspiciante, de la reformulada Dirección de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Falda, a cargo de Alicia Auferil, en funciones desde el 1 de septiembre pasado.

Fue un auspicioso debut tanto para la escuela como para el flamante ente municipal, porque el programa resultó ser de una altísima calidad.

Horacio Burgos se sumará prontamente al staff de profesores de la Jammer’s, academia que con casi dos años de actividad en la enseñanza de la música y las artes, pretende hacer historia en La Falda. De esta forma la clínica y master class de guitarra realizada por Burgos fue, además de su presentación ante el alumnado, el primero de una serie de eventos que prometen multiplicarse en el futuro cercano.

Casi todos conocemos a Horacio Burgos (guitarrista, docente, compositor y arreglador) no obstante repasar su curriculum no deja de sorprender. Tocó al lado de un montón de notables personajes, bastaría nombrar al Dúo Salteño, Alejandro Dolina (en la opereta Lo que me costó el amor de Laura), Rubén Rada, Baglietto, Ligia Piro, Zamba Quipildor, Peteco Carabajal, Mingui Ingaramo, Los Huanca Hua, Silvia Lallana, Germán Nager, Ica Novo, Claudia Brant, y nos quedaríamos cortos. Porque además compuso y grabó música para películas y sacó a pasear su arte por el lejano Japón, de gira junto a Jorge Cumbo y Hugo Fattorusso. De entrecasa, es miembro estable del elenco del Festival Nacional del Tango de La Falda.

Su discografía personal incluye los álbumes: Burgos toca tango, Celebración, Reunidos y Burgos-Nager-Clark en Vivo.

En la concurrida intimidad de la sala Burgos confiesa haber renovado votos con la docencia, aunque desde hace ya diez años que es titular de la cátedra de guitarra en la especialidad de Música Argentina en La Colmena, prestigiosa escuela de música de la ciudad de Córdoba; y en el Laboratorio de Música Popular de Villa Carlos Paz. Y aunque desarrolla de manera intensiva sus clínicas sobre el Arte de la rítmica por distintas ciudades del país, la que realizó en La Falda el pasado sábado 24 de septiembre en el Salón Leopoldo Marechal fue distinta, y eso se percibió claramente.

Él propio protagonista reconoció haber contado cosas que no había dicho antes, y que de ahora en más debía sostener. Lo hizo con el magnetismo natural de un chamán, y consiguió mantener a la platea en atención permanente y en un silencio absoluto, para escuchar sus relatos de 40 años de experiencia. Un riquísimo universo de palabras que no sólo trataban sobre acordes, escalas, digitación y ritmos; sino que además mezclaba con cuentos, historias de vida, infaltables anécdotas, y citas a Borges, Piazzolla, Bach o Los Beatles, entre muchos otros.

“Me di cuenta que la sensibilidad está a flor de piel en cualquier persona, y que la ciencia y el arte siguen aportando libertad; porque tocar un instrumento, pintar un cuadro, bailar, cantar; es una mera, maravillosa, hermosísima excusa que nos brinda el arte, pero para otra cosa: nada más, ni nada menos que para ser libres”, dejó como mensaje introductorio Horacio Burgos, y a la vez funcionó como epílogo de una clase maestra de guitarra y de música, en el más amplio sentido de la expresión. Ya se dijo, sus organizadores prometen que vendrán muchas más. Así sea.-

Babasónicos: voy a dar que hablar

2011-09-21T16:31:00.000-07:00

Cumplen dos décadas de existencia, estrenan nuevo disco al que bautizaron “A propósito” y emprendieron la gira de presentación que el sábado 3 de septiembre pasó por Córdoba.

PRESENTACIÓN DE DISCO

Hay quienes miden el éxito en términos de convocatoria de estadios, records de ventas de discos o rating televisivo, simplificando el asunto a una cuestión meramente cuantitativa. Tal vez la prosapia del Rock Argentino históricamente se resista a esta lógica, ya que los fundadores del género no fueron lo que se dice llena estadios. Recién en los 80 y por factores que vinieron por fuera del rock, el fenómeno se popularizó gracias a lo que hasta entonces no había tenido: difusión en los medios. Fue un reconocimiento forzado que, no obstante, aportó un poco de justicia con los referentes de un movimiento contracultural que estaba revolucionando la música popular del país y al que hasta entonces se lo había minimizado, discriminado y proscripto.

Hoy a Babasónicos ¿se la puede considerar como la banda del momento?, si es así, la evaluación no tendrá que pasar por si son tremendamente masivos o no, porque no lo son como La Renga, el Indio Solari o los mismos Divididos con sus homeopáticas apariciones. Aunque la afirmación sea antojadiza, los Baba merecen ser reconocidos, mucho más tal vez que algunos exponentes del rock de actualidad que gozan del beneficio que dan los números, y esto lo tienen ganado por ser fieles al carácter rebelde y provocador que inspiró al rock de los 70; y por tratar de no parecerse a nadie, ni siquiera a si mismos.

Babasónicos surgió a comienzos de la década del 90, con la actualización que propone cíclicamente cada comienzo de decenio. Formaron parte de una notable camada que se denominó Nuevo Rock Argentino. Mucho tuvo que ver la ciudad de Córdoba en este emerger de nuevas bandas, y uno de los principales responsables fue el legendario productor local Héctor Perro Emaides quien organizó un ciclo de recitales bajo aquel rótulo que implicaba una renovación de lo que se había escuchado profusamente durante la transición de los 80’s.

En esa élite de joven sangre rockera local encontrábamos a Los Brujos, Martes Menta, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Todos Tus Muertos, Babasónicos, Tía Newton; y también a Illya Kuryaki & The Valderramas, Massacre, El Otro Yo y Catupecu Machu. De todos ellos, los Babasónicos son hoy heroicos sobrevivientes que lograron atravesar todas las vicisitudes y mantenerse sin haber sucumbido a la excesiva transa.

Su recorrido a la fama, tanto como su discografía tienen un punto de inflexión claramente identificado, y se ubica justo en el promedio de su carrera, momento en el que editan Jessico, en 2001. Ese disco fue trascendental. Por entonces, si mirábamos hacia atrás había un repertorio que los había revelado como verdaderos provocadores del rock, con títulos como el inaugural Pasto (1992), Trance Zomba (1994), Dopádromo (1996), o Miami (1999). Álbumes que contienen temas emblemáticos de esa primera etapa en que se convertirían en celebridades underground y de culto

Pero apareció Jessico, a la sazón en uno de los discos más importantes de la década, y la cosa cambió substancialmente. Es el disco que toda banda en ascenso quiere grabar, pero a la vez un compromiso a futuro, porque igualar o superar ese hito se convertía en todo un desafío y una incógnita.

Sin embargo los liderados por Adrián Dárgelos no se amedrentaron y a partir de ahí procrearon una nueva seguidilla de excelentes trabajos: Infame (2003), Anoche (2005) y Mucho (2008), que efectivamente estuvieron a la altura de las circunstancias.

El Fauno Dargelos (fuente: lavoz.com.ar)

A propósito. Todo aquel que en el verano pasado escuchó el adelantado Fiesta popular, y pensó que por ahí venía la onda del nuevo disco, se comió el amague, porque ese es único rock que finalmente quedó en la lista de “A propósito”, tal el nombre del trabajo que están estrenando, y que es el primero realizado sin ningún aporte de Gabo Manelli, bajista y miembro fundador, muerto en enero de 2008.

Poco antes del lanzamiento entregaron el segundo corte, Deshoras, una canción pop que remite al amanecer del Rock Argentino, con una fuerte reminiscencia a Los Gatos de Litto Nebbia.

Una vez editado el álbum, promovieron Muñeco de Haití, una suite pistera de tres movimientos con pulso de fiebre de sábado por la noche, que en el vivo ensambla con sus antecesoras Deléctrico y Microdancing.

Y A propósito comenzó a rodar la vida, primero por el porteño Stadium Luna Park, para proseguir en el Orfeo Superdomo de Córdoba (el sábado 3/9) y continuar por Rosario. Para esta nueva fiesta popular armaron una lista que mezcló los temas nuevos y un repaso por el repertorio de 20 años a modo de antología; además de mostrar los últimos cambios que experimentó la formación, que hoy suma a Tuta Torres (ex Los Látigos) a cargo del bajo, y al anterior bajista sustituto Carca ahora tocando guitarra -su instrumento natural- y percusiones varias. El resto de la formación es la de las últimas dos décadas y por lo tanto sale de memoria: Adrián Dargelos Rodríguez en voz, Diego Panza Castellanos en batería, Diego Uma Rodríguez en guitarra, Diego Uma-T Tuñón en teclados y Mariano Roger en guitarras.

“Voy a dar que hablar, voy a dar que hablar… busco que me quieran” repite como un mantra ese extravagante frontman de extraños ropajes que es Dargelos en Pulpito, el mini track que se engancha al final de Tormento. Si ese era el propósito, vaya que lo lograron.-

Retrospectiva sobre el Rey del Rock & Roll

2011-09-07T16:18:00.000-07:00

"Elvis para todos"

El Cineclub Municipal Hugo del Carril de Córdoba propone una exhaustiva revisión sobre la vida y obra de Elvis Presley. El prestigioso periodista Alfredo Rosso disertará en la apertura.

Del jueves 8 al domingo 11 de septiembre en el Cineclub Municipal Hugo del Carril (Bv. San Juan 49) de la ciudad de Córdoba, se realizará un ambicioso ciclo que revisará en forma exhaustiva la vida y obra del mayor ícono del Rock and Roll, Elvis Presley.

La muestra titulada Elvis para todos, contará con proyecciones de películas, documentales, disertación y música en vivo. Esencial, tanto para los seguidores del astro, como para los que no tienen la menor idea.

Programación completa (fechas, horarios y precios de entradas).

Jueves 08/09 (15:30 hs) "Prisionero del rock" (Jailhouse Rock, EEUU, 1957, 97’, ATP). Vince Everett es un joven que ha sido enviado a la cárcel por matar accidentalmente a un hombre en una pelea de cantina. En prisión se dedica a cantar. Cuando le conceden la libertad condicional una bella mujer le da una oportunidad en el mundo discográfico. Dirección: Richard Thorpe. Con Elvis Presley y Judy Tyler.

Jueves 08/09 (18:00 hs) Apertura oficial del ciclo con la presentación del prestigioso periodista de rock Alfredo Rosso, moderada por Max Deluppi. La charla repasará los orígenes del rock ’n’ roll y sus “vasos comunicantes”: el blues rural, el blues urbano, el rhythm and blues y el country; y abordará luego la explosión del rock con Elvis Presley. La disertación se concentrará en la figura del “joven Elvis” en la sociedad de los años 50’s, que ayudó a transformar sustancialmente.

Jueves 08/09 (20:00 hs) "Elvis, los primeros años" (Elvis, EEUU, 2005, 173’, ATP). Con una cuidada y detallista recreación de época, narra la vida de Elvis desde sus humildes comienzos hasta su tremendo regreso a la música en 1968, luego de pasarse casi una década haciendo musicales de dudoso gusto en Hollywood. Lo dijo John Lennon: “Antes de Elvis no había nada”. Dirección: James Steven Sadwith. Con Jonathan Rhys Meyers y Randy Quaid.

Jueves 08/09 (20:00 hs) "Cry baby" (EEUU, 1990, 85’, AM18). En los años 50´s el rock es el rey, y Wade "El lágrima" Walker es el chico más malo de su instituto, un joven irresistible cuya habilidad para llorar una sola lágrima vuelve locas a las chicas. Especialmente a Allison Vernon-Williams, una rica y bella jovencita que se siente incontrolablemente atraída por el delincuente juvenil y su prohibido mundo de música rock, coches rápidos y mujeres aún más rápidas. Dirección: John Waters. Con Johnny Depp y Ricki Lake.

Viernes 09/09 (15:30 hs) "Viva Las Vegas" (EEUU, 1964, 85’, ATP). Romántico musical en el que Elvis interpreta a un piloto de autos de carreras que también canta, mientras que Ann-Margret es la bailarina de un casino. Dirección: George Sidney. Con Elvis Presley y Ann-Margret.

Viernes 09/09 y domingo 11/09 (18:00 hs) "Elvis '68 Comeback Special” (EEUU, 1968, 107’, ATP) Este programa se emitió por primera vez en la NBC, y es uno de los más grandes éxitos de la televisión de todos los tiempos. Después de este show todo cambió para Elvis. Pondría energía creativa renovada en sus grabaciones, se desligaría del cine, y regresaría a tiempo completo a los escenarios, comenzando una nueva y excitante era en su carrera. Un documental dirigido por Steve Binder.

Viernes 09/09 (20:30 hs) "Elvis: 1935-1977 / Videobiografía" (EE.UU., 2007, 67’, ATP) La vida de Elvis Presley fue tumultuosa, electrizante, dramática, exultante y muy, muy dinámica. Desde sus humildes comienzos, pasando por su meteórico ascenso, hasta su precipitado final, las mejores canciones de Elvis acompañan este fenomenal viaje por su vida y obra. Un documental dirigido por P. Badham.

Viernes 09/09 (23:00 hs) Música en vivo con La Rockabilera del Sur, banda de Monte Grande (Pcia. de Buenos Aires) con un repertorio de temas propios y versiones de grandes clásicos.

Sábado 10/09 (15:30 hs) "La mujer robada" (Love me tender, EEUU, 1956, 90’, ATP) Elvis Presley debuta en el cine con este western, ambientado tras la guerra civil estadounidense, en el que dos hermanos se enamoran de la misma mujer. Dirección: Robert D. Webb. Con Elvis Presley y Richard Egan.

Sábado 10/09 y domingo 11/09 (20:30 hs) "Elvis: That’s the way it is" (EEUU, 1970, 108’, ATP) El famoso documental rodado en Las Vegas en el verano del '70. El Rey del Rock, de vuelta ya de todo, comienza su etapa más glamorosa -y decadente, claro- pero siempre con un estilo inigualable. Contiene tomas de los ensayos, en camarines y sobre el escenario en donde Elvis se ratifica como un maestro. Documental dirigido por Denis Sanders.

Sábado 10/09 (20:30 hs) "Elvis: Nº1 Hit Performances and more" (EEUU, 2007, 80’, ATP). Una colección con 21 de sus hits Nº 1 y otros 9 clásicos, seleccionadas desde 1956, el año en que su estrella ascendió, hasta los 70´s cuando alcanzó la cima de su carrera.

Sábado 10/09 (23:00 hs) Música en vivo con The Chicken Faces banda cordobesa formada en 2009 que ejecuta auténtico rockabilly de modo purista (con contrabajo, instrumento fundamental en ese sonido). Repertorio de clásicos del género (Elvis Presley, Gene Vincent, Buddy Holly) y composiciones propias, combinando un desquiciado y frenético rock ’n’ roll con dulces melodías country.

Domingo 11/09 (15:30 hs) "3.000 millas al infierno" (3.000 Miles to Graceland, EEUU, 2001, 125’, AM18) Como cada año, en el Casino Riviera de Las Vegas se dan cita centenares de imitadores de Elvis, pero en esta ocasión, entre los asistentes se encuentra una banda que pretende robar el casino. Dirección: Demian Lichtenstein. Con Kurt Russell y Kevin Costner.

Domingo 11/09 (23:00 hs) "Mistery Train" (EEUU / Japón, 1989, 110’, AM13) Centradas en la leyenda de Presley y en su ciudad natal, varias historias casi surrealistas se entrelazan de manera azarosa. Dirección: Jim Jarmusch. Con Masatoshi Nagase y Youki Kudoh.

Entradas. Presentación de Alfredo Rosso: $10 (No Socios) y $5 (Socios), con el mismo ticket se ingresa a la función de las 20:00 hs. del jueves 8/9.

Música en Vivo: La Rockabilera del Sur y The Chicken Faces $30 (No Socios) y $20 (Socios), a cada show.

Películas: Entrada General $10 (No Socios) y $1 (Socios y Estudiantes UNC, Colegio Monserrat y Escuela Manuel Belgrano). Promo 2x1: $11.

Anticipadas en el cineclub: Bv. San Juan 49. Tels.: (0351) 4332463 / 4341609.-

Museo Beatle: la colección interminable

2011-08-26T18:48:00.000-07:00

Como en Liverpool pero en Carlos Paz

La mayor colección mundial de memorabilia sobre Los Beatles estuvo en Carlos Paz. Pasá y enteráte de que se trata, en esta entrevista a Rodolfo Vázquez, su creador y propietario.

ENTREVISTA

Entrar al Museo Beatle es como entrar a un lugar familiar. Allí está el primer simple que encontré entre los discos de casa, y está también en primer long play que me compré para inaugurar mi propia colección de vinilos. Esa fue una primera sensación, la otra fue maravillarse por algo tan sorprendente como puede ser la mayor colección de objetos sobre Los Beatles que existe en el mundo. Nada más y nada menos. Una increíble muestra de discos, autógrafos, fotos, juguetes y objetos de existencia impensada. Esto ocurrió en Carlos Paz, en el edificio más moderno que tiene la villa, durante las vacaciones de invierno, y lo que sigue es una entrevista exclusiva con Rodolfo Vázquez, creador y propietario.

“Comencé a coleccionar a los 10 años, cuando me regalaron el disco Rubber Soul y me enamoré de Los Beatles, sobre todo escuchando el tema ‘In My Life’. A partir de ahí empecé a juntar cosas, todo lo que tuviera una imagen Beatle”, dice Rodolfo, porteño del barrio de Chacarita, quien está a punto de cumplir 54 años y que siempre trabajó con su padre y hermano en un negocio familiar, pero que desde hace varios años a esta parte se dedicó a su propio emprendimiento, el Cavern Buenos Aires, un espacio con varias salas de espectáculos y gastronomía. Rodolfo además escribe y ha publicado varios libros de aforismos, poesía, cuentos, y uno próximo a editar sobre el coleccionismo de Los Beatles.

-¿En qué momento ‘juntar cosas’ dejó de ser sólo un hobby?

“La muerte de John Lennon me transformó en coleccionista profesional. Después de su muerte tuve la oportunidad de viajar a Estados Unidos y pude comprar el primer objeto de valor para mi colección que fue un autógrafo de Lennon. A partir de ahí me transformé de un juntador de cosas en un coleccionista”.

-¿De cuántos objetos consta hoy la colección?

“Alrededor de 8600 piezas, no lo sé exactamente porque me faltan clasificar cosas y todo el tiempo estoy agregando objetos, me han regalado muchas piezas desde que abrí el museo”.

-¿La enorme discografía es para vos lo más valioso de tu colección?

“La discografía es lo más fácil de conseguir y además es muy numerosa, hay en todos los formatos, reediciones y de todo el mundo. El 60% calculo debe ser discografía. Pero no es lo más importante, las demás piezas, desde juguetes hasta autógrafos, son más difíciles. A mí personalmente, si bien los Beatles entre otras cosas son la música, me gustan más los objetos, el merchandising”.

-¿Los objetos de distintos países supone una misma cantidad de viajes tuyos por el mundo? si no es así, ¿de qué forma te juntas con las piezas?

“No exactamente, he viajado, pero hoy se compra por Internet y te lo mandan. Tuve la oportunidad de viajar, comprar e intervenir en subastas, pero también he cambiado gran cantidad de material con coleccionistas de otras partes del mundo”.

-¿Cómo llegaste a ser Record Mundial Guinnes?

“El premio Guinness me lo dieron en 2001 por tener la colección de objetos relacionados con la memorabilia sobre los Beatles más grande del mundo. Fueron trámites largos de casi 8 meses. Averigüé si había algún record sobre este tipo de coleccionismo, me postulé, presenté más de 400 fotos, todos los artículos certificados por escribano, listados, notas, todo lo que pudiera avalar la colección. Notas de personalidades importantes del país, después mandaron un veedor. Y luego de hacer ciertas investigaciones, me avisaron que tenía el record”, y agrega: “hay algunos coleccionistas con mucho material, pero no de esta magnitud”.

-¿Cómo explicarías la pasión por coleccionar objetos de Los Beatles?

“Soy amante del coleccionismo. No sólo de Los Beatles, es una pasión que te atrapa y una vez que lo hizo no te deja jamás. Para quien no tiene esa pasión es difícil entenderlo, muchos te tildan de loco o extraño. Es porque no les picó el bichito del coleccionismo. Es algo que debería fomentarse en las escuelas desde chicos”. Para Rodolfo el coleccionismo conlleva beneficios insospechados, y los enumera: “contribuye en el desarrollo de nuevos estímulos culturales y desarrolla el sentido de la estética, el aprendizaje, el lenguaje, enseña a divertirse, a estudiar y conocer, estimula la serenidad física y psíquica, cultiva el gusto por la belleza, aplaca la ira, la agresividad, la violencia, la intolerancia y contribuye a la valorización sana y constante del tiempo ocioso. El coleccionismo -amplía- lleva implícito valores culturales, estéticos e históricos y es a la vez un puente entre generaciones”. Casi nada.

-Entonces la tarea del coleccionista, y más tratándose de Los Beatles, ¿no termina jamás?

“No termina jamás, sobre todo de esta tremenda banda, con tanta historia, tanta música, con vidas tan ricas de cada uno de sus integrantes y con esa magia que siguen transmitiendo en todo el mundo. Siempre hay material para agregar y aparecen cosas que no sabías ni que existían. Hay cientos de catálogos con cosas diferentes, de épocas distintas. Coleccionar cosas de los Beatles te mantiene alerta todo o el tiempo, difícilmente puedas aburrirte”.

Sin embargo Rodolfo siente que tiene una materia pendiente cuando le pregunto si alguno de los integrantes de Los Beatles tomó contacto con él y su colección.

“Aún no, pero no pierdo las esperanzas -responde- tuve contacto con muchas personas allegadas, como Louise Harrison, hermana de George; con Julia Baird, hermana de John Lennon; con Pete Best, primer baterista de los Beatles; con Tony Sheridan, Davy Jones, Alan Williams, Alistair Taylor, Klaus Voormann, Astrid, Yoko Ono y otros personajes, pero aún no pude darle la mano a ninguno de ellos, es lo que me falta para completar la colección”.-

Museo Beatle todo el año. Parte de la colección está en forma permanente dentro del Cavern Buenos Aires en el Paseo La Plaza (Corrientes 1660, Capital Federal) que está abierto todos los días de 10 a 24 hs. El complejo cuenta con un Beatle Shop, se pueden sacar fotos y se realizan visitas guiadas para los colegios.-

Semana Beatle de Latinoamérica. Se realizará del 25 de noviembre al 8 de diciembre próximo en The Cavern Buenos Aires y viene como invitada la hermana de George Harrison, Louise Harrison, con motivo de cumplirse los diez años de la muerte de George. Será la 11va. edición consecutiva y la banda de Latinoamérica que resulte ganadora irá a tocar el año que viene a la Beatle Week de Liverpool en el mes de agosto.-

Babasónicos estrena documental en Córdoba

2011-08-21T18:50:00.000-07:00

Babasónicos estrena en Córdoba el documental sobre su flamante disco titulado "A propósito".
La proyección contará con la presencia de Adrián Dárgelos (cantante y líder de la banda).

Lugar: Campus de la UBP (Donato Álvarez 380 - Argüello)

Fecha: martes 23 de agosto a las 19 hs.

Reserva tu lugar escribiendo a:
radiopascal@ubp.edu.ar

¡Que vuelvan los wincos!

2011-07-14T19:26:00.000-07:00

Feria de Vinilos en Córdoba
Fecha: domingo 17 de julio
Hora: desde las 17:00
Lugar: Espacio Cultural BORDES (M.T.de Alvear 837 – Cba.)

5ª edición de la reunión de melómanos cordobeses que nació el año pasado. Un lugar que reúne a fanáticos del vinilo, pero también a amantes de la música en general, ya que allí encuentran un lugar donde poder compartir experiencias sobre esta pasión.

• Compra
• Venta
• Canje
• Otros formatos (casettes, cds, dvds, vhs, revistas)

También en esta ocasión, el escenario de BORDES recibirá en vivo a dos clásicos del rock cordobés en formato acústico: Micomicona Grey (rock) y Año Luz (rock y blues)

Contactos de Prensa
Crim Baez: (0351) 155-448892 - crim38baez@hotmail.com
Martín Carrizo: (0351) 156-677512 - martinmcarrizo@yahoo.com.ar

Un documental pensando en el Metal

2011-07-03T08:59:00.000-07:00

Astrain y su cabeza de metal

Se estrenó en Huerta Grande “Heavy mental, metal pensado”, el video documental de Juan Astrain que se sumerge en los orígenes del heavy metal. Como cierre Apócrypha mostró sus nuevos temas.

ENTREVISTA

No es un psico-ensayo sobre la industria siderúrgica de nuestro país, “Heavy mental, metal pensado” es una película biográfica sobre el heavy metal desde las profundidades de sus orígenes hasta nuestros días, y que la noche de su estreno en Cine Club Municipal Hugo del Carril de Córdoba, tuvo la virtud de congregar una sala repleta de heavys emocionados que demostraron su fidelidad por lo que ellos consideran un culto y una ética de vida, más que un estilo musical.

Juan Astrain es el productor y director del documental y quien relata: “En un principio me movilizó la necesidad de recibirme (Nota: el documental fue su tesis en Comunicación Social) pero la culminación de mi carrera terminó siendo una mera excusa para poder dar a luz esta especie de primer hijo, que creo nació sanito. El hecho de hacer un documental de heavy salió directamente de pulsiones, de sensaciones propias. El metal me acompañó siempre, despertándome cosas muy fuertes que quería explorarlas al extremo. El documental fue el intento de cumplir con eso”.

Ok, he aquí un detalle fundamental, Juan no eligió el tema de su tesis al azar, sino que fue guiado por una pasión que nació mucho antes que su interés por la carrera que cursó. Juan es tan fana del heavy como hincha de Belgrano, dato no menor este último por estos días.

Luego es el director mismo quien confiesa que: “Hasta el último fotograma de la narración tuvo la impronta de lo instintivo. Si bien hubo cuestiones que por un orden cronológico debían mantener un destino lineal; las entrevistas, los recitales y el milagro de la llegada de Metallica a Córdoba (el 24-01-10) alteraron toda la historia... y no sabés cuanto me alegro. Creo que esa espontaneidad lo hizo más creíble, más sensible, más metalero”.

Le pregunto si su mirada fue la de un documentalista neutralizando al fan, o viceversa. O en todo caso ¿qué porcentaje hubo de cada uno a la hora de realizarlo?

Responde: “Gran parte del docu está narrado desde mis propias emociones, así que tiene mucho de mi ‘yo heavy’. De todas formas el ‘yo documentalista’ estuvo latente a la hora de salir del campo del ritual metalero. Cuando lo vean le van a sacar el crédito a mi respuesta, pero me tiro a un mentiroso 50% y 50%”.

El trabajo, que saltó de los claustros universitarios a las salas de cine del circuito no comercial, ha tenido amplia aceptación por varias razones, en principio porque es el primero sobre este género que se hace en el país, y por lo tanto la grey metalera, con el profundo sentido de pertenencia que profesan, no le iba dar la espalda.

Hasta ahora fue exhibido en Córdoba Capital, Unquillo, Alta Gracia y Villa María, y están programadas funciones en Carlos Paz, Río Cuarto, Catamarca, La Rioja, San Luis y algunos lugares más.

La del sábado 2 de julio en el pub Don Corleone de Huerta Grande se incorporó a la lista, y sumó como broche final la actuación en directo de Apócrypha presentando la totalidad de los temas de su próximo álbum que se titulará “Motores del metal”.

Sobre el documental podemos asegurar que se destaca por lo minucioso del relato sobre el nacimiento del género en Inglaterra y su fuerte arraigo en nuestro país desde principios de los 80’s. Es original el comienzo y el final, en donde es el propio director quien se hace cargo del rol protagónico y con voz en off va entrando y saliendo de la historia con datos puramente personales. El rescate se pone más emotivo y nostálgico cuando se aborda la escala cordobesa, con testimonios e imágenes de los referentes más importantes de la época.

Astrain, presente en la gélida noche invernal de Huerta Grande, aseguró: “Voy e iré a cada función, creo que es necesario para terminar de darle sentido al ritual de la proyección, y me encantaría hacer un cierre en el propio Cine Club Hugo del Carril. Aquella noche fue inolvidable y estaré agradecido por siempre a la gente del lugar que permitió poder estrenarlo en semejante templo”.

Pero además el dvd te lo podés llevar puesto, adquiriendo una copia por $30. “Recibo pedidos del dvd desde todo el país -comenta- sigo programando funciones, me escriben heavys sintiéndose representados. Estoy chocho, porque es una inagotable fuente de sensaciones y de reacciones, como la que tuvo el Polaco, un personaje metalero de Córdoba, que me llama un día y me dice: ‘Juancito, necesito que me vendas dos dvd’s de tu docu. Uno es para mí y el otro es para quedar bien con una mina que quiero mucho'. Con reacciones como esas, puedo seguir perdiendo guita con todo gusto”.-

Título: “HEAVY mental METAL pensado”
Dirección: Juan Astrain
Formato: documental
Origen: Córdoba - Argentina
Año: 2010
Duración: 53’

Calificación: ATP

Charly García: no digas todo

2011-06-20T19:13:00.000-07:00

Charly actual: formal y cortés

El bicolor y su banda volvieron a ofrecer en Córdoba una performance confiable y previsible, muy distinta a lo que ocurría sólo pocos años atrás. ¿Vos cuál García preferís?

RECITALES

Hubo un tiempo que no fue ni tan hermoso, ti tan lejano, en el cual el nombre de Charly García era mala palabra para los productores de espectáculos.

Y si no que lo diga José Palazzo, uno de los principales productores de nuestro medio, a quien no hace mucho tiempo atrás el bicolor no hacía otra cosa que traerle dolores de cabeza cuando aquel insistía en agendarle fechas.

Repasemos: en el verano del 2003 en el Festival Cosquín Rock en la Próspero Molina, Palazzo se veía obligado a modificar los horarios del sábado porque García en Buenos Aires no salía de su cuelgue y perdía todos los vuelos regulares que debían depositarlo a tiempo en tierras cordobesas. Una vez aquí exigía para su show excentricidades tales como un sillón de dentista que luego descartaría por una silla de ruedas. Cuando esto pasaba todos corrían para complacerlo, aún el mismísimo Perro Emaides, por entonces socio de Palazzo en la productora.

Al año siguiente en el mismo escenario casi provoca una tragedia de proporciones cuando en uno de sus berrinches se quejó del sonido, se negó a tocar, pidió más plata y la plaza del folklore casi ardió en llamas, con los organizadores al borde del infarto. Resultado: el festival de rock y sus mentores fueron desterrados de la capital de folklore.

Al año siguiente, de estreno en la Comuna de San Roque, el insistente Palazzo se anima nuevamente a contratarlo y programa la primera fecha del Cosquín Rock 2005 en su nueva locación con un show gratuito del ex Sui Generis. El horario del concierto estaba anunciado para las 19 hs., en un espectacular atardecer de febrero y con 35.000 personas esperándolo. Charly en otra de sus actitudes poco profesionales de entonces se dignó a aparecer recién a la medianoche, justificando su nuevo capricho con una humorada: “Yo no llegue tarde, Uds. vinieron temprano”.

Su último show en la capital cordobesa de ese período no iba a ser distinto, ocurrió en el estadio cubierto del Club Gral Paz Juniors, como era habitual empezó a la hora que a él le vino en ganas, tocó un par temas, lo interrumpió abruptamente y se fue. La gente lo esperó sabiendo que su ciclotimia en algún momento lo haría volver. Volvió y se peleó con un asistente de escenario que le devolvió agresión por agresión. La imagen fue reproducida por todos los noticieros, otro escándalo de Charly ganaba los titulares.

Lo anecdótico fue que la producción del concierto había impreso en los tickets una leyenda que anticipaba No hacerse responsable por la hora de comienzo del show, ni por la duración del mismo. Increíble pero real. Así y todo, sus fans siempre le respondieron, cada nueva desconsideración del músico a sus seguidores aumentaba su capacidad de convocar.

Para entender un poco mejor como era un día en la vida de García, sugiero la lectura de su biografía titulada No digas nada (edición actualizada 2007) escrita por el periodista Sergio Marchi. Punto y aparte.

Pero la vida de Charly cambió una vez que alguien se dio cuenta que más abajo del infierno no había nada. Apareció la figura tutelar de Palito Ortega y la historia se mediatizó a tal punto que alcanzó hasta a los no iniciados en el Mundo Charly. La historia es conocida por todos, y hoy mucho más apetecible para periodistas como Chiche Gelblung y los magazines de la tarde, que para los especializados en música como Claudio Kleiman o Alfredo Rosso.

Desde entonces la polémica sobre el artista empezó a girar en torno a otro eje. ¿Cuál Charly García preferís? Aquel que arrastraba su escuálido cuerpo hacia la autodestrucción, o este apacible regordete más cerca de la jubilación que de la revolución.

Para los que lo quieren en serio, no existe tal disyuntiva, prefieren un Charly vivo aunque aletargado por el tratamiento que lo contiene, y no un Charly muerto o archivado en un manicomio. Su obra es demasiado inmensa como para que termine así.

Es esa obra, la de su etapa solista en los 80’s, los hits adolescentes de Sui Generis o la madurez al frente de Seru Giran, lo que justifica que todavía se suba a un escenario, como ocurrió el sábado 18 de mayo en el Orfeo Superdomo de Córdoba. La excusa era presentar Kill Gil, disco que es una especie de precuela en esta saga, ya que existía en digital y bajable desde la web, pero que la falta de nuevas composiciones apuraron su aparición en formato físico.

Las falencias vocales que el líder manifiesta en directo tratan de ser disimuladas por una banda potente que integran históricos como el Negro García López y el Zorrito Quintiero, y la completan el trío de chilenos que a fuerza de rodaje lograron integrarse con precisión. Ya no está Hilda Lizarazu, una figura clave, y en su lugar aparece Rosario Ortega, hija del Palo. Sea este un gesto de agradecimiento o no, su desempeño en vivo por el momento no está a la altura.

Este nuevo Charly confiable y demasiado previsible, que ahora cumple los horarios, que dirige la prueba de sonido y completa sus shows, es un león herbívoro que se las arregló para seguir en la ruta a como dé lugar. Pero tengo la sensación -y también la esperanza, porque no- que no está todo dicho y que no ha perdido su capacidad de sorprendernos. Es una condición está en su naturaleza, habrá que estar atentos.-

Foto: www.lavoz.com.ar

Litto Nebbia: padre del rock de acá

2011-06-13T18:35:00.000-07:00

Un gato en la ciudad... de La Falda

El exilio y el regreso, el Rock Argentino, Los Gatos, fueron algunos de los temas que tocamos con el creador de “La Balsa”.

ENTREVISTA

Aparece por la puerta del ascensor del gran hotel con nombre de barco y se dirige directamente hacia mí. “¿Sos vos, no?”, me pregunta. Será simple intuición, o se acordará por la entrevista que le hiciera hace ya varios años atrás en la sala de la malogrado Cine Teatro Gran Rex.

Como sea, él es él, sin dudas. Félix Francisco Litto Nebbia, uno de los músicos contemporáneos más influyentes de nuestro medio, y un gran conversador que siempre te agota la cinta del grabador analógico. De las muchas cosas que hablamos, reproducimos aquí lo más importante de esta entrevista exclusiva en L a Falda.

-¿Cómo fue que se produjo tu exilio en los 70’s?

“El tema de porque te prohibían o te ponían en una lista negra no era sólo porque te encontraran con una ametralladora, era la actitud o el pensamiento que vos tuvieras. Yo soy un tipo muy parlanchín, muy expuesto, muy de decir las cosas que pienso, y lo que pensaba no tenía nada que ver con la actitud militarista de estos tipos. De pronto hubo una época en que no podía tocar en ningún lado. Había mucha autocensura, ibas a grabar un programa a Canal 9 y te decían: ‘Disculpá, pero llegó una orden de arriba que no podés estar acá’, y nunca sabías quien daba la orden, ni cual era la razón. A los tres días tenías un programa en otro canal, y en ese canal ya se habían enterado que vos eras un bicho raro y ellos mismos te prohibían. En la radio no te pasaban, ya tenía discos donde habían tachado temas como ‘Despertemos en América’ o ‘El otro cambio los que se fueron’ que estaba censurado…”

-¿Lo censuraban por la letra, por el título?

“Sí, sí, pero por todo lo que vos escribieras y que tuviera que ver con una perfección del ser humano, ya eras como un enemigo”.

-No hacía falta hablar de política para que te prohíban

“No, no. Y así fue que esto se empezó a poner más agudo, me seguían por la calle, y esto fue creciendo a lo que ya sabemos cómo terminó. Y llegó un momento en que me volví loco, no tenía un mango, vendí un piano Fender, me compré un pasaje y me fui”.

-¿Por qué elegiste México?

“Tenía dos lugares para ir, México o España, porque yo pensaba ir a un lugar donde pudiera seguir haciendo lo mío. Me decían andáte a EEUU porque con lo que vos sabés de música de películas, ahí la pegás. Pero yo no quería irme para pegarla y tener que cambiar la letra de mis canciones, y entonces me bajé en México. Y la verdad que tuve suerte porque los mexicanos son muy solidarios, muy buena gente, y aunque en ningún lugar te vas sentir como en tu casa, mucho menos si te tuviste que rajar, allí me sentí protegido y empecé a componer y dar conciertos”.

-Y cuando volviste reimpulsaste tu carrera, y surgieron una cantidad de canciones que tuvieron una gran popularidad.

“Yo trate de venir de la manera más natural posible. Nunca me gustó utilizar la cosa política con el tema de la música. Tampoco quería hacer un recital del tipo ‘Regresa del exilio’, no quería mezclar las cosas.

-Pero volviste y acá había ocurrido un fenómeno con el rock.

“Bueno, ocurrió una cosa pero que no fue exclusivo mío, que tiene que ver con la música en sí. En realidad este rock que inventamos es el único rock hispanoparlante original que hay sobre todo el planeta, modestia aparte. Y si bien siempre fue un género ansiado masivamente, nunca nadie le quiso dar legitimidad. Pero pasó tanto tiempo, resistió tantas cosas, que empezó a tener más cuerpo, nadie se imaginó nunca que iban a perdurar las canciones, o que iba a ser un negocio grande como es hoy en día. Hoy en día (el negocio) ya se pasó de mambo para mí, ok, no importa. Pero a poco más de 40 años de que se inició, se transformó en una tercera corriente musical auténtica de este lugar, junto con el tango y el folklore”.

¿Recordás el momento en que se te reconoció como el padre del Rock en Castellano?

“Siempre hubo una mención, pero por el éxito que tuvieron Los Gatos que fue el grupo que dio la patada para que pudieran salir grupos de otros estilos como Almendra y Manal. Con Los Gatos íbamos a tocar a Bolivia y había 40.000 personas en épocas en que no existían los mega conciertos, no había infraestructura, no había equipos, ni sonido y todo sonaba como el orto, pero estaba el fenómeno de la gente”.

La relación de Litto Nebbia con La Falda es extensa y profusa. En las últimas tres décadas tocó en momentos y lugares emblemáticos de esta ciudad: en el Festival de Rock, en el pub Atelier, en el Cine Gran Rex y hasta en la desaparecida Disco Gregor. Pero hay un lugar que Litto no recordará. “¿Toqué en el Hotel Edén?”, se pregunta con sorpresa este ícono de nuestra música, “Mirá que locura, me había olvidado que también toqué ahí”.-

Foto: N. P.

Alan Parsons: la vigencia retro

2011-05-10T18:51:00.000-07:00

Alan Parsons en Orfeo (foto: LaVoz.com.ar)

El músico, compositor y productor inglés llegó por segunda vez a Córdoba para presentar su Alan Parsons Live Project, banda con la que revisa sus clásicos 70/80.

RECITALES

El músico inglés Alan Parsons llegó a Córdoba por segunda vez para presentar una selección de sus más grandes éxitos, aquellos que inundaron las discotecas y las radios en la segunda mitad de los 70’s y primera parte de los 80’s, y lo convirtieron en una celebridad musical. Un show similar al realizado en la capital cordobesa en enero de 2005, y en el mismo espacio: el Orfeo Superdomo.

El dato tan repetido como insoslayable cada vez que se escribe una reseña sobre Alan Parsons es la referencia a sus inicios en la música, los que no fueron precisamente arriba de un escenario sino en un estudio de grabación. El por entonces joven Parsons formaba parte del staff técnico de los míticos Estudios Abbey Road en Londres, allí participó como asistente de grabación de los dos últimos legados Beatles, los álbumes Abbey Road (1969) y Let it be (1970). Pocos años después, ya al mando de la consola, registró un disco fundamental, Dark side of the moon (El lado oscuro de la luna, 1973) de los Pink Floyd. No fueron estas sus únicas intervenciones como ingeniero de sonido, pero sí las que calificaron su curriculum para que pudiera saltar al otro lado del vidrio y junto a su colega Eric Woolfson fundar Alan Parsons Project, banda con la que su nombre ganó notoriedad mundial en la época en que desde el norte del continente nos importaban la música disco y en Inglaterra reinaba la progresiva.

El astuto Alan, o vio el filón o bien por buscar un sello distintivo, conjugó ambos estilos en boga, y con el pulido sonido que dotaba a sus trabajos llegó a grabar títulos emblemáticos (I Robot, Pyramid, The turn of a friendly card, entre otros) que forman parte de este viaje retrospectivo que aún hoy mantiene en vigencia a la banda sonora de aquellas dos décadas.

En eso se basa su actual performance en vivo, a la que rebautizó Alan Parsons Live Project, un mínimo agregado en el nombre fue suficiente para no vulnerar del todo la marca registrada de origen ahora que Woolfson no está, pero a la vez para que a nadie le queden dudas de qué se trata.

En escena Parsons se comporta como un director controlándolo todo desde las alturas de su tarima central, pero aporta lo mínimo a la hora de cantar, tocar la guitarra (su principal instrumento) o los teclados. En el llano el gasto lo hace una banda conformada por músicos estadounidenses, para nosotros ilustres desconocidos. Casi todos ellos a su turno cantan, aunque la voz solista principal es la de P.J. Olsson, un vocalista tan hiperactivo que contrasta con la pachorra de su líder. Lo siguen Alastair Green en guitarra, el histriónico Todd Cooper en saxos y guitarra acústica, Guy Erez en bajo, Danny Thompson en batería y Manny Focarazzo en teclados.

En la lista de temas es anecdótica la inclusión de All our yesterdays (la única novedad) ya que el resto -casi todos festejados por una audiencia mayormente adulta- eran los que se esperaban escuchar. A saber, los clásicos instrumentales que abastecieron de cortinas a más de un programa informativo o deportivo: I Robot y Luciferama (un middle entre Lucifer y Mammagamma). Los lentos (Don't answer me y Time) que aún hoy -o mucho más hoy- tienen esa capacidad para desatar suspiros en la platea femenina y en más de un varón romántico. Y después los pasajes más ambiciosos de aquellos discos que fueron concebidos como álbumes conceptuales, en este sentido se destacó particularmente la suite compuesta para el álbum The turn of a friendly card (“La suerte de una buena carta”, tradujo Parsons, en su única frase en español de toda la noche). Este segmento de cinco movimientos y la parte final del show con Sirius, Eye in the Sky y los bises Old and wise y Games people play, fueron lo más intenso del show y lo que logró hacer saltar de sus cómodas butacas a un público que se había mostrado gozoso pero que hasta ahí ni siquiera se había despeinado.-

Ricardo Soulé: 40 años de “La Biblia según Vox Dei”

2011-05-01T16:15:00.000-07:00

El guitarrista, cantante y compositor de Vox Dei, se presentó en El Pungo de La Cumbre en dupla con su hijo Gabriel Soulé. Evocó pasajes de la obra magna “La Biblia según Vox Dei”, a cuatro décadas de su lanzamiento.

RECITALES

Son las 2 de la mañana del domingo y el reguetón revienta adentro del pub, dando así comienzo a la segunda parte de la noche. Las féminas se menean sensualmente al compás del ritmo que desterró a la cumbia, mientras los del género opuesto dejan ver brillar su colmillo.

En la casa que está en la parte de atrás, que hace las veces de vivienda, back stage, camarines, oficina de producción, el mate circula entre el grupo de gente. Ricardo Soulé recién termina su show y ahora conversa distendido y cuenta historias del Rock Nacional. La charla va y viene, desde Miguel Abuelo y Tanguito hasta La Renga que esa noche toca en Carlos Paz. Hablamos de Vox Dei, de su pena por la temprana y reciente partida de Rubén Basoalto, el baterista; de su sensación de impotencia porque Willy Quiroga, el bajista, insista en utilizar el nombre de la legendaria banda aunque en ella hoy sólo figure él.

Los músicos necesitan tocar, por eso aunque no disponía de la compañía del resto de los integrantes de La Bestia Emplumada, su actual banda, Ricardo presentó esa noche en El Pungo de La Cumbre un formato distinto, que no es común de ver y por eso muy atractivo, y hacia allá nos fuimos con Lucas Fernández, conductor del programa radial Mamá Rock (lunes a viernes de 16 a 18 hs. por Radio Nacional Córdoba)

Un par de guitarras eléctricas para versionar a Vox Dei y las voces de Ricardo Soulé y su hijo mayor Gabriel Soulé fueron suficientes para repasar algunas de las principales páginas del trío.

Muy poco por decir por parte de Ricardo en escena, tan sólo una mención al aniversario número 40 de la edición de La Biblia Según Vox Dei, una obra conceptual insoslayable, que fue fundamental en el devenir del Rock en Castellano. Tan importante es ese trabajo, como sorprendente que a cuatro décadas de su publicación no se haya realizado alguna celebración con la jerarquía que se merece. Síntomas de este bendito este país y su abulia por lo cultural, aunque todavía estamos a tiempo de salvar la omisión.

Lo cierto es que para Soulé no puede pasar inadvertido este acontecimiento, aunque para rememorarlo esa noche recree solamente un pasaje del mítico álbum doble que es venerado por más de una generación. Ricardo eligió los Libros Sapienciales (“De sol a sol labrando tierra tendrás tu pan, todos los ríos van al mar…”), acompañándose por su violín, un detalle psicodélico, porque: ¿qué otro músico utiliza este instrumento hoy en día en vivo en nuestro rock?

El resto del show, íntimo y compacto, demasiado breve por marcar algún desliz, ya que fueron nada más que doce temas en el tiempo que dura un vinilo, se completó con otras preciosas gemas de su producción. Abrió con la autorreferencial El Cantar del Juglar en juego de voces con Gabriel. Rescató momentos de intenso rock y blues, como Al Rey, a mí y a vos, La verdadera historia de Sam el montañés y Gata de Noche, a los que por esta vez no les hizo falta bajo y batería.

Los músicos calentaban sus gargantas y los parroquianos sus corazones, y tras el ya mencionado momento dedicado a La Biblia, le siguió la hermosa balada Quiero estar seguro de vivir dónde se lució la profunda voz de Ricardo; y una seguidilla de hits: Prométeme que nunca me dirás adiós, Ritmo y blues con armónica y Presente. Un bloque demasiado bueno al que un repentino e inesperado “Buenas noches, muchas gracias” y ningún bis se encargaron de cortarle el mambo.

Con todo lo conciso que nos pareció, sea por la obra, por los intérpretes y por el acontecimiento, fue todo un privilegio poder estar presentes en este show de Ricardo Soulé solista, tributando a su manera a su propia banda Vox Dei.-

La Biblia Vox Dei, obra magna

FESTIVAL DE ROCK SOLIDARIO A BENEFICIO DE LOS HERMANOS BUSTOS FIERRO

2011-04-25T16:58:00.000-07:00

Viernes 29 de abril a las 22 hs.

Se estarán presentando las bandas:
JUAN TERRENAL
ESTEBAN KABALIN
PEQUEÑO SER
SYNESTHESIA
LA TRAKTORA
En REFUGIO GUERNICA (Tillard 115 - Cba.)
Entrada Gral.: $15 (Toda la recaudacion de boleteria seria donada)
Organiza: BANG BANG Producciones
Adhieren: FERNANDO CABALLERO BACK LINE - ESPINILLO SALA DE ENSAYO - BLIND PROFESSIONAL BACK LINE
Evento Facebook:
http://www.facebook.com/event.php?eid=202731133101176
www.unmilagroparaagustin.com

The Tristes: de todo menos dormir

2011-03-23T16:55:00.000-07:00

The Tristes y Wonko

La banda de Germán Arrascaeta y el fotógrafo Matías Wonko participaron de la segunda fecha del ciclo “Imágenes Sonoras” organizado por el Centro Cultural España Córdoba.

MÚSICA + FOTOGRAFÍA

El programa lo explica así: cuatro bandas de la escena indie cordobesa forman binomios con cuatro jóvenes fotógrafos cordobeses para que música e imagen dialoguen y se retroalimenten. Durante un mes que durará el ciclo cada fotógrafo realiza una exploración estética en conjunto con la banda a partir de la música de ésta y el perfil del artista visual, culminando con un acústico en el jardín del CCEC (sigla del Centro Cultural España-Córdoba) donde, de manera paralela al show, se proyectan las imágenes.

La atractiva propuesta nos llevó a largarnos a la capital cordobesa un viernes a la noche. Aunque el otro motor del viaje era ver por primera vez en vivo a The Tristes, la banda del periodista Germán Arrascaeta, cronista musical de la sección espectáculos de La Voz del Interior.

El 18 de marzo fue la segunda fecha del ciclo, y presentó a The Tristes con intervención de Matías Wonko, fotógrafo que convivió durante un mes con los músicos para esta presentación.

Las fotos en blanco y negro de Matías fueron el lenguaje visual que dialogó con la música de The Tristes en su set semi acústico, que se basó en las canciones de Menos Dormir, su segundo disco, editado en 2010.

The Tristes es el actual proyecto musical de Germán Arrascaeta, ex integrante en el ocaso de los 80’s de la banda dark El Final de Árboles; y ex líder de La Cosa, stoners que visitaron La Falda durante la última edición del Festival de Rock en 2002.

El socio principal de Arrascaeta en The Tristes es el guitarrista Raúl Guzmán - el binomio firma la mayoría de los temas- y el resto de la formación es volante. Esa noche se completó con Sebastián Tranchet, quien se destacó en la guitarra eléctrica; Ignacio Ortiz Morán correcto en la batería y Carlos Sada -integrante de Sullivan y habitual invitado de la banda- digitando con certeza las cuatro cuerdas de su Hofner zurdo a lo Mc Cartney.

El pequeño anfiteatro a cielo abierto del último patio que tiene el CCEC es un lugar con onda y con historia, y alberga muchos de los eventos que allí se organizan. El único problema es la molestia que a los vecinos cercanos les ocasiona lo que ellos llaman "ruidos molestos", pero que en realidad no es otra cosa que música. Y eso que con buen criterio los recitales empiezan a un horario tan atinado como el de las 20.30, aunque se conspire con la convocatoria. Por suerte hay que decir que el público respondió masivamente al espectáculo por el que había que desembolsar la módica suma de $5 en concepto de bono contribución.

Arrascaeta es un músico de gustos finos, lo manifiesta a través de sus reseñas periodísticas en el matutino cordobés, y también en las letras que escribe para la banda. Como frontman no le saca el pecho a su función de tal, y canta a la vez que despliega unos bailoteos que contrastan con el quietismo del resto de sus compañeros. Alguna regla no escrita en nuestro rock dice que los músicos en escena deben permanecer estáticos y en actitud cool, Arrascaeta sin temerle al ridículo desafía esa norma tácita y así le da un matiz al vivo.

The Tristes hace un pop que no es liviano pero entretiene, sus influencias remiten al sonido inglés (Beatles, The Cure, Oasis) y las letras son de una sinuosidad atrayente. Los temas de Menos dormir, de escuetos nombres, tienen melodías seductoras a primera escucha y algunos estribillos que se adhieren rápido, nada más preciado para el pop. Buenos ejemplos son: “Ayer”, “Humos”, “Sado”, “Rata” y esa especie de hit que es “Rimas”. Mientras que “Stanley” (referencia al genial Kubrick) es la que contiene la frase “de todo menos dormir, en mi valija existencial” y un muy buen solo de viola al final para cerrar la placa.

Un interesante trabajo realizaron Los Tristes con Menos dormir, recomiendo este álbum que te motiva a pulsar el botón de repeat del autostereo, que más se le puede pedir hoy a un disco de rock..-

Acerca del CCEC. El Centro Cultural España-Córdoba fue creado el 7 de abril de 1998, en el espacio que hasta ese momento había albergado al Museo de la Ciudad y antes a la Sala de Exposiciones José Malanca.

Durante más de una década el centro ha desarrollado una atractiva cartelera de conferencias, presentaciones de libros, música, teatro, artes visuales, intervenciones sonoras, escenografías ambulantes, vídeos y danza.

Está ubicado en la histórica casona de la calle Entre Ríos al 40, también conocida como la casa Garzón Maceda. Es uno de los principales exponentes de la arquitectura doméstica cordobesa del siglo XIX y uno de los pocos que se conservan hasta el día de hoy. Como un testimonio vivo de la historia de nuestra provincia y nuestro país, es un lugar que merece ser conocido y visitado.-

Los Cantautores se encuentran en Alta Gracia

2011-03-19T20:30:00.000-07:00

Afiche

Una idea que tuvo su antecedente a finales de la década del 80 en La Falda, ahora es reeditada, corregida y aumentada, en la ciudad de Alta Gracia del 23 al 26 de marzo. Chequeá la programación completa.

RECITALES

Dice la R.A.E. de “cantautor”: cantante, por lo común solista, que suele ser autor de sus propias composiciones en las que prevalece sobre la música un mensaje de intención crítica o poética.

Alguna vez, allá por el verano de 1989, La Falda reunía a los cantautores más encumbrados del país en un ciclo organizado por el recordado músico y productor BB Muñoz. El evento bautizado como El Cantautor -que consistía en una serie de recitales durante 44 noches de enero y febrero en la sala del malogrado Cine Teatro Rex con los más importantes cultores de ese estilo en el país- tuvo esa única edición en la ciudad serrana y alguna secuela en años siguientes en Buenos Aires, hasta desaparecer.

Ahora la idea se reflotó en Alta Gracia, corregida y aumentada, ya que a los recitales en vivo se suman una serie de charlas debate y talleres sobre la especialidad, algunos con entrada libre y gratuita, dictados por personalidades de la música, la composición y el canto.

La edición número 6 del Encuentro de Cantautores en Alta Gracia (Cba.) que en esta oportunidad protagonizarán prestigiosos músicos de Argentina y Uruguay, se realizará en el Auditorio del “Colegio Anglo Americano” (Buenos Aires 150) en la histórica ciudad cordobesa. Y un detalle: aquellas personas que concurran con niños, podrán dejarlos al cuidado de un “servicio de animadores” dispuestos por la organización.

Litto Nebbia, Pedro y Pablo, Mariana Baraj, Jenny Nager y el uruguayo Hugo Fattoruso son algunos de los nombres más importantes de la cartelera de conciertos que se llevarán a cabo los días 23, 24, 25 y 26 de marzo a partir de las 21,30 hs.

En tanto que en la lista de disertantes se anotan el periodista especializado Víctor Pintos y los músicos Miguel Cantilo, Marcos Luc, Horacio Sosa, Francisco Heredia, Adrián Abonizio, Juan Carlos Ingaramo y Hugo Fattoruso.

Las entradas para los conciertos se consiguen anticipadamente en Disquería María Callas (9 de Julio 241 - Córdoba capital) con un costo de $ 30 por noche y $ 100 el abono para las cuatro jornadas. En tanto que en la puerta el costo será de $ 40.-

Programa (frente)

PROGRAMA COMPLETO

Miércoles 23 de marzo

19:00 hs. Charla abierta entre el periodista Víctor Pintos y Miguel Cantilo (Entrada Libre y gratuita)

21:30 hs. Conciertos:

Edu Guzmán y Asinovale (Alta Gracia)

Sebastián Jantos (Uruguay)

Seba Ibarra (Chaco)

Pedro y Pablo (Buenos Aires)

Jueves 24 de marzo

19:00 hs. Mesa redonda sobre la canción cordobesa. Participan: Francisco Heredia, Horacio Sosa, Marcos Luc y Pipa Martin (Entrada Libre y Gratuita)

21:30 hs. Conciertos:

Mauri Córdoba y Nico Di Giácomo (Alta Gracia)

Julian Venegas (Rosario)

Lucas Heredia (Córdoba)

Alejandro Balbis (Uruguay)

Mariana Baraj (Salta)

Programa (dorso)

Viernes 25 de marzo

11:30 hs. Taller de canto y percusión a cargo de Mariana Baraj (costo $ 30)

11:30 hs. Taller de murga a cargo de Alejandro Balbis (costo $ 30)

19:00 hs. Mesa Redonda homenaje a María Elena Walsh. Participan: Coqui Dutto, Mariano Medina y Ceci Raspo (Entrada libre y gratuita)

21:30 hs. Conciertos:

Mariano Medina y Enrique Roitter (Córdoba)

Jenny Nager (Córdoba)

Sandra Corizzo (Rosario) junto a Marcela Passadore (Entre Ríos)

Hugo Fattoruso (Uruguay)

Sábado 26 de marzo

11:30 hs. Taller de canciones a cargo de Adrian Abonizio (costo $ 30)

11:30 hs. Taller de canto y vocalización a cargo de Sandra Corizzo (costo $ 30)

19:00 hs. Homenaje a Litto Nebbia, charla abierta con Adrian Abonizio, Juan Carlos Ingaramo, Hugo Fattorusso y otros (Entrada libre y gratuita)

21:30 hs. Conciertos:

Florencia Ruiz (Buenos Aires)

Lea Ben Sasson (Uruguay) y Florencia Mochi (Uruguay)

Andrés Ruiz (Buenos Aires)

Cristina Dall (Buenos Aires)

Litto Nebbia (Rosario)

Raly Barrionuevo: santiagueño cósmico

2011-03-10T16:56:00.000-08:00

Raly Barrionuevo: paisano eléctrico

En un concierto emotivo, intenso y vibrante, el Raly demostró su gran poder de genuina convocatoria. Fue el cierre del ciclo “La Falda bajo las Estrellas 2011”.

RECITALES

El concierto del santiagueño Raly Barrionuevo en el cierre del ciclo La Falda bajo las Estrellas fue intenso, emotivo, vibrante por partes iguales, y con altas dosis de compromiso y toma de conciencia que le conocemos; y el público que sabe de su performance, lo acompañó llenando el predio callejero desde horas muy tempranas.

El músico agradeció la fidelidad de las barras llegadas desde distintos puntos de la región para ver un show que tuvo en la diversidad estilística uno de los factores trascendentales de un músico que desde el folklore ancestral traspasa las fronteras musicales sin que le exijan visa.

Raly en escena es un frontman introvertido y un showman naturalmente carismático casi sin proponérselo. Un paisano eléctrico que no parece fingir autenticidad y al que no cuesta creerle el discurso, por eso, cualquiera sea el estilo que transite deja conformes a todos. Desde un comienzo introspectivo, solo y con guitarra pone en marcha el show con algunos temas de su último disco editado a la fecha: Radio AM, una antología nostálgica de canciones que musicalizaron su infancia, y que en un deja vu lo llevan a tratar de imitar la forma en que cantaba su padre (“Aunque no lo logre”, dice) cuando evoca el Feliz cumpleaños mama; o tributa a Gardel y a Corsini con La pulpera de Santa Lucía.

Al toque se abre la pista para los bailarines de adelante. La “orquesta” queda en manos de Eduardo Ramírez, el Príncipe del Bandoneón, y el show se convierte en una autentica fiesta campesina animada por chacareras, gatos y chamamés instrumentales, y hasta el mismo Raly se zambulle al pogo a bailar con la gente. Luego vuelve a subir y se hace cargo de la percusión por un momento, en una noche perfecta y con todos los duendes encendidos.

No faltó el Raly comprometido, el militante, el viajero latinoamericanista, el que homenajea a personajes que lo marcaron profundamente como artista, como ser humano. Por ahí viene llegando el Che en la emblemática Hasta siempre; y Jacinto Piedra en la belleza de Cuando un pájaro canta; y el Sub Comandante Marcos en el convite festivo de Oye Marcos.

Y el Raly: que alterna, según se necesite, cuerdas de nylon y cuerdas de acero, o la Telecaster roja que se trenza en power trío con el bajo de Sebastián Sayes y la batería del notable César Elmo; y después pasa al cuatro venezolano, instrumento con el que recién se está conociendo.

Y la noche: que pasa por distintos estados de conciencia y de fiesta sin perder la coherencia ni el ánimo, sube la apuesta en Como danza la esperanza, Circo criollo, Chacarera del exilio y la Baguala del desengaño, donde se destaca la otra integrante del quinteto, Clara Presta, en piano, acordeón y voz.

Cerca del final Raly levanta bien alto su brazo derecho con la palma abierta como un símbolo, y se va, pero no lo dejan. Había prometido una noche larga -como Cerati- y cumplió. Regresa y al pasar por el piano amaga la intro de Los dinosaurios de Charly, y se cuelga de nuevo la criolla para una de las más pedidas, Zamba y acuarela, en plan de trovador romántico. La canción funciona como Muchacha ojos de papel de Spinetta, y a las bailarinas les empieza a faltar el aire. Y se marcha definitivamente con Somos nosotros, una categórica toma de posición del artista. Aunque tal vez sea Ey Paisano, esa que va en forma de rap, la que mejor lo represente a este santiagueño cósmico: “Pensé que de política no iba a hablar, pero ahora que recuerdo, política hacemos todos al caminar”.-

Raly Barrionuevo en La Falda: domingo 27/02/11, cierre de La Falda bajo las Estrellas, ciclo de espectáculos en el escenario callejero de Av. Edén y San Martín, con entrada libre y gratuita, organizado por la Municipalidad de la ciudad de La Falda en la temporada de verano 2011.-

Silvina Garré: canciones sin tiempo

2011-03-03T16:44:00.000-08:00

Silvina, de regreso (a La Falda)

La cantante, autora y compositora regresó a La Falda después de muchos años para realizar un recorrido por su extenso repertorio. Un repaso por todos sus discos, desde su debut solista hasta el flamante realizado con Litto Nebbia.

RECITALES DE VERANO

“La primera imagen que tengo si me dicen La Falda es el Festival de Rock en el año ’82”, dice Silvina Garré. Y es lógico que así sea, porque en el verano de ese año y en esta ciudad comenzó su carrera musical.

Tanto artista como cronista arribaron con notable puntualidad a la cita agendada para el día siguiente de su show faldense. Lo primero que hicimos fue ver las fotos que le había tomado durante su actuación, “Están muy lindas”, dijo, y fue un halago a mi evidente condición de reportero gráfico de ligas amateurs. Luego, algunas de esas fotos, tendrían como destino su casilla de correo electrónico.

Empezamos hablando de su paso por el legendario Festival de La Falda, en febrero de 1982, cuando ella era una de las voces en la banda de Baglietto. Y después la conversación nos trajo a la actualidad en la que, tras 28 años de carrera, asegura tener un estilo consolidado como autora y compositora, y estar acompañada por muy buenos músicos. “Con Diego Clemente (guitarra, quena, voz y dirección musical) empezamos hace mucho, en 1985, y nos reencontramos hace seis años más o menos. Juntos hicimos mis dos últimos discos: El deseo (2007) y Canciones sin tiempo (2008), y este año vamos a grabar otro”, me cuenta.

Después repasa: “Estuve dos años viviendo en Estados Unidos, a mi regreso retomé mis estudios de psicología, me recibí y empecé a trabajar como psicóloga. Luego de unos años me reencontré con Diego y me dijo: ‘¿Tenés canciones?’. ‘Sí’. ‘Bueno yo tengo una banda, vení a la sala’. Empezamos a ensayar y al mes y medio estábamos tocando”.

Silvina hoy sigue ejerciendo la psicología y continúa activamente con la música, grabando discos y haciendo presentaciones, ambas cosas: “Se combinan bien”, asegura, aunque nunca necesitó imperiosamente hacer cualquier cosa o lo que no sintiera, para no desaparecer. “No, la verdad que no lo he necesitado, y tiene que ver con una postura ética y estética de hacer la música que quiero. Siempre lo hice, desde mi primer disco tuve la bendición de cantar lo que quise, nunca tuve que grabar cosas que no me gustaran, o tocar con gente que no quisiera, eso es muy importante y es una elección también, esto no es suerte, porque pude haber hecho cosas que no quería y haber ganado más dinero, pero bueno, es la forma que tengo yo de hacer este trabajo que después se transformó en una profesión y en una carrera, pero inicialmente fue mi pasión y mi gran amor que es la música”.

La Garré, nuestra Joni Mitchell

Su presentación en el ciclo La Falda bajo las Estrellas, el domingo 23 de enero, fue un recorrido perfecto por todos sus discos, desde de su debut solista en 1983, hasta el que realizó en 2010, “Más que loca”, en donde interpreta la obra de Litto Nebbia. En este nuevo trabajo Silvina se propuso versionar el repertorio de un artista que ella admirara como músico, autor y compositor, pero también como persona, y que además pudiera producir el álbum. Esas condiciones las reunía el rosarino, que se sumó al proyecto para el cual Silvina tuvo que reescuchar toda la vasta discografía de Nebbia para seleccionar el material.

La lista del show faldense incluyó dos de esas canciones (Cuando yo me transforme de Nebbia/Ingaramo y Sólo se trata de vivir) y no fue una presentación formal del nuevo álbum porque de haber puesto más temas significaba sacar canciones que son hits, “Y cuando hace tantos años que no toco en un lugar, me gusta tocar los temas más conocidos”, explica.

Fue entonces una noche de clásicos, bellas canciones sin tiempo como son: Quien quiera oír que oiga, Tréboles de cuatro hojas, Otros pájaros, Canción del pinar (su primer hit, escrito por Jorge Fandermole), Casi una zamba, En blanco y negro Buenos Aires, Para hablar de mi amor, Reinas de pueblo grande, Se fuerza la máquina y Diablo y alcohol.

Silvina Garré y su banda (junto a Clemente: Marcelo Piloto en piano, acordeón y voz; Luciano Pallaro Battagliese en bajo y Nacho Piana en batería) lograron crear un clima íntimo, porque a pesar de tratarse un espacio público y al aire libre, la sensación era de estar en un teatro. “Yo trato de pensar que la gente está cerca y que el lugar es pequeño, y lograr que el cielo baje y que la calle se achique”, dice Silvina en relación a esta observación.

Le comento que al verla tocar la guitarra me hizo pensar que era nuestra Joni Mitchell. Silvina se sorprende y se ríe: “Ah, que halago, no, no tanto. Es un gran halago porque es mi artista favorita, eso es un piropo terrible”. Y agrega: “Joni Mitchell es mi maestra de canto sin que yo lo sepa. Yo aprendí a cantar, cantando sobre sus discos durante horas y horas todos los días, es mi artista favorita en serio, de todas las artistas que existen en el mundo -remarca-, yo la descubrí cuando era adolescente, tenía 14 años, y me dije: ‘si yo puedo cantar estas canciones, voy a aprender a cantar’. Todavía la sigo escuchando, y sus letras y ella como instrumentista y como compositora, me parecen un ejemplo desde todo punto de vista”.-

Fotos: N.P.

Cosquín Rock 2011: su lugar en el mundo

2011-02-14T07:48:00.000-08:00

García: un cierre interminable el sábado

Una multitud acompañó a Cosquín Rock en su exitoso aterrizaje en Santa María de Punilla. Los clásicos: Charly, Spinetta, Gieco, Skay y Virus; y la polémica inclusión de Calle 13, fueron los más destacados.

COBERTURA ESPECIAL

En sus primeros años de vida del Festival Cosquín Rock, desde su debut en 2001 en la tradicional plaza del folklore, nos daba la impresión que su crecimiento iba a ser sostenido y sin sobresaltos. Y así fue hasta que algunas imprevisiones organizativas convirtieron a la edición 2004 en la peor del ciclo, y dio pie a las autoridades municipales para rescindir unilateralmente el contrato con los organizadores, por entonces Perro Producciones.

Tras esto surgió la posibilidad, riesgosa en un principio, de mudarse a un nuevo predio en la Comuna de San Roque frente a lago homónimo, en un amplio terreno al pie de la montaña adquirido por José Palazzo y sus socios. Fueron seis intensos años de trabajo allí, con ediciones que estuvieron signadas tanto por los avatares propios de la actividad, como por los fenómenos climáticos (temporales de lluvia y de viento) que atentaron contra algunas de sus jornadas. Los vecinos en general vieron con buenos ojos al evento, salvo por uno de ellos, propietario de un inmueble colindante al predio, que les hizo la vida imposible, inclusive llevando el pleito a la justicia en innumerables instancias.

“Te cuento algo -me confiaba José Palazzo, off the record, en setiembre pasado- el Cosquín Rock 2011 se va a hacer en el Aeródromo de Santa María de Punilla”, el mismo lugar donde en el verano de 2009 La Renga había montado su Festival de la Huella Invisible.

A los problemas ocasionados por el vecino sanroqueño se sumaba la intención del productor cordobés de proveer a su ciclo de un formato similar al del Festival de Glastonbury en Inglaterra, que se caracteriza por ser un encuentro artístico multidisciplinario donde la música es sólo una de sus actividades.

Según Palazzo el lugar ideal era la campestre pista de aviones punillense, que además contaba con el visto bueno del intendente y con la convicción de los vecinos del lugar, y sumaba el aporte del Gobierno de la Provincia de Córdoba con un total de 500 plazas de hotel para uso de la producción, en una colonia de vacaciones en la misma locación.

Demasiadas cosas a favor produjeron una nueva mudanza del festival de rock más importante del país en la actualidad. Un festival que ya ha consolidado su nombre y su propuesta, pero que aún le falta ser reconocido por quienes no son adeptos a esta música, porque por más que el rock esté oficializado y es hoy un negocio brillante para unos pocos, todavía sigue siendo una mala palabra para muchos, tal vez por su genética contestataria.

Panorámica del predio (foto: Silvia Olmedo)

Bienvenidos a Santa María de Punilla decía el cartel vial, y todo hacía prever que iba a ser así, mientras desde el auto estéreo Ricardo Iorio -mi compañero de ruta en este fin de semana rockero- me recordaba aquello de que: “Si no hay amor nunca habrá sueños”.

Caminar, caminar y caminar. Menos mal que caminar es un muy buen ejercicio -pensaba- porque para llegar al aeródromo (y una vez adentro) hay que caminar bastante, a través de un largo mercado persa de choripanes, cervezas, remeras alusivas y bisutería hippie legítima. Y en la última curva otro buen augurio: “Tu lugar en el mundo es Santa María de Punilla, y vos ya está aquí”.

El día sábado 12 de febrero (segunda jornada) tenía una grilla expresamente clásica que presagiaba una enorme concurrencia -y así fue- con: Charly García, León Gieco, Spinetta, Skay Beilinson y Virus.

Hermano sol, hermano Moura

El viernes inicial se había servido como plato principal a los puertorriqueños de Calle 13, celebrados por muchos, pero también cuestionada su inclusión por los defensores del rock puro, si es que este adjetivo le cabe a un género que siempre se caracterizó por ser inclusivo y abierto a otros estilos.

Pero volvamos al sábado en el que Virus hizo un show corto y con invitados tan extravagantes como su música, y por un instante convirtió a la pista de pasto en una gran disco de los años 80’s con hits como “Pronta entrega”, “Wadu Wadu” y “Amor Descartable”, entre otros.

El cantante Marcelo Moura se despidió con un “Ahora viene el Flaco, mi norte, disfrutenló”. El reconocimiento refería a Luis Alberto Spinetta, un artista que a la producción le costó mucho convencer para que forme parte de la grilla.

El Flaco esfumado tras la banda

Spinetta armó una banda “para festival”: trajo bajista nuevo (Matías Mendez), sumo a un violero impresionante como Baltasar Comotto y añadió otro tecladista: el Mono Fontana a quien presentó como estrella invitada. Luego Verdinelli y Cardone, como siempre. Pero despues hizo un repertorio “antifestivalítico” con pasajes de volada inspiración jazzera (una versión extra large de “Ella bailó”, la suite “Canción de amor para Olga”, el viejo inédito “Luna nueva (Mundo arjo)” y “Cabecita calesita”) y excluyó los conocidos por la mayoría. Una lista sin concesiones con las que Luis puso al festival en su propia frecuencia, en la que él quiere. Por todo eso y por la calidad musical de la banda que lo acompañó, fue muy significativa la presencia del ex Almendra en Cosquín Rock 2011, porque demostró que el público no sólo celebra el estilo chabón sino que también da su aprobación a una música tan en las antípodas.

Mientras una avioneta sobrevolaba una y otra vez el extenso campo como un pájaro al que le usurparon el nido, el escenario nos mostraba a León Gieco junto a D-Mente, la banda de Andrés Giménez, haciendo los clásicos del santafecino en versiones ultra electrificadas.

Gieco se encargó de arengar al público, a músicos y periodistas para que defendamos a este festival, único en su género, hijo directo del Festival de Rock de La Falda, aseguró.

Gieco: frontal y polémico en conf. de prensa

“Diganlé a Skay que es mejor violero que Mark Knopfler”, desafió León durante la conferencia de prensa, mientras el ex Redondo en el escenario principal y definitivamente integrado a la grilla general, agitaba con su demoledor repertorio solista, más algunos bonus de Patricio Rey (excelentes versiones de “Todo un palo” y “Ji ji ji”).

El broche del sábado fue Charly García y su banda, que con un show de más de dos horas y sus temas de antología continuó retribuyéndole al festival por los papelones históricos que acostumbraba protagonizar años atrás, y esta vez pagó con intereses.

Bizarros y temáticos. Entre las múltiples actividades que la producción pretende introducir de aquí en adelante, hubo proyección de películas (“Pájaros volando” con Diego Capusotto), un mini festival de bandas heavys absolutamente ignotas y la Bizarren Party hasta altas horas de la madrugada (animada por ¡Pocho La Pantera y Machito Ponce!) donde funcionaba un patio bar. Todo esto ocurrió en los mismísimos hangares del aeródromo, que fueron adaptados para estos fines.

El escenario temático es un clásico que le pelea convocatoria y nivel de calidad a su hermano mayor, el escenario principal. Como ya es costumbre por allí pasaron las tribus punks (el viernes), los fanáticos del reggae (el sábado) y los metaleros (el domingo).

El tercer escenario (bautizado Julio Anastasia en homenaje al músico fallecido en 2010) el más chico en dimensiones, este año fue cedido por la organización a una especie de cooperativa de bandas cordobesas, pero en esta oportunidad no contó con el presupuesto de años anteriores, y lo más lamentable, la convocatoria fue casi insignificante. Fue una propuesta interesante que habrá que mejorar para próximos años. No obstante hubo muy buenas performances, entre lo que pudimos ver, de los cordobeses Juan Terrenal y de los rosarinos Sikarios, ambos presentando sus nuevos trabajos discográficos.

Cosquín Rock 2011 concluyó el domingo 13 con un seleccionado de bandas que ya son habituales en su cartelera: Eruca Sativa, Gardelitos, Kapanga, los uruguayos No Te Va Gustar, Las Pastillas del Abuelo y el ex Piojo Ciro al comando de su flamante proyecto solista

Logo de Rocambole

Así se terminó de redondear una de las más exitosas ediciones que registra el ciclo (que suma 11 años, ya), convocando durante las tres jornadas a más 85.000 espectadores, quienes agotaron las provisiones de las barras gastronómicas y disfrutaron plenamente de todas las actividades propuestas.

Cosquín Rock, con aciertos y errores, ya está instalado definitivamente más allá de cuál sea su eventual domicilio. Un festival que fue echado de la ciudad de Cosquín (¿se habrán arrepentido?); que no fue suficientemente cuidado en la Comuna de San Roque; y que este verano parece haber encontrado en Santa María de Punilla su lugar en el mundo.-

vista del escenario principal

Fotos: N.P.

"Cosquín Rock desde adentro", la película de un festival único

2011-02-01T17:53:00.001-08:00

Ficha Técnica: “Cosquín Rock, desde Adentro”
Género: Documental
Duración: 40'
Formato de Registro: HDV
Produción General: Chisperos del Sur, En Vivo Producciones y Methodos Audiovisuales.
Idea Original: Joaquín Flores
Dirección: Gonzalo Santiso y Maximiliano Laina
Jefe de Producción: Ana Orellano
Producción Logística: Joaquín Flores
Asistente de Producción: Hebe Sosa
Cámara: Leonardo Gallone – Ariel Peña – Gonzalo Santiso – Maximiliano Laina
Sonido de Rodaje: Lucas Franchin
Asistente de Cámara: Agustín Laina
Montaje: Alexis Pellegrino – Gonzalo Santiso
Post-Producción de Sonido: Chelo Paez, Juan Manuel Ruiz – Cinestesia Sonido
Post Producción de Color: Nicolas Ghio
Desgrabación: Josefina Llobet – Mariano Rointerburd – Mariana Vidal - Sofia Magliglia – Matias Mirassou – Arnaldo Diaz – Mariana Duran
Guión: Gonzalo Santiso
Agradecimientos: Equipo de Producción: “Cosquín Rock” – Paul Guzmán – Bestiario Producción y Comunicación – Movil “El Doce”

Inventando la bomba de rayos pacíficos

2011-01-17T07:49:00.000-08:00

"Yo vivo en esta ciudad", 40 años después

Miguel Cantilo y Jorge Durietz volvieron a reencarnar al célebre dúo Pedro y Pablo. Con banda completa recrearon los temas de “Yo vivo en esta ciudad”, su álbum debut de 1970.

RECITALES DE VERANO

Cualquier artista con historia que pertenezca al Rock Argentino y que llega hoy a La Falda, seguro que ya pisó este suelo por haber participado en el Festival de Rock que dominó la década del 80. Porque por aquel legendario encuentro pasaron todos -con muy pocas excepciones- los músicos que fichan en este género, muchos de ellos inclusive se consagraron aquí, o fueron revelación.

El dúo Pedro y Pablo no es la excepción, ya que tuvieron su momento de gran protagonismo en aquellas veladas que se realizaban en el entonces Anfiteatro Municipal, que desde entonces no logró igualar páginas tan gloriosas.

Miguel Cantilo (Pedro) recuerda al detalle momentos de sus actuaciones faldenses, con una memoria que asombra por su precisión y minuciosidad. Jorge Durietz (Pablo) a su lado durante la entrevista que mantuvimos en el backstage durante la prueba de sonido previa al show, se asombra tanto como yo, del relato de su compañero de rubro.

Así fue que una vez más Pedro y Pablo llegaron a La Falda portando toda su facha de hippies veteranos que en más de 40 años de trayectoria nunca renunciaron a sus convicciones e ideales.

El recital que presentaron este verano tiene un formato y un concepto especial, recrear en forma casi completa el primer disco larga duración del dúo, fechado en 1970 y que fuera reeditado con temas adicionales en el 2009.

Ese trabajo se llama Yo vivo en esta ciudad, y contiene muchos de los hits del binomio, aunque también hay algunos que no pasaron a ese status, y que fue una suerte poder escucharlos en vivo, un placer que le debemos a Cantilo y Durietz por no tentarse a hacer una lista que tenga sólo los temas más conocidos por la mayoría de la gente.

La poesía, si cabe el término, o la forma de escribir de Miguel Cantilo, creó un estilo propio que se manifestó desde sus tempranos años. Para muestra está el repertorio de este álbum, que abarca toda la cosmovisión del valiente autor que no deja tema sin tratar, y sin pelos en la lengua, y descerraja frases de una lucidez absoluta, tales como: "Donde no hay sol, sino un confort que nace al norte y se pone al sur", ó "Y dónde estás tú famoso gurú, ahora que se fueron y apagaron la luz", son muestras cabales.

Una “big band” con un promedio de edad muy bajo los apoya para recrear el disco en la forma en que originalmente fue concebido, y aparecen en escena una sección de vientos a cargo Martín Rur en el saxo y Miguel Hornes en trompeta. El resto es banda básica pero con una particularidad, la misma alista la nueva generación de Cantilo’s, a saber: Anael Cantilo en bajo y Sufián Cantilo en teclados, y completando Rodrigo Genni en batería. Con look flower power psicodélico, de sombreritos y gafas negras, Miguel se hace cargo de las voces, guitarra acústica y armónica, mientras que Jorge de la otra voz y la guitarra eléctrica, consumando un combo poco común, por lo recargado, en tiempos en que los artistas reducen su propuesta en un sentido minimalista economicista.

Prueba de sonido (Jorge Durietz / Miguel y Anael / Miguel Cantilo)

Yo vivo en esta ciudad da cuenta de las problemáticas que siempre desvelaron a Cantilo: los cuestionamientos existenciales de su generación (“La quimera del confort”, “Vivimos, paremos”, “Guarda con la rutina”), el hombre y su entorno (“Donde va la gente cuando llueve”, “Yo vivo en una ciudad”, “Che ciruja”), la protesta antisistema (“Los perros homicidas” y ese hit cambalache del rock que es “Marcha de la bronca”), los desgarradores alegatos antibélicos (“En este mismo instante”) y por supuesto el amor de pareja (“Catalina bahía”, “Con ropa de varón”). Pero también la crítica mordaz y corrosiva, tan cantileana, en sátiras como “Johnny Bigote” y “Asociación Modelos Argentinas”.

El concierto que presentaron estos singulares personajes de nuestra afortunadamente vasta Música Popular Argentina, fue un lujo inesperado entre tanto fulgor pasatista que se pretende instalar mediáticamente en las noches de desenchufe estival.-

fecha: 16-01-11 / predio: Av. Edén y San Martín (espacio público) / entrada libre y gratuita

fotos: N.P.

Nito Mestre: la calma por la tempestad

2011-01-10T19:54:00.000-08:00

Mestre y los clásicos de Sui Generis cortaron la tormenta

El ex Sui Generis rindió tributo al célebre dúo que en los 70’s integró junto a Charly García. Fue un intenso repaso por los grandes clásicos, con el agregado de temas de su carrera solista, en una mini gira serrana por La Falda y El Pungo en La Cumbre.

RECITALES

El día anterior al show, en una larga charla y mientras tomábamos un café, Nito recordaba perfectamente, entre sus múltiples visitas a La Falda, la que realizó en el verano de 1989 para tocar en El Cantautor, ciclo producido por el BB Muñoz en el desaparecido Cine Teatro Rex. Una anécdota personal hizo de aquella vez algo especial: “Lo recuerdo muy bien porque me estaba empezando a conocer con la que hoy es mi mujer, ella voló desde Pinamar a La Falda para verme cantar por primera vez”, me confiaba. Al mismo tiempo remarcaba que su espectáculo actual es un recorrido por toda su carrera incluyendo sus últimas producciones, tocadas en formato de trío junto a Eduardo Salgueiro en guitarra y voz adicional y el tecladista Marcelo Piloto (músico de Silvina Garré), además de Nito en voz, guitarra y flauta traversa.

Desafiando los pronósticos climáticos la noche del show se veía amenazada por una lluvia que no terminaba de decidirse. En consecuencia el recital se largó un rato antes de lo previsto, ante una escasa concurrencia que se fue incrementando hasta llenar completamente el predio a medida que avanzaba el recital y que la tormenta levantaba el pulgar.

Así Mestre empezó a desentrañar un listado de clásicos-clásicos, con una notable abundancia de temas archiconocidos del catálogo Sui Generis. Abrió con Aprendizaje y como si hiciera falta anunció su título, “Por si en la platea hay algún turista sueco”, bromeó, mostrando un excelente humor y un estado de relax que ni la posible suspensión del show pudo alterar.

Tal lo prometido, hubo un repaso por varias épocas: Distinto tiempo y Hoy tiré viejas hojas, de 20/10, de su debut solista del cual se cumplieron 30 años.

De lo más nuevo incluyó Flores en el mar (dedicado a su madre) y My dear (a su mujer), pertenecientes al e. p. Flores en Nashville de 2009.

Repasó canciones menos conocidas, como La verdad (del álbum Colores puros, 1999) y El fin del mundo (de Mestre, 2005), pero que igual están a la altura de los grandes éxitos, aunque quedaba claro qué era lo que había ido a buscar la gente: los temas de Sui Generis, y Nito no los hizo esperar. Porque a partir de la separación de bienes, así como Charly García electrificó su sonido para siempre, desde Instituciones (1974) en adelante; Nito se hizo legítimo acreedor del legado acústico del célebre dúo, y especialmente de las canciones contenidas en sus dos primeros álbumes: Vida (1972) y Confesiones de invierno (1973).

Con su enorme guitarrón electroacústico, que inunda el escenario con cada acorde, Nito guiaba al trío que interpretaba a la perfección: Canción para mi muerte, Necesito, Cuando ya me empiece a quedar solo y Confesiones de invierno, ante el calmado delirio del público. Recordó el primer tema que con Charly llevaban a las grabadoras (Cuando comenzamos a nacer) cuyo título original era Vida, de ahí el nombre del primer LP. Luego recreaba con humor el dramatismo de Mariel y el Capitán y la frescura breve de Estación.

Fue breve el repaso por los repertorios de Los Desconocidos de Siempre (su banda pos Sui), con el Fabricante de Mentiras; y de PorSuiGieco, aquel “dream team setentista”, del que se escuchó El Fantasma de Canterville, canción por entonces prohibida.

Pero una platea en estado de emoción permanente celebraba el tributo a Sui Generis, con versiones renovadas y otras que respetaban los arreglos originales, hasta que llegó el golpe de gracia con los bises: Mr. Jones (en versión gospel), Bienvenidos al tren y Rasguña las piedras, que redondearon un recorrido perfecto por buena parte de la música más representativa de los años 70’s. Un puñado de canciones que, está claro, se ganaron merecidamente un lugar de privilegio en la antología perpetua de la Música Popular Argentina.-

fecha: 09-01-11 / predio: Av. Edén y San Martín (espacio público) / entrada libre y gratuita

foto: Carlos Alberto Romero

Good time Charlie con Carlos Carranza y la 9Sur

2011-01-02T16:25:00.000-08:00

Carranza y su strato roja: "Más percusiva que la Les Paul", dice

RECITALES

El 1 de enero de 2011 fue sábado, aunque no lo parecía. Tampoco parecía viernes, ni domingo. La sensación era algo extraña, tal vez porque es el primer día del año y uno está fuera de tiempo y de lugar. En la calle, en la avenida recientemente reinaugurada, abunda la gente que va y viene. Adentro del bar, Carlos Carranza y la 9Sur descargan su arsenal de versiones de clásicos de blues, rock & roll, country, rockabilly y boogie-boogie, en todas sus variantes. También habrá algunos temas de su propia cosecha, como "T-Bone stuff" (un blues lento de la época de La Vagabunda) y el instrumental "Crazy Bird Boogie" (“Boogie del Pájaro Loco”) una demostración de habilidades en un contrapunto entre la guitarra y la armónica .

A Carranza lo acompaña La 9Sur, que alista a: Claudio Grimau en batería, Cristian Grimau en segunda guitarra, Darío Luna en bajo y Franco Di Martino en armónicas.

“La banda está en armonía, la 9Sur está a tierra, manteniendo el ritmo, y Franco y yo somos los solistas, y funciona ok así. Siento que es una banda, todos dependemos del otro para un buen resultado”, nos decía Carlos en una entrevista que le realizamos para este blog en octubre de 2010.

Músico y cronista, after show

El final vendría, como es habitual, con un par de versiones más: "Funky Mama", original del guitarrista estadounidense Danny Gatton, pero popularizado en nuestro país como cortina de CQC, el programa de Mario Pergolini; y "Johnny B. Goode" de Chuck Berry, un clásico de todos los tiempos. Un cierre a toda máquina para el show que abrió, para nosotros al menos, las serie de espectáculos veraniegos 2011.-

Fotos: Silvia Olmedo / Néstor Pousa

Un documental sobre el Heavy Metal, hecho en Córdoba

2011-01-01T15:59:00.000-08:00

El documental que Juan Astrain realizó sobre el Heavy Metal se proyectará el viernes 14 de enero en el Cine Rivadavia de Unquillo, desde las 22 hs. Antes del docu habrá show en vivo con Averno (Unquillo), y al finalizar la función, Hammer. Entrada: $ 10
Mirá la sinopsis y el trailer del documental.

Sinopsis: “HEAVY mental METAL pensado” es un viaje por la historia del movimiento pesado del rock con testimonios e imágenes inéditas de sus protagonistas. Sus orígenes, la expresión Argentina y su anclaje en Córdoba, transitando por la reflexión de los valores del heavy desde sus actores involucrados, acompañado por el seguimiento vivencial del autor.

Título: “HEAVY mental METAL pensado”

Dirección: Juan Astrain

Formato: documental

Origen: Córdoba - Argentina

Año: 2010

Duración: 53’

Calificación: ATP

María José Cantilo gira por Córdoba

2010-12-25T14:35:00.000-08:00

M.J. Cantilo: aventurera del rock

RECITALES

María José Cantilo, cantante, guitarrista y compositora, y figura emblemática del folk-rock local, nos avisa que va a estar girando por Córdoba durante el mes de enero 2011.

"El repertorio que estoy haciendo contiene temas de rock nacional, de mi autoría y de otros autores. Clásicos de Pedro y Pablo, Charly, Fito, León y Spinetta. Y después lo que pidan, una suerte de delivery!!! hasta Beatles si te descuidas", nos aclara.

Y adelanta las fechas:

viernes 7/1 en Loto de San Marcos Sierra

domingo 9/1 en Tiziano de Capilla del Monte

jueves 13/1 en EL PUNGO de La Cumbre

viernes 14/1 en Loto de San Marcos Sierra

domingo 16/1 en Tiziano de Capilla del Monte

STP en Córdoba: ¿Grunge? no, gracias

2010-12-06T19:55:00.000-08:00

Weiland & DeLeo, la dupla de STP

Con un show de alto voltaje rockero, la banda californiana se sumó a Metallica y Yes, y cerró un año importante de visitas internacionales en la capital cordobesa. Mirá el clip de "Between de lines".

RECITALES

La visita de los Stone Temple Pilots refrendó al 2010 como un año muy importante en lo que se refiere a conciertos de artistas internacionales en la capital cordobesa. Algo que se había insinuado en enero pasado con la llegada un tanto azarosa del monstruo Metallica, que con el cartel de Sold out colgado, había dejado las expectativas abiertas para que los productores locales se animaran a repetir la odisea de traer más números de rock foráneo.

Hubo muchos rumores de posibles arribos que no se concretaron, a cambio de una abundante y prestigiosa cartelera de números nacionales. Y sobre el fin de año, con los shows de Yes y Stone Temple Pilots, se pudo equilibrar el rojo que mostraba la columna del debe.

Muy distinto fue lo de STP (la abreviatura del nombre a sigla es impulsada por los propios músicos) a sus antecesores en la grilla 2010. Todos tocaron en el Orfeo Superdomo pero las convocatorias fueron distintas. Algo caracterizó a Metallica y Yes, y fue la impaciente expectativa de sus fans; en cambio con el cuarteto californiano la ansiedad se manejó de otra manera, y la previa del show fue mucho más relajada. Casi como si se tratara de un show regular en una arena en sus propios pagos, y la platea fuera un encuentro de amigos de toda la vida que van a escuchar un buen show de rock and roll y nada más, ninguna otra valoración épica al asunto.

Es que los STP hoy no están en lo alto de la ola como Metallica, ni ostentan los pergaminos de los capos progresivos ingleses. Su lugar en este ranking virtual oscila entre una banda acreditada y con un muy buen número de fans a nivel mundial, y una banda de culto de la cual se sabe tanto, como se desconoce.

Así arrancó el show, con una puesta que presumía de un enorme telón de fondo que se desplegó sorpresivamente a modo de escenografía. No hubo un escenario especial como se había insinuado, todo bastante austero.

Una intro instrumental lanzada desde la consola dio la bienvenida a los músicos, y cuando el batero, el platinado Eric Kretz, marcó cuatro, explotó el rock and roll con Crakerman, perteneciente Core, su disco debut de 1992, una de las placas más visitadas del repertorio junto con su sucesora, Purple de 1994.

Scott Weiland, el cantante, megáfono en mano se trepó a una especie de tarima al borde del escenario en una actitud que parecía más amenazante que su sobrio vestuario y sus modales. Mucho es lo que se ha dicho y escrito sobre él y sus excesos, además de acreditar en su curriculum el haber reemplazado nada menos que a Axl Rose en el proyecto que los ex compañeros de este en Guns & Roses bautizaron Velvet Revolver.

Completando STP están los hermanos DeLeo, en este orden: Dean, un hábil guitarrista que sobrelleva el peso musical de la banda, y Robert, el bajista, un grandulón de sombrerito, tan movedizo como el propio Weiland.

¿Grunge? no, gracias, parecieron sentenciar en la evaluación final del show, porque la pertenencia de STP a este estilo musical sólo se puede entender por ser coetáneos de bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, entre otras, pero quedó claro que lo que exponen en el escenario es mucho más duro, más potente, de alto voltaje, llegando incluso a momentos heavies y, sobre todo, con un estilo propio.

Venían a presentar su reciente trabajo, el homónimo Stone Temple Pilots (2010), un muy buen disco producido tras la reunión de la banda que estuvo disuelta entre 2003 y 2008. Sin embargo de lo nuevo nada más se escucharon cuatro temas: Between the lines, anunciado en inglés por Weiland como “the first single”, seguido de Hickory Dichotomy; Cinnamon, un tema extraño en el contexto del material, por lo simple de su melodía; y Huckleberry Crumble.

El resto fue un repaso por su historia –seis discos en total– poniendo énfasis en los hits: Plush, el más festejado por la platea y donde se asemejan un poco a Pearl Jam. Interstate love song, otro número muy esperado y Stills Remains, estos dos últimos incluidos en Purple. Mención para Big Empty (de la banda de sonido de la película “El Cuervo”), uno de los más logrados, donde brillaron los distintos recursos guitarrísticos de Dean DeLeo, y la versión de Dancing days de Led Zeppelin (el original pertenece al álbum Houses of the Holy, de 1973) una banda a la que STP parece adeudarle más que a los mismísimos Nirvana.-
Sala: Orfeo Superdomo / fecha: 05/12/10 / 3.000 personas

Festival a Beneficio: Todos por Maxi

2010-12-05T12:49:00.000-08:00

Apocrypha: “El comienzo de un nuevo camino”

2010-12-03T18:47:00.000-08:00

Badaluzzi-Canales-Giribaldi-Oliva

Muchos son los motivos para hacer esta nota sobre Apocrypha: la reedición de su primer disco, su cumpleaños número 14 y la obtención del certamen Rock de la Argentina 2010. Mirá el clip de "Salvaje convicción".

ENTREVISTA A JAVIER OLIVA

La entrevista con Javier Oliva para hablar sobre Apocrypha -banda nacida y radicada en Villa Giardino y autodefinida de Metal Pesado- la había pensado hacer algunos meses atrás. El motivo era la reedición de Cabezas de metal, su álbum debut, un disco muy importante para ellos, pero hecho con escasos recursos y en forma “casera”; originalmente grabado en cinta y que ahora fue remezclado digitalmente.

Pero la nota se demoró, y entonces se sumaron nuevos motivos: el festejo por el cumpleaños número 14, todo un record de permanencia para una banda afincada en una comarca tan alejada de las grandes ligas; y la obtención del certamen Rock de la Argentina 2010, una exitosa convocatoria que durante cuatro meses reunió a 3500 bandas participantes. La nota ya no podía esperar más.

La definición del concurso la vimos al instante a través de internet, la noche del lunes 15 de noviembre, y en el momento en que el presentador rockstar Bebe Contepomi pronunció el nombre de Apocrypha, lo gritamos como un gol. Algunas horas después las imágenes eran retransmitidas a todo el país por la señal de TN (Todo Noticias), organizadores del evento a través de www.tn.com.ar y el programa “La Viola”. La anécdota: en el epígrafe ponían ‘Apócrifa’ como suena, en lugar del nombre correcto, con ‘ye’ y ‘ph’.

Javier Esteban Oliva, también conocido como Notob, quien ostenta la membrecía fundadora de Apocrypha, resume los detalles de la hazaña: “Fue algo muy loco e increíble, porque desde que nos inscribimos -casi sin querer- lo hicimos para publicitar la banda, por la posibilidad de que los videos participantes fueran rotando en ‘La Viola’, y de hecho ‘Salvaje Convicción’ rotó un par de veces, pero nunca pensamos siquiera en estar entre los semifinalistas. Cuando me llamaron para decirme que estábamos entre las 10 elegidas, no lo podía creer. Nuestro objetivo era ir a tocar a La Trastienda. Eso nos tenía sin dormir, era sólo un tema y sin prueba de sonido, y la oportunidad de mostrar masivamente lo que hacemos. Quedamos en la ronda final, tocamos ‘Cabezas de Metal’ como segundo tema, descuidando totalmente los detalles, a pesar de que aún estábamos en concurso, porque ya habíamos logrado nuestro objetivo. Sinceramente nunca se nos cruzó que semejantes músicos que integraban el jurado nos nombraran como la ganadora de Rock de la Argentina 2010, entre tantos participantes de semejante nivel”. Y completa con una anécdota: “Antes de que se cortara la votación estábamos en el octavo puesto, pero parece que una de las bandas hizo alguna trampa digital, así que suponemos que por eso los organizadores tomaron la decisión de mandar a las 10 bandas a la final”.

Catorce años atrás. Apocrypha nace cuando promediaba una de las décadas política, económica y culturalmente más infames de nuestro país, tal vez eso forjó su carácter y su destino de resistencia que los llevó a perdurar tantos años. Intentando resumir su biografía, Javier cuenta: “La banda se empezó a gestar en el ‘95 con el ‘Colo’ Horacio Badaluzzi y yo. Al poco tiempo encontramos al baterista, Omar Fernández, así debutamos en septiembre del ‘96. En el ‘99 grabamos el primer demo, y en 2001 un segundo demo con otra formación, habíamos incorporado otro guitarrista y cantante que había cambiado mucho el rumbo de la banda. Luego volvimos a ser tres, y en el 2002 sale el primer disco, ‘Cabezas de Metal’, que logramos introducirlo en muchas radios under y revistas especializadas obteniendo muy buenos comentarios y resultados. A fines del 2004 Omar decide alejarse de la banda, lo que fue un golpe muy duro, afortunadamente andaba dando vueltas Pablo Canales, 'El Chileno', aunque es Neuquino; y en un sólo ensayo nos dimos cuenta que él era quien estábamos buscando. En el 2008 hicimos un nuevo disco, ‘Convicción Salvaje’, que decidimos ponerlo gratis de la Web y se descargó desde muchos países. A principios del 2009 con Gabriel de Zona Bit, hicimos el video clip de ‘Salvaje Convicción’, que fue el que nos llevó al concurso. A Mediados de 2009 incluimos en segunda guitarra a ‘Tiru’ Pablo Giribaldi”. (Nota: ambos discos se pueden descargar gratis desde la página: www.apocrypha.com.ar).

Javier ahora se ilusiona con la idea de grabar para un sello importante, recompensa que recibirán por ganar el certamen: “Ojalá que esto sea el comienzo de un nuevo camino. En los planes estaba hacer un nuevo disco, y siempre recibimos invitaciones para tocar en otras provincias y otros países, pero no podemos costearlas por ser una banda que genera ‘cero peso’ y que, más aún, siempre hay que ‘poner y poner’. Espero que después de esto sean más fáciles de concretar, y podamos salir a mostrar la banda, tocar en festivales multitudinarios y hacer lo que amamos, que es el Metal Pesado”.-

Yes: viaje a la década progresiva

2010-11-24T10:57:00.000-08:00

David y Howe (foto: lavoz.com.ar)

La célebre banda inglesa, verdaderos íconos del rock progresivo, pasó por Córdoba con mayoría de integrantes originales y un par de recambios necesarios. La capital cordobesa refrendó un gran año de visitas internacionales que se cerrará con los Stone Temple Pilots el domingo 5 de diciembre en Orfeo Superdomo.

RECITALES

Ingresar al Orfeo en el mismo instante en que se apagaban las luces y la silbatinas de aprobación daban la bienvenida a la banda, no permitió al cronista hacer un barrido in situ de las caras de los numerosos fans, que se presumían en una mezcla de satisfacción y ansiedad por la espera.

Allá, enfrente, estaba la banda que como se dijo fue precursora del Rock Progresivo y emblema del estilo sinfónico, venerado con unción por varias generaciones de seguidores alrededor del mundo.

Eran tiempos que en Argentina la pregunta de rigor era: ¿te gusta la música progresiva? Y en el rótulo metíamos cómodamente a casi todas las bandas inglesas, estadounidenses y de nuestro, por entonces, incipiente rock en castellano. Esa etiqueta mutó sucesivamente a Música Contemporánea, Rock Nacional, otras. Y desde entonces “lo progresivo” ya fue más específico, y hoy mencionamos a Yes como los verdaderos cultores de esa corriente.

Casi todas bandas longevas -en el rock poco más de cuarenta años te convierte en tal- han experimentado, por distintos motivos, cambios en su formación. Yes no fue la excepción.

La versión que pudimos ver en su primera visita a Córdoba incluye dos nuevas piezas que ensamblan a la perfección en su mecanismo de relojería. Pero para dejar las cosas claras, o por corrección británica, el único miembro fundador que aún queda, Chris Squire, se encargó de presentarlos apenas comenzado el show. Los nuevos fichajes son: Oliver Wakeman, el mismísimo hijo del célebre Rick, en teclados; y Benoit David, un canadiense que reemplaza en la voz líder a Jon Anderson, para muchos insustituible.

Benoit (Benuá, parece ser la pronunciación más correcta) es alguien que supone haberse sacado la lotería. Era miembro de una banda tributo a Yes y fue, gracias a sus condiciones y a su registro vocal, seleccionado para reemplazar a Jon. Nada más y nada menos. Y en su paso por la capital cordobesa quedó claro que no lo hace nada mal, y que conoce a la perfección: el repertorio, los movimientos en escena y los tics que hay que cuidar para no desentonar.

De los miembros históricos quedan, el mencionado Squire, un bajista de gran porte que aporrea las cuerdas duramente pero con gran precisión.

Alan White, por el look no lo parece, pero es un baterista tremendamente eficaz, que toca con gran potencia sin que se le mueva un solo pelo cano.

Y dejé para final a Steve Howe, un guitarrista sorprendente, un tipo que abajo del escenario se muestra huraño, y con gesto malhumorado, que no deja que le den la mano o lo filmen, pero una vez en escena devuelve con creces. No apela a la economía de recursos, todo lo contrario, tira sobre la alfombra todo lo que tiene para dar, y convierte el set en algo sencillamente asombroso. Cuando Howe, Squire & White quedan sonando en trío, se insinúa una veta visceralmente power, pero es un amago nada más, enseguida vuelven a levantar su vuelo interestelar alucinante.

El repertorio de la gira, conocida como “In the Present Tour”, es lo más dorado y clásico de la etapa 1971-1980. Un set list de tan sólo diez temas, pero de diez minutos de promedio cada uno, en donde cada final es como el desenlace de una película épica celebrada con una ovación propia de un circo romano en estado de ebullición.

Abrieron con la enigmática Siberian Khatru (1972, álbum Close to the edge) y cerraron con un único bis, Starship Trooper (1971, del memorable Yes Album).

Hubo momentos de ensimismamiento en los veter-fans, durante los cuales en el recinto no volaba una mosca; pero también hubo tiempo para liberar la emoción, y eso pasó con I’ve seen all good people, que ni bien empezó la intro a capella se elevaron brazos al cielo; y mucho más con And You and I, donde ya fue imposible no saltar de la butaca.

La lista tuvo una continuidad muy coherente en cuanto a la elección de las canciones, incluso el solo de guitarra electroacústica de Howe (el combo de Mood for a day e Intersección blues) fue de lo más celebrado. Tras esto, el guitarrista recordó su anterior visita a Córdoba en plan solista (año 1994) y llamó a la banda para Owner of a lonely heart, el mega hit de los 80’s con el que –todavía con Anderson, pero sin Howe– se ganaron legítimamente una nueva legión de admiradores. La versión sonó brillante, pero algo descontextualizada, y tal vez por eso no recibió una ovación desmesurada.

Los otros nueve movimientos son músicas que por más que hayan coleccionado años, no suenan viejas, sino todo lo contrario, se potenciaron con el tiempo y atravesaron de forma impecable las últimas cuatro décadas.

Y una consideración final: si verdaderamente decís que te gusta el rock, no te quedes sin ver al cascarrabias de Steve Howe tocar su guitarra en vivo.-
Sala: Orfeo Superdomo / fecha: 23/11/12 / 3.000 personas

PolCastillo presenta su disco debut

2010-11-24T08:49:00.000-08:00

Yes en el presente y por Córdoba

2010-11-16T11:02:00.000-08:00

Yes gira por Córdoba

La banda inglesa más emblemática del rock sinfónico y progresivo se presenta en la ciudad de Córdoba como parte de su Gira Sudamericana. Será el martes 23 de noviembre en el Orfeo Superdomo.

CARTELERA

Con la visita del ex Beatle Paul Mc Cartney la semana pasada, y sus dos conciertos multitudinarios en el Estadio de River Plate; y el inminente arribo de la banda Yes, podría decirse que nuestro país está siendo tocado por la varita mágica de las leyendas vivientes del rock mundial.

En el caso de Yes, la banda de rock progresivo y sinfónico más emblemática de todos los tiempos, tiene diseñado un tour latinoamericano que entre sus fechas locales incluirá nada menos que a Córdoba capital.

"Nueva Tribu", la empresa organizadora de la escala cordobesa, informó a través de sus responsables de prensa que: “Como parte de su gira ‘In the Present World Tour 2010’, Yes hará un recorrido por sus grandes clásicos el próximo martes 23 de noviembre en Orfeo Superdomo.

Formada en 1968, Yes es una de las bandas pioneras del rock progresivo. Con un estilo propio, la obra musical de Yes se caracteriza por sus recargadas armonías y por contar con elementos del jazz y de la música clásica. Asimismo, la habilidad de sus integrantes, su sonido complejo y sus letras místicas, hacen que sea considerada por muchos como la banda de rock sinfónico por excelencia.

La banda que marcó la historia con clásicos como: Fragile (1971), Close to the Edge (1972), Tales from Topographic Oceans (1973), Tormato (1978), entre otros, se presentará en Córdoba haciendo un repaso de sus grandes éxitos”.

Desde sus inicios, hace ya un poco más de cuatro décadas, Yes ha tenido innumerables cambios en su formación. Alista en la actualidad a Chris Squire en bajo, el único miembro fundador que se mantuvo en la banda hasta nuestros días; y a los históricos Steve Howe en guitarra y Alan White en batería y percusión. Entre las más modernas incorporaciones está Oliver Wakeman (hijo del legendario Rick Wakeman) en teclados, y el canadiense Benoit David, nueva voz del quinteto y quien reemplaza nada menos que a Jon Anderson.

Precisamente David era integrante de una banda tributo a Yes, y como tal, luce una voz a la altura de las circunstancias y conoce a la perfección todo el repertorio de la mítica agrupación inglesa. Lo más curioso de esta parte de la historia es que fue incorporado luego de haber sido descubierto a través de un video en YouTube.-

Valor de los tickets

Sector PISTA: $300 - $ 230 - $200

Sector ROJO: $ 250 - $ 200 - $ 130 - $ 80

Lugares de venta

Tiendas Vesta – Dinosaurio Mall (Alto Verde / Ruta 20 / Dino Express San Vicente)

ó ingresando a: http://www.orfeosuperdomo.com/

Mirá todas las fechas de la gira “Yes In the Present World Tour” por Sud América 2010 en:

http://www.yesworld.com/ywtour.html

El momento en que ya no estás presente

2010-11-07T11:23:00.000-08:00

Rubén Basoalto: baterista pionero

Rubén Basoalto, baterista fundador de Vox Dei, murió el pasado 3 de noviembre. Su sola mención nos remite a esa elite de músicos pioneros del Rock Argentino. Con Vox Dei grabó “La Biblia”, la obra magna del género.

Son demasiados los que se están yendo, y demasiado seguido. A un golpe le sigue otro, sin solución de continuidad, casi. Esta vez la mala noticia dio cuenta de Rubén Basoalto, uno de los bateristas emblemáticos de la historia del Rock Argentino, por haber sido miembro fundador de Vox Dei, banda en la que permaneció marcando el ritmo hasta nuestros días.

Rubén se fue –detesto la frase “dejó de existir”– el miércoles 3 de noviembre pasado, víctima de una cruenta enfermedad. Y con él se va uno de los músicos pioneros del género, integrante original de Vox Dei, los creadores de La Biblia según Vox Dei, obra magna del Rock en Castellano. Esto sucedía en 1971, y la banda alistaba a Willy Quiroga en bajo y voz, Ricardo Soulé guitarra y voz (actualmente distanciado de sus ex compañeros) y Juan Carlos Godoy en guitarra y voz, quien abandonó el proyecto en sus lejanos inicios, convirtiendo al cuarteto en trío, tal cual lo conocimos y se hizo célebre para el resto de su existencia.

Rubén Basoalto marcó el sonido crudo de Vox Dei, era un baterista que se caracterizaba por su energía para tocar, y mantenía ese estilo visceral y ancestral del rock de los años 70’s.

Aún siendo un veterano de mil batallas, tocaba de una forma desmedida, inusual, como queriendo demostrar que el fuego del rock and roll aún corría por sus venas. Así, cada presentación de la banda eran verdaderas maratones en donde marcaba el pulso con tremenda contundencia.

Además del capítulo aparte que merece La Biblia, Vox Dei dejó un legado fundamental con su discografía, que hoy es rescatada y referida por las nuevas generaciones de músicos de rock local.

Vox Dei nació en 1968 y al año siguiente editó sus primeros simples que se hicieron clásicos: Presente (El momento en que estás) y Azúcar amarga. En 1970 aparece Caliente, el larga duración debut. A la lista se sumarían álbumes fundamentales: Jeremías, pies de plomo (1972), La nave infernal (en vivo, 1973), Es una nube, no hay dudas (mismo año), Vox Dei para Vox Dei (1974), Gata de noche (1978), entre otros.

El trío se encontraba en 2010 en plena actividad, con Carlos Gardelini en la guitarra en lugar de Soulé, convirtiéndose en el grupo más longevo que registra el Rock Argentino.

Su último disco de estudio es El camino, aparecido en 2005, y actualmente se encontraban pre produciendo el material de Archipiélago de almas, un nuevo trabajo que estaba pronto a aparecer. Toda esta constancia de 42 años en los escenarios y en la ruta, se debió en gran medida a la perseverancia y convicción de un artista como Rubén Basoalto.

Son muchas las anécdotas que pintan a la banda y especialmente a Rubén Basoalto. Durante una fría noche, en el invierno de 1980 ó 1981 –sepan disimular el margen de error– Vox Dei se presentaba en el gimnasio de la Biblioteca Popular de La Cumbre (Cba). En un momento dado los tres integrantes interrumpieron el show y se bajaron del escenario fastidiados con el público que exigía que tocaran sólo temas de La Biblia. Refunfuñando mientras apuraban un whisky en el buffet del club, convencieron a los fans que todo el material debía ser escuchado por igual, y así el concierto pudo continuar normalmente.

Más acá en el tiempo, el 13 de febrero de 2010 -aquí la fecha brilla por la exactitud- los Vox Dei eran invitados a tocar por primera vez al Festival Cosquín Rock, como los verdaderos ancestros del rock. El respeto manifestado por la producción tenía límites de tiempo en escena, nada más que 20 minutos tenían para desarrollar su música. A Basoalto poco le importó, lo mismo se mandó con su habitual solo de batería de casi 10 minutos, ante la mirada perpleja y ansiosa de su socio Willy Quiroga que veía como se les esfumaba el tiempo otorgado. Y es que Rubén no concebía el show de otra forma, por más que los tiempos y las prioridades hubieran cambiado, él se sentía como si estuviera tocando en aquellos viejos festivales de los 80’s, donde ni el tiempo, ni los sponsors apuraban a nadie, y mucho menos a Vox Dei.

Por eso Rubén Basoalto merece hoy, más que ningún otro, los crespones negros que se suelen colgar en facebook o en twitter, porque fue un músico y un artista de una entrega total. Nos dio innumerables momentos de satisfacción con su música, y a cambio recibió muy poco. Tenía que seguir remándola día tras día, como muestra innegable de lo devaluada que está la cultura en este bendito país. Pero su nombre y su obra permanecerán imborrables en la historia de la Música Popular Argentina, y es por eso que un artista de estas características se puede ir, pero nunca jamás podrá dejar de existir.-

El cantor de jazz

2010-11-04T11:09:00.000-07:00

El regreso de mano lenta

Eric Clapton regresó a las vitrinas con un nuevo disco llamado simplemente “Clapton”. El trabajo contiene en su mayoría versiones y un par de estrenos. Lo acompañan una banda de apoyo de primera línea e invitados de lujo. Mirá el trailer del disco.

NOVEDADES DISCOGRÁFICAS

Nadie duda que Eric Clapton sea uno de los grandes artistas del rock a nivel planetario, y que como guitarrista forme parte de una elite que podría contarlo entre los 5 violeros más destacados e influyentes de todos los tiempos.

Desde sus tempranos años en los que integraba bandas emblemáticas como The Yardbirds, Los Bluesbreakers de John Mayall, los inmortales Cream, Blind Faith o Derek and The Dominos; o en su dilatada trayectoria como solista, Clapton tiene definitivamente muy bien ganado su múltiple espacio en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Fue desde el momento mismo de su irrupción en el firmamento rockero nuestro guitarrista estrella, especialmente para todos los que además de ser amantes del género, veíamos en ese instrumento, la guitarra eléctrica, la espada y estandarte del rock.

En alusión a su virtuosismo se gano el paradójico apodo de “slowhand” (mano lenta) en tiempos de Los Yardbirds, su primera banda, corría 1964. Ese sobrenombre algunos años después sería el título de uno de sus álbumes solistas fundamentales en el devenir de su carrera, datado en noviembre de 1977. Disco con el que conseguiría acrecentar notablemente su popularidad, principalmente por dos temas que se convirtieron en clásicos indiscutidos y que atravesarían varias generaciones: Wonderful tonight, una balada que tuvo como musa a Pattie Boyd, la mujer que le birlara a su colega George Harrison sin que esto destruya su sólida amistad; y Cocaine, un rock and roll de JJ Cale en magistral versión de Clapton, tocada de ahí en más por la mayoría de los aprendices de guitarra del mundo.

Hoy el viejo Eric (respetuosamente dicho, claro está) regresa al disco con un trabajo compuesto en su mayoría por versiones, más dos estrenos. "Clapton" es su título, un registro en el que reversiona viejos temas del blues y el jazz tradicional y de la música country, asumiendo el rol de un perfecto crooner, cantando por momentos como si estuviera en un bar de copas (Rocking chair) y dibujando trazos con su maravillosa guitarra (River runs deep) en dosis homeopáticas pero altamente conmovedoras.

Impecable la backing band que lo acompaña, conformada por músicos de sesión que ya son leyenda: Jim Keltner en batería, Willie Weeks en bajo y Walt Richmond en piano, teclados y órgano Hammond; quienes tocaron en discos, vivos y giras al lado de figuras como George Harrison, John Lennon, Ringo Starr, Bob Dylan, Rolling Stones, Neil Young, Joe Cocker, Pink Floyd, entre muchos otros, sumando entre los tres una lista sideral.

Aparecen también invitados de lujo de la talla de Steve Winwood, el mismísimo JJ Cale y Sheryl Crow (el dúo Clapton-Crow se luce en el estreno de Diamonds made from rain, un lentazo con cualidades de hit); o junto al terceto de Wynton Marsalis, Trombone Shorty y Allen Toussaint que aportan los vientos de banda de jazz para que Clapton cante con voz negra When somebody think your wonderful, definitivamente un tema para el autostereo de un lujoso Cadillac. En tanto el armonicista Kim Wilson recrea el estilo Little Walter en piezas como Judgement day y Crazy about you baby. Como se ve, un fichaje soñado, y a la altura del protagonista principal.

Hay otros momentos destacados en la placa, como el que nos devuelve al Clapton más previsible y que se reivindicará ante los fans que esperan lo de siempre y a los que tal vez este disco los deje fuera de juego, ese tema es Run back to your side, otro de los nuevos, en donde la guitarra arde en llamas como ya sabemos que puede hacerlo.

La perla, mencionada por muchos como tal, se llama Autumn Leaves, una tonada que aunque no sepan de donde, igual les resultará familiar. Una canción versionada por muchísimos cantantes de estilos variados, y que hoy es recuperada por Clapton para este trabajo tan vintage que sorprende y agrada por partes iguales, un verdadero placer para el oído y uno de los mejores discos aparecidos en 2010. Si pueden disfrútenlo.-

“El blues es igual al latido del corazón”

2010-10-21T12:55:00.000-07:00

Carlos Carranza: un cowboy moderno

Carlos Carranza y la 9Sur ofrecen en cada presentación tres horas intensas de blues, country music y rock and roll. En esta entrevista el bluesman repasa su historia.

ENTREVISTA A CARLOS CARRANZA

Es sábado a la noche y el bar está casi lleno. La temperatura bajó abruptamente y el viento frío levanta remolinos de tierra gredosa en una ciudad a la que el progreso que avanza sin preguntar la convirtió en una locación de la película La guerra de los mundos. El silencio de la calle desierta deja escuchar claramente el sonido de la guitarra de Carlos Carranza, y eso me dice que estoy llegando tarde. El bluesman junto a la 9Sur, la banda que lo acompaña, ya había puesto primera en la noche que la cartelera del pub Les Paul los tenía como menú artístico principal.

Carlos es una especie de cowboy moderno, tanto arriba como abajo del escenario viste camisas a cuadros, jeans, botas tejanas y sombrero vaquero aunque sea verano; y se conduce en un gran Chevy blanco (“Por que me gusta el estilo americano de autos de los ‘60 y ‘70”, revela). Pero más allá de su aspecto es un violero con una forma de tocar que impacta.

Dos datos sobre su actuación, con los que desairó el formato de “show para pub”. El primero que no hubo el habitual “paramos 10 minutos” -que siempre son muchos más- para que los asistentes puedan renovar sus tragos. Algo que le viene bien a la barra, pero que corta la continuidad del espectáculo. La segunda, que el volumen de los equipos tenía los suficientes decibeles como para evitar el molesto y constante murmullo de los parroquianos a los que el show les importa un bledo.

Pero volvamos a la forma de tocar de Carlos. Usa a la vez púa y dedos, y da la sensación que arranca las cuerdas en vez de puntearlas, provocando una tensión con la que logra un plus de volumen. ¿Adonde remite ese estilo? Él es quien nos ilustra: “Es buena la observación, eso viene del mismo estilo musical, es parte de la forma de tocarlo. Tiene que ver que el Blues y el Country que son músicas folklóricas, están llenos de detalles que hacen al resultado final, conocer esos detalles hacen la diferencia. Esa forma se llama ‘hybrid picking’ o pulsado híbrido, o sea, púa y dedos, es muy común en la música Country. En el Blues no tanto, pero también se usa, o sino con los dedos solos. La mano derecha es importantísima, por el ritmo y la cadencia, y la izquierda por las notas, juntas hacen la magia”, concluye.

Un rápido repaso por su historia nos dirá que Carlos Carranza nació en Córdoba hace 39 años, y toca en vivo desde los 18. No empezó con el blues, sino tocando batería en Hammer, banda de heavy metal de amplia trayectoria en Córdoba, y que aún existe.

Después de tanto tiempo de trajinar escenarios, dice no vivir de la música, aunque en todo caso “Siempre suma al bolsillo y al corazón, y eso está ok así”, asegura.

En 1992 luego de dejar Hammer, y ya como guitarrista, pasó por el grupo Fe Ciega, eran canciones de blues y country al estilo Chris Rea. “Ahí conocí a Rodolfo Sierz -nos cuenta- que luego fue batero de La Vagabunda, banda que tuvimos desde el 96 hasta el 2001, y actuamos por varias partes del país. Al mismo tiempo estaba con Los Búfalos Sedientos, así que hubo mucho agite, movimiento y música en esos años para mí”, dice y riendo. “Durante el 94 tuve un dúo de blues acústico llamado Blue Devils, con una cantante. Ahí aprendí mucho de guitarra slide y guitarra acústica”, rememora el músico, que además toca bajo, dobro, mandolina y banjo.

En 2003 empezó su etapa solista y, luego de un paráte, el trabajo se intensificó en 2005. Hoy logró continuidad con la 9Sur. Y al respecto Carlos cuenta que: “Ellos eran una banda aparte y coincidió que se estaban desarmando, como gustaban del Blues, el Country y el Rock Clásico, y yo necesitaba banda, fue que los convoque. Eran los mismos de ahora, Claudio y Cristian Grimau en batería y guitarra, y Darío Luna en bajo. Franco Di Martino (el armonicista) se sumó en 2007”.

-Con Franco parecería que formás una pequeña sociedad, inclusive tenés un show en formato chico con él, ¿es como tu mano derecha dentro de la banda?

“La banda está en armonía, la 9Sur está a tierra, manteniendo el ritmo, y Franco y yo somos los solistas, y funciona ok así. Mano derecha son todos, siento que es una banda, todos dependemos del otro para un buen resultado”.

-¿Que influencias reconocés dentro del blues, el country y el rock and roll?

“Siempre digo que lo mío es el Blues, el Country y la música irlandesa. La música norteamericana es la combinación de esos estilos, y algunos más. Músicos de esos géneros son mi influencia. Hay miles, profesionales o no, esa música me llega mucho, así que no puedo elegir a un puñado de músicos. Aunque siempre hay alguno que escucho por temporadas, en estos días estoy escuchando a Chris Rea, Jim Campilongo y Chris Leroux”.

-¿Tu repertorio y tus gustos personales tienen relación directa a lo que se conoce como el Blues de Chicago?

“Creo que va mas allá, el Blues de Chicago es un sub género, por llamarlo así, dentro del Blues, como el de Texas, el de Mississippi, el de la costa Oeste, el Inglés, son todos diferentes. En casa escucho Blues, Country (que también tiene muchos subgéneros) y música irlandesa, y algo de metal europeo también. Me gustan las milongas y todo el folklore pampeano y algo del litoral. Tuve dos años que escuché mucho folklore y aprendí a tocarlo”.

-¿En qué circuito de escenarios te movés habitualmente?

“En el que se pueda”, exclama riendo, y aclara: “Nos va bien, nos siguen llamando, podemos hacer algo ‘tranqui’, a muy bajo volumen, o tocar más fuerte sin perder la esencia. El Blues está en casi todas las músicas actuales. Tocamos en lugares como el ‘Bar1700’ en Córdoba, o en ‘Les Paul’ en La Falda, esos lugares nos gustan mucho. Así que dependiendo de cómo lo toquemos, hay cabida en varios lugares diferentes, y la gente lo acepta, les agrada. El Blues, decía el guitarrista de Living Colour, te hace sentir en casa, cómodo, a casi todos les cae bien, porque el ritmo es igual al latido del corazón”.-

Cosquín Rock, el libro

2010-10-09T12:01:00.000-07:00

El otro yo de Cosquín

“Cosquín Rock”, escrito por José Palazzo, relata vida y misterios del festival que continuó la mística de los festivales cordobeses. En un trabajo plagado de anécdotas, el productor no se guarda nada y dispara contra varios.

LIBROS DE ROCK

El encuentro con José Palazzo, productor general del Cosquín Rock, fue un sábado en un pub de Villa Giardino, la noche que se presentaba con Rouge & Roll, su vieja banda reconstituida al sólo efecto de tocar para divertirse y con fines terapéuticos, según dijo.

Unos días antes la invitación había llegado vía mail.

-El sábado tocamos en Villa Giardino, si querés ir. Vamos con las familias a pasar el fin de semana y de paso rockazzo.

-Dale, nos vemos. Te voy a llevar mi libro y te lo voy a dedicar.

-Yo te llevo el mío.

-Ok, va a ser un placer.

Dos libros, dos festivales. Con Cosquín Rock de José Palazzo y La Falda en tiempo de Rock de quien firma esta nota, se resumen 20 años de la más apasionante historia del Rock Argentino desde Córdoba para todo el país.

El libro de Palazzo fue lanzado a fines del año pasado, y presentado en febrero durante la décima edición de Cosquín Rock. Sin necesidad de ser modesto, José siempre me decía, “Está muy bueno, es como una novela de aventuras, te vas a cagar de risa”. Y la verdad que tenía razón.

Cosquín Rock, el libro, se vende con exclusividad en algunas librerías de Córdoba, y lamentablemente no llegó al resto de los comercios del ramo. Porque sea cual fuere el género literario, si no se cuenta con una editorial importante detrás, la gran complicación para cualquier trabajo es, sin dudas, la distribución.

No había tenido aún la posibilidad de leerlo, y lo cierto es que la historia desde la página 1 te atrapa, la lectura se hace notablemente rápida por su relato fragmentado de los hechos que dieron vida al festival, una narración que se basa en los sucesos principales. Con muchos detalles pero sin dar demasiadas vueltas, Palazzo va al grano y descorre el velo sobre los mitos y leyendas del festival de rock que nació en la Plaza Próspero Molina, de la folklórica Cosquín, y necesariamente se fue mudando. A través de la lectura de sus páginas se verán los por qué.

Y como en toda novela de aventuras hay héroes y villanos, ungidos en este caso según la versión del autor, José Palazzo. Los personajes reales que ocupan los roles principales son: Julio Márbiz, el mismo del folklore y quien entusiasmó a Palazzo a realizar el ciclo rockero. El Perro Emaides, su socio en los comienzos, hoy distanciado. Marcelo Villanueva, intendente de Cosquín, otrora aliado y amigo y posteriormente adversario. Jorge Guinzburg, el desaparecido actor y productor revisteril que intentó, sin éxito, desplazar a Palazzo de la producción del festival. Y Cristian Merchot, hábil productor porteño y manager de rock que, al igual que el intendente, fue en distintos momentos, amigo o enemigo.

Otros personajes: el anterior jefe comunal de San Roque, locación a la que llevó sus huesos el ciclo, luego que fuera desalojado de Cosquín; y un tal Sr. Rolfi, propietario de una casa colindante al predio de San Roque, que en una actitud incomprensible y caprichosa hizo y sigue haciendo las mil y una para entorpecer la realización del evento.

Contra todos el autor dispara sus dardos, y los que peor quedan parados son: su ex socio y amigo el Perro (supongo irreconciliable la relación entre ellos, luego de la aparición de este libro); y el trío compuesto por Villanueva, Guinzburg y Merchot; quienes quedan pintados casi como los archienemigos de Batman.

El otro capital exclusivo con que cuenta el trabajo es la cantidad de anécdotas acumuladas a lo largo de una década, y que solamente el mundillo del rock a través de algunos de sus personajes puede generar. Notas de color relatadas por quien las vivió, y en algún caso padeció, en carne propia. Y otro tanto pasa con el abundante material fotográfico, seleccionado con criterio artístico y documental, impresas en blanco y negro y de excelente calidad; extraído de distintas fuentes, según detalle: los archivos del matutino cordobés “La Voz del Interior”, de la productora “Nueva Tribu”, de la banda Los Piojos y Aníbal Mangoni.

En sus solapas, en la habitual reseña biográfica dedicada al autor, sobre el final de la misma hay un fragmento que nos toca directamente: “José Palazzo, intentó revivir sin éxito el Festival de La Falda”, aunque en otro pasaje también deja en claro que el festival faldense actuó como principal inspirador de su propio ciclo.

Data del libro. “Cosquín Rock” (Pequeñas historias de un festival que vive al pie de la montaña), contó con la producción del periodista Víctor Pintos quien ordenó los textos, seleccionó las fotos y principalmente alentó a Palazzo en la tarea. La impresión se realizó en papel ilustración (hay una edición común y otra de lujo con tapas duras), consta de 320 páginas y se puede conseguir en la ciudad de Córdoba a un precio de $80 (en el formato común).-

Un terremoto llegando

2010-09-24T16:24:00.000-07:00

"Followers Advisory: Explicit Changes" (un guiño a los fans)

La banda cordobesa Eruca Sativa regresó a Córdoba para presentar “ES”, su segundo trabajo discográfico. Fue en el Teatro Real y a sala llena, en el marco del ciclo “Disco es Cultura”.

PRESENTACIÓN DE DISCO

Si hay una banda a la que le cabe a la perfección el tantas veces usado rótulo power trío, esos son los Eruca Sativa. Quedó claro desde el primer tema que sonó la noche de su presentación en la ciudad de Córdoba, escala local de la gira nacional de ES, su segundo disco, y sucesor de La Carne (2008).

“Qué bueno que es estar de nuevo en casa”, anunció Lula Bertoldi (voz y guitarra) a poco de empezar, luego que descerrajaran Paraíso en retro, uno de los nuevos cortes. Desde ese instante se pudo sentir la fuerza de este terremoto de funk rock, que literalmente hizo temblar la sala. Momentos después, cuando las ves abajo del escenario, parece mentira que esas dos -aparentemente- frágiles chicas desarrollen tanto poder en escena. Es que tanto Lula como Brenda Martín (bajo y coros) tienen una delgadez y unos modos tan suaves que contrastan con tanto rock and roll y convicción, que a más de un pibe de aspecto duro le sería imposible transmitir, ni siquiera en dos vidas. Esa es una de las primeras claves de Eruca Sativa.

Detrás de estas chicas súper poderosas está Gabriel Pedernera (batería y coros) completando este trío con presente perfecto, él es el soporte rítmico y anímico que necesitan para sobrellevar el viaje. El baterista va más allá, y tan pronto bate parches, como se cuelga una acústica o se hace cargo del rappeo en Hoy.

Cuando avisé que iba a ver este show, un amigo me preguntó, ¿vos también te subiste a la Erucamanía? No sé si hay tal cosa todavía, pero hay que reconocer que lograron trascender. Permanentemente llegan a mi casilla anuncios de fechas en distintas ciudades del país, lo que convirtió al fenómeno no sólo en un proyecto para el barrio, sino de proyección nacional, y que desde el año próximo pretende abarcar el exterior a partir de México, según anunciaron en la conferencia de prensa post show.

El nuevo disco está muy bueno, son catorce canciones y no todas bajo el clisé del power rock. Hay una interesante variedad, por ejemplo en Mi canción, un hermoso tema a tres guitarras acústicas en donde Lula canta a lo Edie Brickell. No sé si a la Bertoldi le gustará la comparación, pero a mí me recordó a la cantante de los New Bohemians.

Hay muchos matices en canciones como: Una vida, Cuánto costará o Cada cosa a cada cual, que oxigenan la lista; porque después el resto del material te pasa por arriba y te aplasta sin contemplación, aquí se anota, entre otros, La carne (primer corte y clip de difusión).

Por el lado de los músicos invitados, Tití Rivarola puso una viola heavy en Desátalo, repitiendo la fórmula en el show. Y David Lebón fue un lujo que aportó voz y solo en Para ser. En ausencia del Ruso, ese momento del concierto fue reforzado con la percusión de Fernando Caballero.

Todo esto se observó de forma impecable en la noche del jueves 23 de septiembre en el Teatro Real, con una sala repleta de gente y el cartel de “entradas agotadas” que obligó a que se quedaran muchos afuera.

Un par de claves más para entender el fenómeno Eruca, está en las letras. Claras, directas, tan contundentes como: “y de qué lado está el Dios que inventás”, o con sugestivas imágenes: “disfrutando mi prisión, vano es querer salir, las entrañas me engañan”.

Hacia falta en el rock una banda que dispare textos así, si es de factura local, mejor. Como también hacia falta una cantante con un registro tan magnético como el de Lula Bertoldi, que además como guitarrista es una máquina de disparar riffs criminales. El as en la manga de Eruca Sativa.-

Eruca Sativa Presenta: "ES", su segundo trabajo discográfico (gacetilla+nuevo clip)

2010-09-17T19:24:00.000-07:00

Distinto tiempo, un lugar nuevo

2010-08-28T16:37:00.000-07:00

Nito enredado en los cables de ENTel (1980-81)

Siguen los cumpleaños de discos. A Miguel Mateos con “Rockas Vivas” se le sumó Nito Mestre para festejar los 30 años de “20/10”, su primer trabajo solista.

RECITALES + CUMPLE DISCOS

Primero fueron los discos tributo, le siguieron los regresos de bandas eternas, dos vetas del rock vernáculo que busca retroalimentarse mientras espera que en el amanecer del nuevo decenio algo o alguien patee el tablero con más inspiración que actitud. Ahora le llegó el turno a los aniversarios de discos, a Miguel Mateos con “Rockas Vivas” le siguió Nito Mestre (ex Sui Generis y Los Desconocidos de Siempre) con su debut solista “20/10” que está cumpliendo 30 años.

Tuvieron que pasar necesariamente tres décadas para que pudiera suceder, esto que era impensado cuando en el grabador gastábamos la cinta con esa música que fue la banda de sonido de una época. Por eso hoy la nostalgia garpa y las discográficas lo saben. Prefiero pensar que este rescate de discos emblemáticos de nuestro nunca bien ponderado rock argento al menos servirá para que las nuevas generaciones los descubran. ¿Servirá?

Historia: avanzaba el año 1980 y Nito Mestre dejaba atrás a Los Desconocidos de Siempre, banda que lideró luego de su participación en Sui Generis junto a Charly García. Los Desconocidos eran un perfecto ensamble de músicos inclinados hacia un folk rock electroacústico que luego de tres discos editados, ya habían agotado su propuesta artística sin poder reinventarla. A ellos Nito les había puesto su nombre y su chapa de líder, pero los tiempos pedían mayor protagonismo y entonces decidió lanzarse como solista. Así nació “20/10” (grabado en 1980, editado en 1981), álbum que debía su curioso nombre a los últimos cuatro dígitos del teléfono particular (el 631-2010) del Sr. Mestre, y que fue editado originalmente en vinilo y cassette por el sello Microfón.

Ese disco que esta considerado como lo mejor realizado por Mestre solista, contiene muchos de los temas que no faltan en su repertorio (a saber: Hoy tiré viejas hojas, Espero siempre por vos, Los remolinos de la inocencia, Contigo que pasa, Enero va, Distinto tiempo y el rock and roll Afuera de la ciudad, entre otros) y para celebrarlo -además de la reedición del trabajo, esta vez en formato de disco compacto y por la multinacional Sony- Nito realizó un concierto el jueves 12 de agosto en el Teatro ND/Ateneo de Buenos Aires, del que formaron parte los músicos que participaron de la grabación de “20/10”, hace nada más que 30 años: el Mono Fontana, Lapo Gessaghi, Carlos Tribuzy, Pablo Fernández y Pedro Aznar. Faltaron Charly, León Gieco y el Ruso Lebón para que la plantilla estuviera completa. También fueron de la partida la actual banda de Mestre, y Silvina Garré, quien últimamente se presenta con Nito en un espectáculo en el cual suman sus proyectos individuales actuales.-

Lamentablemente no hay en la agenda fechas de este mismo espectáculo para Córdoba o alguna otra ciudad del país, desde la producción nos aseguraron que “fue único e irrepetible”.-

Aplausos en el cosmos

2010-08-23T10:50:00.000-07:00

Foto: Sergio Cejas / La Voz del Interior

Skay Beilinson presentó ¿Dónde vas?, su flamante cuarto disco, en el Orfeo Superdomo. Una banda potente y ajustada y un repertorio incuestionable, son sus mayores atributos.

RECITALES + DISCOS NUEVOS

El paso a solista de un músico que construyó su carrera como integrante de una banda suele ser un salto al vacío con la póliza de seguro vencida. Mucho más si la banda tuvo el nivel de grandeza de Los Redondos, y que tras su disolución inconsulta depositó en la figura del Indio Solari casi toda la mística y el dominio de las peregrinaciones en que se transforma cada concierto. Skay Beilinson, la otra mitad histórica de la leyenda de Patricio Rey, la tuvo que remar, pero hoy tiene la satisfacción de haber consolidado una carrera propia sólida, que ya acumuló una discografía con cuatro álbumes que van de muy bueno a excelente.

El sábado pasado Skay cumplió con su escala regular anual por la capital cordobesa, está vez para presentar oficialmente ¿Dónde vas?, cuarto disco de la saga. Y fue una presentación rigurosa ya que se tocaron la totalidad de los temas nuevos, relegando, por esta vez al menos, algunos hits propios y una mayor abundancia de clásicos “redondos”, lo que se tradujo en menos pogo y agite por más aplausos y ovaciones.

Apenas pasadas las 22 Skay se trepó al escenario improvisando el riff de La bestia pop, un guiño sutil a su célebre ex banda, y tras las secuencias electrónicas apareció el temible Gengis Khan. La banda -Oscar Reyna guitarra, Claudio Quartero bajo, Topo Espíndola batería y Javier Lecumberry teclados- sonaba potente, ajustada, impecable, a puro volumen, pero que no obstante permitía escuchar detalles. El lugar, con pista y tribunas centrales habilitadas para un 50% de su capacidad total, tenía los laterales cubiertos por largos telones blancos que fueron utilizados para proyectar secuencias del show e imágenes creadas especialmente por el Mono Cohen (Rocambole) -el artista plástico desde la consola de sonido supervisaba todo atentamente- logrando el efecto de una enorme caja de fantasías, un pequeño gran hallazgo de producción.

Poco faltaba para empezar a repasar las nuevas canciones del muy buen trabajo que es ¿Dónde vas? Un disco que profundiza sobre algunos temas que desvelan a Beilinson: el ser humano, su existencia, su hábitat, la trascendencia de la muerte y la necesidad física y mental de recorrer nuevos horizontes.

Es difícil encontrar perlas dentro del nuevo cofre, ya que es un álbum de calidad muy pareja donde ningún tema sobresale demasiado sobre el otro. Entonces dependerá de los gustos personales. Para algunos será la libertaria En el camino, o aquella donde define a los pensamientos como pájaros inasibles (Aves migratorias). Promediando la primera parte del show presentó Aplausos en el cosmos, que junto con Territorio caníbal y La rueda de las vanidades podría conformar una especie de suite conceptual sobre la humanidad, el individuo, el tiempo cronológico, el planeta.

En Tarde de lluvia hay cierta similitud con El fantasma del 5° piso del anterior disco (La marca de Caín, 2007), sólo que esta vez el protagonista en vez de estar encerrado en un cuarto de hotel siente la opresión de la gran ciudad. Suelo chamán, otra de las nuevas, es una especie de baguala; y ya sobre el final La pared rojo lacre que en el vivo perdió el toque de guitarra electroacústica que remarca su estilo country para luego estallar en un furioso rock.

De los anteriores trabajos, pocos y muy buenos, Arcano XIV, Ángeles caídos, Flores secas, Soldadito de plomo y la espectacular Astrolabio, con Skay forzando la voz y encarnando a ese personaje mezcla de brujo de historieta, que su cuerpo delgado y deliberadamente encorvado y su cara huesuda se encargan de acentuar.

Para los fundamentalistas ricoteros hubo un par de ansiolíticos, La parabellum del buen sicópata y la infaltable Ji ji ji, y todo estuvo en orden. Aunque quedó claro que con semejante repertorio -ver bises: El viaje de Mary, Oda a la sin nombre y El Golem de la Paternal- hoy a Skay con lo propio le basta y le sobra.-

Skay - ¿Dónde vas? (2010)

Rockas que siguen vivas

2010-08-18T18:20:00.000-07:00

Tapa del vinilo "Rockas Vivas" (1985), Mateos ¿era zurdo?

La nueva veta a explotar en el rock vernáculo es la de los aniversarios de discos fundamentales. Miguel Mateos se alinea y celebra los 25 años del exitoso “Rockas Vivas” en Córdoba.

RECITALES + CUMPLE DISCOS

Miguel Mateos está de festejo. Aquel muchacho terrible y algo arrogante, que con su dicción afectada para cantar arrasó el país con pop a mediados de los 80’s, lanzaba hace 25 años el álbum en directo “Rockas Vivas”, un trabajo que se convertiría en el disco más vendido (superando los 500.000 ejemplares) hasta que El amor después del amor (1992) de Fito Páez le arrebatara el cetro. Igualmente los temas que incluía aquel trabajo se transformaron en clásicos invencibles de la moda retro ochentosa.

El ex líder de Zas ya realizó en el Luna Park el primero de una serie de recitales aniversario, y la fecha elegida no pudo ser más apropiada, 7 de agosto, mismo día y lugar que 25 años atrás lo presentara oficialmente. Además ya tiene cerrada una gira nacional de este mismo espectáculo, que recorrerá Posadas, Resistencia, Córdoba, Mendoza, Rosario, Tucumán y Salta. La escala cordobesa será este viernes 20 de agosto en Quality Espacio (Av. Cruz Roja Argentina 200).

Bajo la consigna “En Argentina todavía hacen falta huevos”, en alusión a letra de En la cocina (huevos), Mateos promete para la ciudad mediterránea un show similar al realizado en el Palacio de los Deportes, más allá de la Gral. Paz. Si cumple, se podrá ver un espectáculo en tres partes: un set con la lista completa de Rockas Vivas junto a la formación original de Zas, Chino Sanz en guitarra, Raúl Chevalier en bajo, Alejandro Mateos en batería, Julio Lala en teclados y el saxofonista Oscar Kreimer como músico invitado. El concierto se completa con otro bloque con el resto del repertorio de Zas y un tercero con lo producido por Mateos solista. Las flamantes versiones sinfónicas de algunos clásicos -Tirá para arriba y Huevos, entre otras- prometen ser la sorpresa y el desafió para los paladares de los fans más ortodoxos.

El caso de Rockas Vivas es muy curioso en la historia de la música popular argentina. El material que lo compone fue grabado en el Teatro Coliseo durante los conciertos de presentación del disco Tengo que parar de 1984. Cuando al año siguiente se edita Rockas Vivas, compuesto en su mayoría de hits, se disparó el fenómeno descomunal de un álbum que fue determinante para la carrera de Miguel Mateos -elemento fundamental de Zas- pero también fue un suceso que jamás pudo volver a conseguir en la misma magnitud. La lista de canciones, de punta a punta, forma parte del Miguel Mateos esencial, y caben perfectamente en esa categoría de “temas que sabemos todos”, porque hasta el menos iniciado es capaz de, al menos, tararear números como: Perdiendo el control, Sólo una noche más, Va por vos, Tirá para arriba, Un poco de satisfacción, Extra extra, Un gato en la ciudad, En la cocina (huevos) y Un mundo feliz. Canciones que siempre tuvieron una alta rotación en los medios, además de ser íconos refractarios de la década a la que pertenecen.-